Der Comic im Kopf

In eigener Sache und ein paar belanglose Geschwätzigkeiten

2012-01-24T12:53:00.000-08:00

Liebe Leute. Ich habe soeben den Vertrag für DER COMIC IM KOPF unterschrieben. Das Buch wird also jetzt grimmige Realität. Es erscheint im Juni zum Comicsalon in Erlangen. Was bedeutet, dass ich Nebentätigkeiten wie Duschen oder Bloggen ab jetzt auf ein Minimum reduzieren werde. In dem Buch stecken Erkenntnisse von 10 Jahren Comicsmachen, aus dem Unterricht bei meinem lieben Idol / Mentor / Freund Ralf über Dutzende von Büchern und Jahre von Unterricht. Ich freue mich sehr darauf.

Ein sehr erfreulicher Nebeneffekt ist, dass das Buch ein erstes schönes gemeinsames Projekt mit meinem schamlos talentierten Freund Markus ist. Er war vor einigen Wochen hier und hat etwas Artwork dagelassen, wie zum Beispiel dieses kleine Beispiel eines Dialoges im Comics. ich bin sehr froh und stolz über das Privileg, ihn als Zeichner für DCIK zu haben.

Ich möchte nochmal gerade die Gelegenheit ergreifen und allen danken, speziell Burkhard Ihme und dem ICOM, die das Projekt von Anfang an unterstützt haben. Ich werde versuchen, hier ab jetzt regelmäßig Auszüge und Zeichnungen aus dem Buch zu posten. Versprechen kann ich nichts, denn die Zeit bis Juni wird fliegen, und ich will, und muss, dem Buch alles geben was ich habe.

viele Grüße und große zeiten, spong

Die große Kunst der kleinen Schritte.

2011-12-13T11:42:00.000-08:00

Ich hörte die Tage, seit langem mal wieder, eine meiner Lieblings-CDs, PYCHOTIC NUTTWERX von Fishbone, und ich musste daran denken, wie sie mir dereinst eine Lehre erteilten. Davon später.

Die Kunst der kleinen Schritte nenne ich deshalb groß, weil ich sie selbst nicht besonders gut beherrsche. Aber sie führt definitiv zum Ziel. Immer. Es gibt ein wunderbares Buch namens TIMELINE, die die Kunst aufzeigt, dass man jedes Ziel erreichen kann, wenn man es nur in genug kleine, erreichbare Schritte aufteilt. Du willst eine Graphic Novel veröffentlichen? Du willst 100.000 Euro haben? Geht alles. Dauert allerdings. Put your heart to it.

Ei-gen-tlich ist es nämlich sehr einfach, ein Ziel erreichen. Wir brauchen nur die richtige Landkarte, die uns von A zum Z wie Ziel führt. Jeder Weg lässt sich in kleine Etappen unterteilen, und wenn wir unsere Etappen zusammenhaben, brauchen wir nur noch loszugehen. Manche von uns beherrschen schon sehr früh die Kunst, sich ihre Landkarten zurecht zu legen.

Die meisten, ich eingeschlossen, allerdings nicht. Die allermeisten von uns stürzen sich wie ein tollwütiges Eichhörnchen auf ihre tolles Projekt. Wir sparen uns B, C, D und alle anderen Buchstaben und gehen direkt mit unseren Kugelschreiberkrakeleien zum Stand vom Großverlag. Hier, mein Comic.

Das sind Kugelschreiberkrakeleien von Superheldinnen beim Schlammcatchen, heisst es dann vielleicht. Passt nicht in unser Programm.

Kacke gezeichnet ist es auch.

Der typische Comiczeichner geht jetzt einen von zwei Wegen:

Der Weg der Eisprinzessin

Wir stoßen erbitterte Mutterflüche über den ignoranten Kommerzverlag aus, der für unser Werk noch nicht BEREIT ist, und gehen den Weg des Samurai. Selbstveröffentlichung und/ oder Internet.

der Weg des Maulwurfs

Wir wurden abgelehnt. Das bestätigt unseren schwelenden Verdacht, dass wir es nämlich nicht DRAUFHABEN, dass unser Talent einfach nicht ausreicht, und wir geben es dran.

Für die Eisprinzessinnen:

Ablehnung ist nichts persönliches. Viele machen direkt mal den Fehler, gar nicht erst vorher zu recherchieren, bei welchem Verlag ihr Projekt passen würde. Sie gehen einfach von Stand zu Stand. Hier, mein Comic. Veröffentlichen? Nein? Arschgeige.

Kleine Verlage arbeiten häufig mit ihrem Privatvermögen und wollen und müssen sicherstellen, dass irgendwas von ihrer Investition zurückkommt. Große Verlage müssen sich oft ihren Mutterhäusern gegenüber verantworten. Daher sind viele sehr vorsichtig mit Erstlingswerken. Trotzdem gibt es Dutzende von Erstveröffentlichungen, jedes Jahr. Allerdings sind die Autoren oder Zeichner oft genug bereits sehr routiniert in ihrem Fach. Aber jemand wie Adrian Tomine wurde jahrelang von Drawn & Quarterly abgelehnt, und versuchte es immer wieder. Jetzt ist er einer ihrer erfolgreichsten Autoren. There's a lesson.

Selbst wenn man abgelehnt wird – viele Verlage sind gerne bereit, ihren Input und ihr Feedback zu geben. Und wenn sie sagen, du bist noch nicht soweit, dann kann das schlicht stimmen. Es heisst dann einfach, dass wir unsere Hausaufgaben noch nicht gemacht haben. Ein saurer Apfel: wir sind – noch nicht – gut genug. Viele schmeissen hin. Einige setzen sich dran und versuchen zu lernen und besser zu werden.

(vor ein paar Jahren bewarb ich mich mit DAS KURZE HALLO bei einem Verlag und wurde abgelehnt. Das werde ich diesem Verlag nie verzeihen, aber das bin halt ich. Falsch und pubertär ist diese Haltung trotzdem ...)

Bei den vielen Zeichnern, die ich in den letzten Jahren erlebt habe, war fast immer der lange Atem, die Geduld, und die Bereitschaft zu lernen tausendmal wichtiger als Talent oder Potential.

Die inspirierendste Geschichte, die mir dazu einfällt, ist die eines Bekannten, Ansgar, der gerne Kameramann werden wollte, aber er hatte ein großes Stigma direkt von haus aus: Nur Hauptschulabschluss. Der erste Schritt war eine Fotografenlehre.

Er marschierte zwei Jahre lang von Pontius nach Pilatus, weil ihm niemand eine Lehrstelle geben wollte. Schließlich fand er eine, und lernte, was er konnte. Danach arbeitete er jahrelang in kleinen Fotografenjobs und jetzt, knapp zehn Jahre später, hat er sein Ziel erreicht. Das letzte was ich hörte, war, dass er auf Mallorca drehte. Some guys have all the luck ...

Ein Kumpel von mir ist einer der wenigen geborenen Zeichner, die ich kenne. Er hatte einen Comic fertig, und hat ihn an einen Verlag geschickt. Und wurde abgelehnt. Das war vor fünf Jahren, und er hat es nie wieder versucht.

VOM WINDE VERWEHT wurde 26mal abgelehnt. Der junge Stephen King versuchte fünf Jahre lang, seine Kurzgeschichten in einem Literaturmagazin unterzubringen. Nach fünf Jahre bekam er überhaupt erst die erste Rückmeldung – eine wohlwollende Absage, mit Verbesserungshinweisen, und nach sechs Jahren klappte es schließlich.

Kannst du dir vorstellen, wie enorm wir uns entwickeln können, wenn wir fünf Jahre an unserem Handwerk arbeiten? Der Himmel ist die verdammte Grenze. Das Universum ist sehr großzügig, heißt es in THE WAR OF ART, man muss seinen Wunsch nur laut genug äußern.

Die große Kunst des kleinen Gigs

Vor einigen Jahren sah ich die Band FISHBONE in einer kleinen Absteige in Düsseldorf-Benrath. Ich kam einige Stunden zu früh und hatte noch Gelegenheit, mit der Band zu reden, die vor dem Eingang saßen und sich unterhielten. Die Band gibt es seit über dreißig Jahren, und ihr Stilmix aus Funk, Reggae, Punk und Hardrock hatten großen Einfluss auf unzählige Bands.

Es hatte keine Plakate gegeben, keinerlei Ankündigungen. Ich und eine Handvoll Fans hatten über die Homepage von dem Konzert erfahren. Als die Vorgruppe begann, hatten sich circa 30 Fans versammelt, zwanzig davon waren Fans und Freunde der Vorgruppe, die Lokalmatadoren aus Benrath waren. Ich sah die ersten Anflüge von Frust auf den Gesichtern von Fishbone.

Als die Vorband durch war, standen noch ungefähr zwanzig Leute in der kleinen Halle. Let's do this, sagte der Sänger, Angelo Moore.

Dann betraten Fishbone die Bühne und lieferten das intensivste, leidenschaftlichste Konzert, das ich je gesehen hatte.

Sie gaben uns alles was sie hatten.

Als ich zweieinhalb Stunden später den letzten Zug nach hause nehmen musste, waren sie noch nicht mal bei den Zugaben.

The point being, of course, dass sie Profis waren.

Und das Syndrom des kleinen Gigs, für den wir uns zu schade sind, habe ich selbst, und bei anderen, immer wieder erlebt. Wir kriegen einen Job, aber er ist uns nicht cool genug, und wir liefern irgendeinen Murks. Vor einigen Jahren wurde mein lieber Lehrer Ralf gebeten, für WIESELFLINK einen Comiczeichner zu empfehlen, der seiner Meinung nach mehr Aufmerksamkeit verdiente. Er entschied sich für einen genialen Zeicher aus Hamburg, den er aus vollen Tönen lobte. Der Zeichner wurde gebeten, eine Zeichnung dafür zu liefern. Er lieferte eine nachlässig hingeschissene Krakelei, die kaum zu erkennen war. Als ich nachfragte, meinte er, ich finde Wieselflink doof.

Ein Teil von mir denkt Punkroooock, ein Teil von mir denkt, Wieselflink hin und her. Wer weiss, was sich daraus ergeben kann. Und vielleicht wäre es auch ein Zeichen von Respekt gegenüber Ralf gewesen, etwas besseres zu liefern als eine Klokrakelei.

Ich hatte eine Menge Chancen, die ich weitaus besser hätte nutzen können, wenn ich nicht eine arrogante Rotznase gewesen wäre, die auf den perfekten Job wartet. In einem Paralleluniversum bietet vielleicht DC dem jungen Alan Moore einen Job an, und der lehnt ab. „Das verf*ckte SWAMP THING? Der elende VIGILANTE, der aussieht wie ein Taucher aus der DDR der Siebziger? Batman oder Superman! Oder noch besser, meine eigene Serie! Sonst KÖNNT ihr mich mal.

(okay, sie konnte ihn dann schließlich trotzdem mal, aber erst nach einer Reihe sehr erfolgreicher Veröffentlichungen. Inklusive Supeman und Batman)

Versteh mich nicht falsch, viele Jobs, groß oder klein, sind inakzeptabel. Die Auftraggeber sind respektlos und das Geld ein Witz. Solche Jobs würde ich nicht annehmen. Aber wenn ich heute einen Job annehme, tue ich das , nach Möglichkeit, the Fishbone way.

Truth be told: Sechs Wahrheiten für tausend Geschichten

2011-12-07T07:00:00.000-08:00

Ja, tach. Ich weiss, ist ne Weile her. Ich schreibe tatsächlich gerade an der Endfassung von DER COMIC IM KOPF, und überlege, ob ich den koketten Titel nicht einfach weglassen und das Buch Graphic Novel Storytelling: kreatives Erzählen in der neunten Kunst nennen soll. What else is new: Im neuen, lesenswerten ICOM-Jahrbuch ist ein Interview mit mir - an dieser Stelle nochmal einen herzlichen Dank an Burkhard Ihme für seine Unterstützung!

Auch wenn ich viel und lange darüber schreiben möchte, wie man zur Graphic Novel kommt, bin ich mir natürlich bewusst, dass eine Geschichte von 100+ Seiten für die wenigsten von uns eine Option ist. Daher gibt es im Buch einen sehr langen Abschnitt, der sich mit Konzepten für kurze Geschichten und Erzählungen befasst. Ein Ausschnitt davon sind diese sechs uninversellen Wahrheiten des Lebens, aus denen sich unendlich viele Geschichten weben lassen.

1. Nur wir sind verantwortlich für unser Leben
"Der Mensch, den du im Spiegel siehst, ist schuld" hat Micky Rourke mal gesagt, "und niemand sonst." Das ist nicht immer wahr. Viele Menschen erleben Traumata, die ihre Leben und ihre Menschwerdung entscheidend prägt.

Aber die Mehrzahl von uns - weisse Westeuropäer - hat nicht wirklichProbleme. Aber wir können nicht aufhören zu jammern und die Schuldigen zu suchen - Wenn mich meine Mutter zwei Monate länger gestillt hätte, wäre ich jetzt ein großer Künstler - wenn niemand schuld, oder verantwortlich ist, ausser uns selbst. Aber in diesem sehr menschlichen Mechanismus - die anderen sind schuld - stecken unendlich viele Geschichten verborgen. Die meisten enden nicht
gut.

2. Freunde und Liebe kommt, Freunde und Liebe geht
So unglaublich es scheint: Menschen, die uns unendlich nahestanden,werden zu Fremden; Liebe wird uns gegeben und genommen. Wir begegnen und verlieren Menschen. Und es gibt immer den Tag danach.

"Die alte Flamme oder Der EX" von Alex Robinson beschreibt die Begegnung von Sherman und Sandie, die vor vielen Jahren mal zusammen waren. Sie erzählen Freunden von ihrer Begegnung, in der rechten Spalte, wie Sherman es erlebt hat, in der linken Spalte, wie Sandie es erlebt hat. Sherman hat das Gefühl, es hätte wieder leise gefunkt, Sandie weiss beim besten Willen nicht, was sie mal in Sherman sah.

Über Verlust und Trauer sind viele sehr dumme und viele sehr kluge Geschichten gezeichnet, geschrieben und gedreht worden. Es ist ein sehr mächtiges, universelles Thema, mit dem jeder Mensch früher oder später in Berührung kommt. Dass nach der Zeit des Abschiedes und der Trauer auch eine Zeit des Wiederaufbruchs kommt, ist vielleicht die einzige tröstliche Wahrheit in dieser ganzen Liste. Eines der mächtigsten Dokumente dieses Themas ist für mich Pixars "Oben", der auf sehr ruhige Weise vom Abschiednehmen und Loslassen erzählt. Man muss schon ein serbischer Axtmörder sein, um von dieser Geschichte nicht berührt zu
werden.

3. Unangenehme Dinge gehen nicht weg, wenn man sie ignoriert
Wieviele Leute ignorieren ihre Schmerzen, bis ihre Krankheit - metaphorisch oder buchstäblich unumkehrbar fortgeschritten ist. Ich bekomme alle drei Monate meinen GEZ-Zahlungsbrief. Ich hasse und verachte die GEZ. Ich lege ihn weg. Den Brief danach auch. Und irgendwann kommt die Zahlungsaufforderung mit der Mahngebühr. Wir wissen, dass unangenehme Dinge sich nicht einfach in Luft auflösen, wenn wir sie igonieren. Aber wir versuchen es immer wieder. Am Ende von Mark Kalesnikos ALEX hat Alex Kalienko, der nach einem Leben von Alkohol und Selbsthass immer wieder starke Unterleibsschmerzen hat, schliesslich seinen Menschenhass aufgegeben und nimmt die Einladung seiner lieben Nachbarin an.

Die letzte Seite des Buches beinhaltet unter anderem einen Krankenwagen.

4. Leben ist Veränderung: Starrsinn, Unbeweglichkeit und Passivität führen nie zu etwas Gutem
Sei nicht wie der Felsen; sei wie das Wasser, lautet eine Zen-Weisheit. Öh ... könnte jedenfalls eine sein. Ich kenne jedenfalls Menschen, die wie Felsen sind, und Menschen, die wie Wasser sind, und die Felsentypen haben weitaus mehr Ärger und Probleme.

Ein Bekannter von mir kleidet sich ausschliesslich in Jeans und Sweatshirt. Gerne auch mal Jogginganzug. Er erzählte mir kürzlich, seine Schwester habe letzte Woche geheiratet, aber er sei nicht dabei gewesen: Sie hatte ihn gebeten, sich etwas schick zu machen. Jacket, oder Anzugshose, was auch immer. "Wenn sie mich nicht so akzeptiert, wie ich bin, dann komme ich nicht." Mein Bekannter wollte mir damit den Starrsinn seiner Schwester vor Augen führen, aber die Botschaft, die ankommt, ist bei uns natürlich eine ganz andere: meine Bequemlichkeit ist mir wichtiger als meine Schwester.

Ein anderer Bekannter hat Philosophie studiert. Er ist seit langer, langer Zeit arbeitslos. Er kann gut schreiben, und ich regte ihn an, wissenschaftlichen Fachzeitungen Artikel anzubieten.
"Ich will mich nicht verkaufen." war die Antwort.

Er lebt von seiner Freundin.

Wir kommen immer wieder in Situationen, in denen wir unserere Maßstäbe und Kategorien infrage stellen müssen. Viele von uns sind zu starrsinnig, zu unbeweglich, und schaden damit sich selbst, und anderen.

Eine sehr aufwühlende Geschichte des Autors Wassillijk Schukschin handelt von einem Bauarbeiter, der, um seinenVorarbeiter zu beeindrucken, vorschlägt, die alte steinerne Kirche in der Dorfmitte abzureissen, ("geht eh keiner mehr rein") um die Ziegel für neue Gebäude zu benutzen. Er fährt mit drei Bulldozern auf die Kirche zu. Das ganze Dorf versucht ihn mit allen Mitteln aufzuhalten. Er riskiert sogar lebensgefährliche Verletzungen der anderen Bewohner, er ist taub gegenüßber Aufforderungen und Bitten. Schliesslich ist die Kirche, die vierhundert Jahre alt war, zerstört. Und es stellt sich raus, dass die Ziegel zu verklebt sind, um sie weiterzuverwenden. In seiner Kneipe bekommt er kein Bier mehr, seine Frau ist ausgezogen und seine Mutter sitzt weinend vor Scham und Trauer auf dem Kamin. Der Mann kann sich
nicht erklären, was die anderen alle haben, nimmt sein Motorrad und rast in die Nacht.

Dasselbe gilt für Passivität, in denen Menschen gefangen sein können wie in einem Käfig, sehr deutlich und schmerzhaft illustriert in Chester Browns I NEVER LIKED YOU (Als "Fuck" auf Deutsch bei Reprodukt).

5. Mut wird belohnt, Feigheit wird bestraft

In der Dokumentation Full Metal Village wird ein Mann gezeigt, der seinerzeit am Aufbau des Wacken Festivals beteiligt war. Als es darum ging, das Festival zu vergrößern, was mit einem
finanziellen Risiko verbunden war, zog er sich zurück: seine junge Frau war gerade schwanger, und er hatte Angst, zuviel Geld zu verlieren. Jetzt ist er seit Jahren ohne Arbeit und ohne Perspektive; seine ehemaligen Kumpels sind durch den Erfolg des Wacken Open Air gemachte
Männer. Die Welt quillt über vor solchen Geschichten: Menschen, die aus der Illusion der Sicherheit in einem Job bleiben, den sie hassen, oder in einer Beziehung bleiben, die sie unglücklich macht. Sie haben Angst vor der Veränderung, die ihr Leben letztendlich erfüllter und glücklicher machen würde. Aber die Feigheit rächt sich. Immer.

In Criminal: Grabgesang beginnt Sebastian, der Sohn eines Gangsterbosses, eine Beziehung mit einer Schwarzen. Seinem Vater ist das ein Dorn im Auge, und er lässt sie deportieren. Sebastian hatte die Wahl: Er hätte sich gegen seinen Vater stellen und seiner Freundin
folgen können. Aber der Reiz eines Lebens als reicher, mächtiger Erbe war zu verlockend. Er zerstört damit, ohne es zu wollen, das Leben der Frau und seines besten Freundes. "Denkst du, ich wollte das?" fragt er seinen Freund am Krankenbett. "Du hattest die Wahl," ist die Antwort
"du hattest immer die Wahl."

In BOX OFFICE POISON jammert Sherman in einer Tour über den Job im Buchladen, der ihn so unglücklich macht. Alle raten ihm, sich etwas anderes zu suchen. Nach ein paar halbherzigen Versuchen findet er sich ab. Am Schluss ist er gefangen in einem Job ohne Perspektive, und seine Unzufriedenheit strahlt auf seine Beziehung aus.

Im Kino behandelt der Film "Revolutionary Road" (det. ZEIT DES AUFRUHRS) dieses Thema auf sehr beeindruckende Weise.

6. Die Wahrheit wird uns einholen
Das kann mehrere Dinge bedeuten. Zum einen, dass ein Gebäude, dass auf Lügen und Geheimnissen gebaut wurde, irgendwann einstürzen wird. In A HISTORY OF VIOLENCE wird der ehemalige Mafioso Tom McKenna, der sich ein glückliches neues Leben aufgebaut hat, schliesslich von der Mafia aufgespürt; Auch Noel Coleman in Kyle Bakers wunderbarem YOU
ARE HERE wird von seiner Vergangenheit eingeholt. Das Paar "Dude & Mickey", einer der schönsten Geschichten von Sam Kieth tragen beide einige Geheimnisse mit sich herum, die zum Schluss an Licht kommen und fast zur Trennung führen.

Man kann diese Wahrheit auch anders lesen: dass früher oder später, so sehr wir uns auch bemühen, unsere wahre Natur zum Vorschein kommt. Eine Kurzgeschichte könnte den Moment einfangen, in dem ein Mann versteht, dass seine promiskuitive, genusssüchtige Freundin niemals in der Lage sein wird, treu zu sein. Oder die Frau, die versteht, dass ihr Mann den
Thrill, das Abenteuer mehr liebt, als er jemand einen Menschen lieben wird.

Prog Rock Comic: Alternative Erzählwege.

2011-10-24T00:43:00.000-07:00

Ich lese gerade Grant Morrisons "Invisibles", eine unglaublich versponnene, komplexe Geschichte um eine Gruppe von, naja, Terroristen. Ich habe mich von dem rebellischen Geist den Buches direkt anstecken lassen und der Frau an der Kasse im Saturn die falsche Postleitzahl genannt. Nimm das, Überwachungsstaat ... aber ich schweife ab.

The point being, die Invisibles ist eine Geschichte, die alle Konventionen, inhaltlich wie formell, auf den Kopf stellt. Es ist das Äquivalent einer Progressive Rock-Platte aus den Siebzigern. Komplexe Stücken, deren Stil und Takt sich alle dreissig Sekunden ändert. Bunte Klangcollagen. Ich verspüre unwillkürlich den Wunsch, mir eine Van Der Graaf Generator-Platte zu kaufen. Sogar die Cover sehen aus wie Progressive Rock:

Es war für mich der Anlass, mal einige weniger ausgetrampelte erzählerische Techniken aufzulisten, denen ich in den vergangenen 10 Jahren begegnet bin. Nicht alles gleichermaßen innovativ, neu oder experimental. Aber alles können für mein Empfinden noch in viele neue Richtungen weisen. Viele dieser Stilmittel arbeiten auf besondere Weise mit dem Zusammenspiel von Wort und Bild, also genau dem, was das Medium Comic so einzigartig macht.

Lebensdokumente

Unter anderen: Father's Day von Alan Moore

Okay, okay, de Technik der Kombination aus Bild und Dokument ist schon eher Gang und Gäbe. Es gibt tausende von Comics, die Bilder mit Briefen und Tagebucheinträgen. Die beeindruckendste Verwendung habe ich in Alan Moore's "Father's Day" gefunden, die Story eines psychopathischen Gewalttäters, Carl Linklater, der seine Tochter entführt, und schliesslich getötet wird. Der Bilder der Geschichte werden kontrastiert mit Auszügen aus einem Brief, den Linklater im Gefängnis an seine Tochter geschrieben, und nie abgeschickt hat.

Die Dokumente, die sich im Verlauf unseres Lebens ansammeln, von uns selbst oder über uns geschrieben, sagen unendlich viel über uns aus. Wie gesagt, Tagebucheinträge und Briefe finden sich in hunderten von Comics. Aber die Möglichkeiten sind unendlich. Was ist mit dem morgendlichen Frühstücks- und Anziehritual eines kleinen, pedantischen Beamten, kombiniert mit einem Brief an seinen Vorgesetzten, dass auf die korrekte rechtsbündige Formatierung, Spationierung und Marginalisierung der Datumszeilen in Anschreiben unbedingt zu achten ist.

Der Polizeibeamte, der mit einem begangenen Verbrechen nicht klarkommt, und der in seinem Bericht versucht, dem Geschehenen durch leeren Formeln und bürokratische Phrasen den Schrecken zu nehmen?

Man kann sich einen Comic vorstellen, in dem Panel für Panel Momentaufnahmen eines Lebens dokumentiert werden: Eine Geburt, der stolze, leicht asige Vater mit seinem Baby auf dem Arm, und weiter Moment für Moment einer Jugend, bis zu dem Punkt, an dem dieses Leben eine fatale Wendung nimmt. Neben den Bildern läuft als Text die Begründung der Geschworenen, weshalb sie, in Anbetracht der ausserordentlichen Brutalität der Tat und der einschlägigen Vorgeschichte des Angeklagten, die Todesstrafe für angemessen hält.

Auch wenn in der Richtung schon viel unterwegs ist: Die Kombination aus Lebensdokumenten und Bildern bleibt eine der spannendsten Wechselwirkungen von Text und Bild.

Zeitkollagen: wie in "Best Man fall" von Grant Morrison

Sowohl Alan Moore als auch Grant Morrison waren stark beeinflusst von einer Kultur des Wandels und der Innovation, von Autoren wie Hunter S. Thompson oder William Burroughs, und ich habe das Gefühl, dass zumindest Grant Morrison seine abgedrehtesten, experimentellsten Stories in den Achtzigern und Neunzigern gemacht hat. Ich kann mir nicht vorstellen, dass die "Invisibles" in ihrer epischen Länge und psychedelischen Wirrheit heute noch möglich wären. Die Story ist streckenweise das Äquivalent zu einem 10-minütigen Schlagzeugsolo. Andererseits hatten die Jungs damals offensichtlich komplette Narrenfreiheit und konten experimentieren, wie sie wollten. Eine der beeindruckendsten Sequenzen aus Invisibles ist die fast eigenständige Episode aus Heft Nummer 12, "Best Man fall" aus dem Sammelband Apokalipstick (hier ein längerer Text aus den Comic Book Resources über diese Episode). Hier wird das komplette Leben eines Menschen in wenigen Seiten wiedergegeben. Was die Geschichte so beeindruckend macht, ist, dass die Szenen nicht chronologisch aufeinanderfolgen, sondern als scheinbar willkürliche Puzzleteile durcheinandergeworfen werden, wie die Handlungsstränge in Pulp Fiction. In unserer normalen, linearen Wahrnehmung der Zeit - auf A folgt B, auf B folgt C bis zum Ende - macht jeder Schritt (halbwegs) Sinn und folgt auf den anderen. A führt zu B, B führt zu C. Aber Grant Morrison stellt Momente aus dem Anfang und dem Niedergang einer Beziehung direkt gegenüber, und der Effekt ist niederschmetternd. Äh, in a good way. Weil es schmerzhaft klarmacht, wo Menschen mal hinwollten, und was daraus geworden ist. Ich kann mir solche Zeitkollagen mit Leben vorstellen, mit Beziehungen, mit Karrieren ....

... und ich weiss nicht recht, was ich davon halten soll, dass die Essenz unserer Leben vielleicht tatsächlich auf 5, 6 Seiten erzählt werden kann. Ist das eine gute oder eine schlechte Nachricht?

Split Screen Page: zwei Spalten, zwei Perspektiven: Gesehen in "The Old Flame", Alex Robinson

Neben Ralf König empfinde ich die Bücher von Alex Robinson als den verwandtesten Ton. Für Alex Robinson war Dave Sims "Cerebus" das, was für mich Ralf König war, und so war das extrem innovative Mammutwerk von Sim auch prägend für Stil und Form speziell in BOX OFFICE POISON, einem der zerfleddertsten Bücher meines Haushaltes. Ausser von Ralf König haben ich wohl von keinem anderen Autor soviel ~~geklaut~~ Inspiration gezogen.

In einem Band mit Kurzgeschichten aus dem Box Office Poison- Universum befindet sich THE OLD FLAME, das ich für Panik Elektro: Love Stories verdeutschen durfte. Ein wunderbarer dreiseitiger Comic mit zwei Perspektiven: Ein Mann und eine Frau erzählen ihren Kumpeln / Lovern von einer Begegnung mit ihrem Ex. Der Typ hat das Gefühl, die alte Flamme sei noch am Glühen, die Frau fragt sich, was sie jemals in dem Typ sah. Wir erleben eine Situation, in zwei Sichtweisen, also zwei Geschichten.

Der Indie-Film "Conversations with other women" zeigt seine komplette Geschichte, ebenfalls die Geschichte einer Begegnung und eines Wiedersehens, in einem Split Screen (fast) immer aus den zwei Perspektiven des Mannes und der Frau. Das Storytelling der letzten Jahrzehnte, sichtbar in "Acht Blickwinkel" bis hin zu "Scalped" vermittelt immer mehr eine gleichzeitig sehr profane und sehr wichtige Einsicht, nämlich dass es nicht die "eine" Wahrheit gibt. Jeder Blickwinkel ist eine Facette von ihr. Es wäre interessant, mal eine längere Geschichte zu sehen, in der die zwei Spalten einer Seite verschiedene Geschichten und / oder Perspektiven einer Situation beleuchten.

Die Stimme aus dem Off: Captions und Voice-over

"Captions", die im Film "Voice-over" heissen, sind ebenfalls gang und gäbe im Comic, als Widergabe von Gedanken oder einer Erzählstimme. Ich denke, Noir erfreut sich deshalb so großer Beliebtheit im Comic, weil es den Ich-Monolog des Erzählers im Noir-Krimi sehr gut wiedergeben und mit Bildern ergänzen kann. Manche Seiten aus SIN CITY sind erzählt wie ein Roman, garniert mit Standbildern.

Beispiele für Caption:

Eine kommentierte Kriegsszene.

Ein Erzähler in SIN CITY

und in der grandiosen Geschichte Hawaiian Getaway von Adrian Tomine.

Und auch bei den Captions, gab und gibt es unendlich viele Möglichkeiten, und einige interessante, wenn auch seltener beschrittene Wege.

Point-of-View (POV): wie bei Daniel Clowes.

Natürlich erzählen viele Comics aus der "Sicht" einer erzählenden Hauptfigur, aber In den Neunzigern machte Daniel Clowes einige Comics, die die introspektive Sicht noch einen Schritt weiterführten und komplett "Point-of-View" erzählten, so daß man wirklich nur sah, was auch der Erzähler sah, und dabei seine Gedanken las. "Strolling" begleitet eine Person (alles immer sehr nah an der Person von Daniel Clowes selber) bei einem Spaziergang durch sein Viertel, in einem anderer Comic ist der Betrachter Gast auf einer Party, auf der er niemanden kennt. Der Eindruck dieser Erzählweise ist sehr intim - wir stecken direkt im Kopf des Erzählers - aber auf die Dauer sicher auch etwas klaustrophobisch, weil immer nur einen kleinen Ausschnitt des Geschehens sehen, als würden wir durch ein (zugegebenermaßen recht großes) Schlüsselloch blicken. Ich kann mir eine solche Erzählweise gut vorstellen, um für ein paar Seiten wirklich die Wahrnehmung einer anderen Person zu erleben. Als längere Geschichte kann ich mir vorstellen, dass diese Erzähllweise eine extrem bedrückende und gruselige Atmosphäre schaffen, kann, in der die eigene beschränkte Wahrnehmung zu einem Käfig wird, aus dem man nicht ausbrechen kann.

Der unzuverlässige Erzähler: wie in BOX OFFICE POISON von Alex Robinson

Der unzuverlässige Erzähler war im neunzehnten Jahrhundert geradezu eine Modeerscheinung in den Romanen. Der Erzähler der Geschichte ist mit involviert in die Geschehnisse, und erzählt uns nur seine Sicht der Dinge, vielleicht erfindet er Ereignisse oder lässt welche weg, um vor unseren Augen besser dazustehen. Der Spass dieser Angelegenheit war es, herauszufinden, wieweit der Erzähler uns manipuliert und belügt, was wirklich passiert ist und wie die Ereignisse wirklich zu beurteilen sind.

Es ist eigentlich erstaunlich, dass der unzuverlässige Erzähler im Comic sowenig präsent ist, denn es ist das perfekte Medium dafür: in der Caption steht der Erfahrungsbericht des Erzählers, in den Bildern sehen wir, was wirklich passiert ist. Zum ersten Mal begegnet bin ich dieser Technik in einer Szene aus BOX OFFICE POISON, in der ein alternder Comiczeichner berichtet, wie er sich voller Mut und Integrität gegen die Politik seiner Herausgeber stellt und kündigt, während die Bilder eine ganz andere Geschichte erzählen. In TARA gibt es eine Szene, in der Arne seinem Freund Steffen erzählt, wie er von einer Supermarktbekanntschaft quasi ins Bett gezerrt wurde, während die Bilder zeigen, dass nichts von alledem passiert ist.

Caption aus einer anderen Zeit

Ebenfalls aus dem nimmermüden Box Office Poison stammt eine Seite, auf der ein Mörder die Spuren seiner Tat beseitigt. Die Captions über den Bildern geben das Gespräch zwischen dem Mann und einer Prostituierten vom Betreten des Raumes bis zum Moment des Mordes wieder. Ein gespenstischer Effekt. Ein ähnlicher Effekt findet sich in Sean McKeefers wunderbarem Dreiteiler THE WAITING PLACE, und am Anfang meines DAS KURZE HALLO, das sehr stark von BOP beeinflusst wurde.

Bilder einer Szene zu den Captions einer anderen Szene

Die eindringlichste Moment dieser Technik, an den ich mich erinnere, stammt nicht aus einem Comic, sondern aus der 10. Folge der Staffel 3 ("Losing the light") von THE L WORD, allerdings kann man sich die Szene sehr leicht als Comic vorstellen.

Ich tippe mal, fast jeder, der diese Serie verfolgt hat, war sehr tief berührt von dieser Folge, die in Echtzeit abwechselnd die parallelen Geschehnisse in den Leben der Protagonisten erzählen. Jenny und Max unternehmen eine Autofahrt; Bette kehrt von einer Reise zurück; Alice kauft ein Geschenk für die schwerkranke Dana; Kit spicht mit ihrem untreuen Freund Angus; Shane und Carmen sind im Bett. Die Folge wechselt zwischen diesen Szenen hin und her, und das tut sie bis zum Schluss. Aber Danas Herz setzt aus, und während die Szenen weiter wechseln, hören wir als Ton nur die panischen Versuche der Ärzte, Dana zu reanimieren, bis sie schliesslich aufgeben.

Die letzten sechs Minuten von Losing the light bei youtube.

Ich glaube nicht, dass jemand in Worte fassen kann, warum dieser Moment so insszeniert wurde. "Scribe Grrrl" hat auf der Community-Seite AfterEllen diese Szene so interpretiert:

[...] Dana has just flatlined. The nurses are panicking and there's a crash cart and all of that stuff that goes on, but the point is that nobody's with Dana: not Alice, not Dana's parents, not the family of friends she loves and needs. And as she dies, we hear the nurses and the doctor and the beeps of the machines, but we see what everyone else is doing: Shane and Carmen are fucking; Tina is holding Angelica close at the restaurant; Peggy is holding Helena's hand; Kit and Mange are making out; Jenny is resting a hand on Max's shoulder. And Bette is on the bus, feeling and knowing that something's wrong somewhere, and closing her eyes against the loss. And Alice is going back into the hospital, at just the wrong time, just in time for them to tell her that Dana is gone. She crumbles to the floor, and wails, and says no. No.

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In other news: Im kommenden Comic-Jahrbuch des ICOM erscheint ein Interview mit mir zu den Hintergründen und Perspektiven von DER COMIC IM KOPF. Ausserdem liefert das Interview einige Zeichnungen von Markus zum Buch. Im November werden wir uns nochmal intensiver zusammensetzen, die Struktur des Buches festzurren und einen schicken SNEAK PEAK zusammenstellen, mit dem wir dann an die Verlage herantreten. Drückt uns die Daumen.

Zwei dicke Comics: HABIBI und SEVEN SOLDIERS OF VICTORY

2011-10-10T04:15:00.000-07:00

Ich fühle mich in letzter Zeit wie der Bassist einer Punkband, der heimlich Supertramp hört. Auf der einen Seite ein kulturell und künstlerisch wertvolles erzählerisches Meisterwerk von einem Autorencomic, auf der anderen Seite ein vierbändiger Superheldenmammut mit so idiotischen Gestalten wie Frankenstein und einem Ritter der Tafelrunde als Protagonisten. Und am Ende des Tages war es das Superheldenbuch, das ich unter mein Kissen legte.

Ich werde noch nicht mal VERSUCHEN, zwischen den beiden Büchern irgendeine Beziehung herzustellen. Es sind zwei Comics, die ich in den letzten Wochen gelesen habe, SEVEN SOLDIERS zum zweiten Mal, und ich möchte gerne etwas darüber schreiben. Es ist ja immer SEHR dünnes Eis, wenn Comiczeichner über Comiczeichner schreiben. Ich erinnere mich an einen Podcast, wo sich drei Comiczeichner darüber ergingen, wie scheisse doch BLANKETS war. Und die Wahrheit ist, weder einer dieser drei, noch ich, for that matter, werden wohl jemals ein Buch machen, das BLANKETS an Bedeutung gleichkommt. Ich werde auch versuchen, nicht in die alte Kritikerfalle zu gehen, meine Meinung so darzustellen, als sei sie ein Faktum. Ich mochte die Kritikbücher von Nick Hornby, in denen Hornby für seine Rezensionen sehr persönliche, bescheidene Worte findet. Ich hoffe, dass es mir gelingt.

HABIBI

Zunächst also HABIBI, dessen Werdegang ich immer wieder mit aufgerissenenen Augen im Doot-Doot Garden verfolgt habe. Man kann viele Einwände haben gegen den Vorgänger BLANKETS, wie den teilweise schon arg sentimentösen Ton - "ach, wie kann ich denn Zeichnen, wenn meine Muse direkt neben mir sitzt?". Teilweise erinnerte mich Craig Thompsons fragil-verletzlich-sensibler Ton an den Prinzen aus RITTER DER KOKOSNUSS, der sehnsuchtsvoll im Fenster sitzt und "einfach nur ... singen" will. Aber abgesehen davon war BLANKETS ein sehr intimes, aufrichtiges und mutiges Buch, dass zeigte, wie wenige andere Bücher zuvor, wozu eine Grafik Novel, speziell ein Autorencomic, fähig ist. Die Person Craig Thompsons war in jedem Strich fühlbar, und es war der Stil, zusammen mit der Story, die die Kraft des Buches für mich ausmachte. Allerdings war ich auch amtierender MISTER SENTIMENTAL 2002-2006 einschliesslich, daher hatte ich, im Gegensatz zu einigen meiner Kollegen, kein großes Problem mit dem pathetischen Gutmenschenton dieses Buches.

Und jetzt HABIBI, ein unglaublich komplexes, vielschichtiges Werk, dessen Thema schwer zu fassen ist. Aber am Ende des Tages würde ich sagen, Thema ist die arabische, orientalische Kultur in all seinen Facetten, ebenso wie, tatsächlich, das gemeinsame Erbe von Christentum und Islam. Es geht um Religion und die feinen Verwebungen der arabischen Kultur mit den Prinzipien des Lebens und des Universums. Es nutzt alle Möglichkeiten des Mediums in einer vollendeten Form, und die Form ist perfekt für den Inhalt. Es ist ein meisterhaftes, unendlich vielschichtiges tiefgründiges Werk.

Wo ist also mein Problem?

Als Basis seines Buches wählt Craig Thompson die Geschichte der beiden Sklavenkinder Dodola und Sam, die sich als Kinder bereits früh durchschlagen müssen und danach echt. was. durchmachen. Heftiges, verstörendes Zeug. Kauzigerweise erinnerte mich der Plot des Buches selbst an die Cover der Angelique-Romane, die meine Mutter früher immer las: Angelique in Ketten im Kerker, als Konkubine des Königes, Sklavin, Herrscherin, das ganze Programm. Der eigentliche Plot von HABIBI ist da gar nicht so unuähnlich, ein mitreissender, aber letztendlich nicht allzu tiefgründiger Historiengroschenroman um arme, enführte Kinder, die ein bitteres Schicksal erleiden. Und die Düsterkeit dieser Geschichte war für mich teilweise schwer zu verknusen. Mir fehlt das "ist nur ne Geschichte"-Gen. Ich sehe oder lese eine Geschichte und nehme die Ereignisse als sehr real wahr. Ich liebe meine Lieblingsautoren (auch) dafür, dass ihr Ton und ihre Sicht der Welt der meinen verwandt sind. Ich liebe sie dafür, dass sie mir nicht allzuviel Gewalt und Verstörung zumuten. Eine Vergewaltigungsszene in HABIBI dauert sieben quälende Seiten. Ich bin sicher, Thompson hatte viele Gründe, die Szene so zu schreiben. Charakter und Ton der Geschichte ist sehr tief eingebettet in die orientalische, arabische Erzählkultur. Aber ich brauche diese Szene nicht sieben scheiss Seiten lang. Und dann gibt es Versklavung, Kerker, Verstümmelung und alles was sonst noch wehtut im Morgenland. Erzählt auf eine Weise, die gleichzeitig sehr reel ist, die Ereignisse aber mit dem Gleichmut eines Märchens aneinanderreiht, als hätte das alles nichts mit ihm zu tun.Und ich hatte bei Craig Thompson nicht zum ersten Mal das Gefühl, dass er Sex und menschliche Körperlichkeit generell auf eine bizarre, distanzierte, verzerrte Weise sieht, wie ein Kind, das ein Insekt auseinanderrupft. Bei aller Emotionalität bleibt die Erzählung immer noch sehr distanziert. Es gibt Szenen in HABIBI, die ich so gar nicht zusammenkriege mit dem filigranen Gutmensch aus BLANKETS.

Also, ein Meisterwerk, wenn auch ein sehr problematisches. Die beste Nachricht ist, dass dieses Buch, einmal mehr, zeigt, wozu das Medium fähig ist, und dass ein gebundener Comicroman von hunderten von Seiten ein Bestseller werden kann. Und es hagelt sehr euphorische Rezensionen, wie diese von der wunderbaren Rezensionsseite www.goodokbad.com , die, was sehr selten vorkommt, Comics neben Mangas rezensiert.

SEVEN SOLDIERS OF VICTORY. Grant Morisson

Wenn mir jemand vor ein paar Jahren gesagt hätte, dass ich mal von einer Comicgeschichte begeistert sein würde, in der Frankenstein in der Zukunft gegen Monster kämpft, die die Welt bedrohen, hätte ich ihm meinen Chai Latte über den Kopf gegossen. Aber, ach, genauso kam es. SEVEN SOLDIERS. Eine Ausgangsstory, dass sich einem die Haare kurbeln. Protagonisten wie Kraut und Rüben. Grant Morisson nahm sich seinerzeit eine Handvoll C-Promis aus dem DC-Universum, also quasi die dämlichsten, lächerlichsten "Superhelden", die keiner mehr sehen wollte, und erweckte sie in einer sehr ambitionierten Serie von dreissig Einzelheften zu neuem Leben. Und das auf fulminanteste Weise. Er schafft komplexe, fühlbare Figuren, und um sie herum jeweils eine eigene Ästhetik und einen Erzählrhythmus. Sieben komplette Geschichten, eigenständig und doch verwoben. Und die Selbsthilfegruppe für Superhelden mit geringem Selbstwertgefühl ist nur eine von hunderten großartigen Ideen in diesem Comic.

Die Prämisse im Groben: Immer wenn eine Kultur ihren Höhepunkt erreicht hat, fällt ein arges grünes Volk, die SHEEDA, wie ein Schwarm Hornissen über die Kultur her und plüdert sie, bis nur noch Staub und Asche bleibt. Das war, wie wir erfahren, bei vergangenen Königreichen der Fall, und jetzt wäre gerade unsere Epoche fällig. Die Näher der Zeit bestimmen sieben "Helden", die zusammen die Sheeda besiegen sollen, aber die Sache hat einen Haken: Die sieben Helden dürfen nicht voneinander wissen. Long story. Also gibt es eine höhere Macht, die dafür sorgt, dass diese sieben Helden die Welt retten, ohne voneinander zu erfahren. Das Ende dieser Geschichte ist ambivalent und fulminant zugleich.

Grant Morisson spielt generell mit dem Medium und den Genres wie die Katze mit der Maus. die Erzählung selbst wird zum Thema. Was man also kriegt bei SEVEN SOLDIERS OF VICTORY, sind sieben Geschichten mit sieben Helden erzählt in sieben Genres, mit jeweils einem eigenen Ton, Rhythmus und Stil. Die Geschichte sind gleichzeitig immer auch eine Studie der Stilmittel der jeweiligen Genres. Die Geschichten funktionieren als eigenständige Stories und sind doch auf genialste Weise verstrickt. Und während bei Autor / Zeichner-Kollaborationen die Seitenlayouts für mein Empfinden oft steif und unkreativ werden - das ist häufig mein Empfinden bei Y - THE LAST MAN und SANDMAN, bei aller Großartigkeit dieser Bücher - , explodieren hier die Layouts, dass es einem in den Ohren surrt. Der Einfluss des genialen Zeichners J.H. Williams III bei vielen der Seitenlayouts ist mehr als deutlich. Der schiere Einfallsreichtum und die grenzenlose Phantasie, in der Gestaltung wie auch vor allem in den Stories, haben mir die Backen auf vierzig Grad getrieben vor Begeisterung.

Im Moment lese ich die INVISIBLES, und während ich da noch nicht ganz weiss, was ich daraus machen soll, ist es schon merkbar, dass Grant Morisson ein Autor ist, der das komplette Spektrum der Ausdrucksmöglichkeiten beherrscht und ein unglaublich intelligenter, meisterhafter Erzähler ist. SEVEN SOLDIERS OF VICTORY ist das Dream Theater unter den Comics. Invisibles ist Siebziger-Jahre-Prog-Rock. Die Soli sind manchmal zu lange. Aber es gibt genügend großartigen, bewegende Moment, und einen weiteren Einblick in die grenzenlose Phantasie von Grant Morisson. A book shouldn't be a mirror, sagte mal Fran Lebowitz, it should be a door. I want to be taken. Und wahrscheinlich rührt meine Begeisterung daher, dass mich SEVEN SOLDIERS mitgerissen hat, wie lange kein Comic mehr.

Fallen by the wayside: Best of Holzwege

2011-10-06T06:02:00.000-07:00

In eigener Sache: Im Rahmen meiner Vorbereitung für den Storytelling-Tag der Comicademy habe ich ein bisschen nach Comicskripts gestöbert, und hatte bei http://www.comicbookscriptarchive.com die Gelegenheit, die Scripte zwei genialer Autoren zu vergleichen, nämlich Grant Morrisons "Invisibles" (hier das as PDF der ersten Ausgabe:) sowie die ersten zwölf Seiten zu Alan Moores "Killing Joke". Beide Scripte geben sehr schöne Einblicke in die Arbeitsweisen dieser zwei Ausnahmeautoren. Besonders charmant finde ich Alan Moores Art, seine Panelbeschreibung wie einen Brief an einen Freund zu formulieren - "wo ich doch weiss, wie sehr du schwarze Flächen magst". Für die Leute, die sich noch erinnern können, wie sehr ich von "Scalped" schwärmte, liegt das Script des kompletten Heftes Nummer 35 hier als Word-Dokument.

Die Nummer 35, btw, ist sehr speziell und exemplarisch für den Mut und die Vielseitigkeit dieser Serie und seines Autors, Jason Aaron, denn die Story handelt, in fast meditativem Ton, von einem alten Indianer in einem verlassenen Reservat, der gezwungen ist, in die Stadt zur Armenspeisung zu fahren, um für sich und seine Frau den Hunger abzuwenden. Und dieser Schritt ist für den stolzen alten Mann der schwerste seines Lebens. Ich fand die Episode auch deshalb so bewegend, weil ich persönlich jemanden kenne, der auf die "Tafel" angewiesen ist. Ich bin immer wieder erstaunt, wieviel Wahrheit heutzutage im "Mainstream" unterwegs sein kann.

Zu WAYSIDE:
Vor einigen Tagen hatte ich nochmal die Gelegenheit, die unzähligen Fotos zu sortieren, die ich mit meinen lieben Kollegen von PXP über all die Jahre auf Comicmessen gemacht habe. Und bei der Gelegenheit sind mir immer wieder auch Gesichter begegnet, die irgendwann kamen und irgendwann wieder weg waren. Fallen by the wayside. Bei manchen habe ich keine Ahnung, was aus ihnen wurde, bei vielen weiss ich es.

Da wir ja nun dank Alan Moore schon wissen, wie man Erfolg hat (tu das, was du liebst, und versuch darin besser zu werden), wäre es doch mal interessant, zu sehen, welche Zeichner und Autoren es irgendwann aufgegeben haben. Und warum. Warum warum konnte sich ihr Traum nicht verwirklichen? Ich schreibe das hier ohne jede Häme und ohne jeden Zeigefinger, denn ich habe selbst in den letzten zehn Jahren kaum einen Holzweg ausgelassen. Wie generell im Leben sind es kleine, unwillkürliche Entscheidungen, die unser Leben prägen. Ein, zweimal falsch abgebogen, und der Traum ist hinterm Horizont verschwunden. Bei mir fließt stilistisch wie inhaltlich langsam alles zusammen, aber wer weiss, was gewesen wäre, wenn ich Ralf König nicht begegnet wäre? Oder Wittek, Mille, Sarah?

Best of Scheitern:

Ich schreibe / zeichne Comics, lese aber selbst keine
Kaum zu glauben, wie verbreitet diese Haltung ist, und wie spezifisch für das Medium Comic. In jedem anderen Medium ist sowas undenkbar. Alle Buchautoren, die ich kenne und / oder lese, sind selbst fanatische Leser. Nick Hornby kauft jeden Monat Dutzende von Büchern. Musiker sind immer auch Fans. TV-Autoren kennen natürlich, sehr genau, die Serien anderer Sender und anderer Autoren. Nur bei Comics bleiben viele Zeichner und Autoren in den Achtzigern stecken und denken, es hätte sich stilistisch wie inhaltlich seit den STURMTRUPPEN nicht viel getan. Comics sind in ihren Augen immer noch das Medium, in dem Frauen mit Nudelhölzern hinter der Tür lauern und Männer von Leitern fallen. In keinem anderen Medium findet man Kreative, die ihrem eigenen Medium derart borniert und ignorant gegenüberstehen.

Auch gerne genommen: Ich zeichne Manga, lese aber keine Comics. Und umgekehrt.

Ich Künstler, du Jane
Hier die TOP 3 der Themen, wenn man sich einen Abend mit Freunden so
richtig versauen will:

- Politik
- Religion
- Kunst

Eine Freundin von mir arbeitet für eine Agentur, die mit Kunstmalern zusammenarbeitet. Sie berichtet, dass es schon längst nicht mehr um die Bilder geht, sondern um die Personen der Künstler. Das Handwerk der Kunst ist zu einem Kult der Personen geworden. Es geht nicht mehr darum, was wir machen. Es geht darum, wer wir sind. Es passt in eine Zeit, die die
Individualität feiert wie nie zuvor.

Und sich als Künstler zu betiteln und zu fühlen, heisst für viele, dass sie vom Konzept des Handwerks und des Lernens komplett losgelöst sind. Denn sie sind ja Künstler und daher sozusagen von Werk ab toll. Und so tummeln sich um jeden Comiczeichnertisch die Menschen, die einem von den Wehen und Leiden ihrer Kunst erzählen, von dem Ringen mit ihrer Kreativität. Ohne jemals etwas zu machen. Wir alle tragen den Virus des Narzismus in uns. Eitelkeit und Ego sind wie zwei rötzgörige jüngere Brüder, die uns die ganze Zeit unsere Dates versauen, und je eher wir sie zuhause lassen, desto besser.

Denn am Ende des Tages bleibt eben doch nichts von uns, als unsere Taten.

Kritik ist was für Bettnässer
Ein langjähriger Tischnachbar war ein Zeichner, dessen Geschichten eigentlich nicht sooo schlecht waren. Aber er war nicht besonders in Anatomie und Mimik. Seine Figuren waren hölzern, steif und leblos. Seine Männer sahen aus wie schlecht abgezeichnete Ken-Puppen, und seine Frauen sahen aus wie schlecht abgezeichnete Ken-Puppen mit Brüsten. Aber er. gab. alles. Er rannte von Pontius nach Pilatus und hielt jedem, der sich greifen ließ, seine Zeichnungen unter die Nase. Und alle sagten immer dasselbe: deine Figuren sind hölzern, steif und leblos. Aber das war nicht das, was er hören wollte, und er machte immer weiter wie bisher, verkaufte nicht, und schließlich gab er auf.

Für uns alle ist Kritik schwer zu verdauen. Wir alle wollen, dass man uns toll findet. Die Hälfte der Bücher in den Top Ten tragen Titel wie "Weshalb es egal ist, wieviel du wiegst" "Ich bin toll: weshalb wir mit uns zufrieden sein sollten". Aber was wir machen, ist nicht das, was wir sind. Wir fassen Kritik an unsere Arbeit auf als Kritik an uns. Aber so ist sie nicht gemeint, und so sollten wir sie nicht verstehen. Tatsächlich ist es beeindruckend, wieviel Untestützung Zeichner und Autoren im Comic bereit sind zu geben. Die routiniertesten Zeichner waren sich nicht zu schade, sich für eine halbe Stunde mit mir hinzusetzen um mit mir meinen Stil zu besprechen. (Fast) alle in der Szene sind bereit, viel zu geben. Wir sollte es annehmen.

Der schmorende Zeichner im eigenen Saft
Man kann Kritik ignorieren; man kann auch einen Schritt weitergehen, und sich der Kritik gar nicht erst stellen. Wir zeigen unsere Sachen nur im Freundeskreis rum, kriegen unsere erwartete Bestärkung und machen munter weiter. Und riskieren dann Jahre später, wenn wir uns der grausamen Welt präsentieren, einen heftigen Schlag in die Hoden unserer Egos.

Wir alle wollen gerne der erste Hund sein, der an den Baum pinkelt. Speziell die Zeichner unter uns stellen sich vor, wie sie mit ihrem neuen, innovativen Stil, der WEGE GEHT DIE NIE ZUVOR GEGANGEN WURDEN. Wir kombinieren Superheldenkörper mit Mangagesichtern. Und weil wir uns vor Kritik so scheuen, murxen wir erstmal jahrelang im stillen Kämmerlein vor uns hin, bis wir schliesslich der Welt unseren Stil präsentieren und fest damit rechen, dass die Erde vor lauter Hochachtung erstmal aufhört, sich zu drehen.

Ich habe vieler solcher zusammengenähter Stile erlebt, und Leute, die das Rad neu erfinden wollten. Ich war selbst erster Vorsitzender dieses Vereins. Ich wollte mir von niemandem reinreden lassen, bis mein Idol höchstselbst kam und mir reinredete. Und das war und tausendfacher Hinsicht das beste, was mir passieren konnte, und zeichnerisch geradezu meine Rettung. Gerade beginnende Zeichner mit ungeübtem Auge haben die verzerrteste Selbstwahrnehmung, die größte Arroganz und den blassesten Schimmer. Sich an einem bestehenden Stil zu orientieren hat vor allem den einen großen Vorteil, dass dieser Stil konsistent in seiner Abstraktion ist. Er kombiniert nicht realistisch gedachte Körper mit Pünktchen-Komma-Strich-Gesichtern. Je eher man sich Feedback holt und / oder sich in der Stilentwicklung begleiten lässt (Unterricht!!Unterricht!!Unterricht!!), umso besser. Ich weiss von mir, dass mein Stil erst dann anfingt, zusammenzulaufen, als ich Unterricht bekam.

Ich zeichne nicht das, was mir gefällt, sondern dass, was das "Publikum " lesen will
"Nachdem mein Epos über großbusige Vampiramazonen abgelehnt wurde, mache ich jetzt Cartoons. Cartoons gehen immer."

Pfui, sage ich, pfui.

Wenn wir unsere Geschichten gut erzählen, können wir in anderen Menschen Gefühle hervorzurufen. Es ist wie eine Zauberkraft, und man sollte sie bewusst, und mit Bedacht anwenden. Wir haben schon genug Werbung, die offen und ausdrücklich unsere innersten Wünsche anspricht, um uns zu manipulieren. Wir brauchen nicht auch noch Geschichten, die uns belügen.

Abgesehen davon: es funktioniert meistens nicht. Seth Rogen hat in einem Interview darüber gesprochen, speziell im Kino produzieren viele Autoren Filme, die sie selbst nicht komisch finden, von denen sie aber denken, dass ANDERE sie komisch finden. So entsteht so etwas wie DIETER - DER FILM. Wir sind im Alltag schon oft genug gezwungen, Rollen zu spielen. Wir sollten wenigstens im Erzählen so authentisch wie möglich sein.

Es wird immer viel zuviele Bücher, Comics, Filme, Texte geben.

Aber nie genug Wahrheit.

Wenn mir einer quer kommt - Action im Comic

2011-09-25T01:33:00.000-07:00

Ich hatte es bereits an anderer Stelle geschrieben – wenn man davon augeht, dass es drei Kategorien gibt, die in einer Geschichte wiedergegeben werden können, nämlich

Gedanken und Gefühle

Dialog

Bewegung / Action

dann glaube ich, dass der Comic für Gedanken, Gefühle und Dialog das bessere Medium ist als für Action. Deswegen denke ich auch, dass Actionlastige Superheldenstories letztendlich am besten im Kino funktionieren. Und auch ein „Action“-Genre wie Crime Noir funktioniert im Comic so großartig, weil die Handlung ständig von den Gedanken der Hauptfigur kommentiert und bewertet wird.

Aber nichtsdestotrotz gibt es viele effektive Möglichkeiten, Bewegung im Comic fühlbar wiederzugegeben, und darum gehts heute mal.

Kreuz und Quer!

Das für mich wichtigste Prinzip für die Darstellung von Bewegung in Bild und Grafik kennen wir, aktiv oder passiv, aus dem Grafikdesign. Grafikdesign setzt horizontale und vertikale Linien für und Flächen ein, um Ordnung, Stabilität, Beständigkeit und Seriösität darzustellen. Also so ziemlich das Gegenteil von Bewegung und Unruhe.
Denn dafür wird die DIAGONALE verwendet. Alles diagonale steht für Bewegung und Dynamik.
Und so sind diagonale auch im comic die Grundlage für die Darstellung von schneller, dynamischer Bewegung, wie in dieser Actionszene aus THE LONG HALLOWEEN.

Bewegung in Panels und Seitenlayout

Es ist schon einiges in Bewegung im obigen Beispiel, aber die Panels sind weiterhin orthodox rechteckig, und das Seitenlayout sehr aufgeräumt. Der nächste Schritt wäre, sich die Panels zu schnappen, und auch die Panels diagonal zu setzen, wie in diesem Beispiel aus Ed Brubakers BÖSE KLEINE STADT, in der das "Rumkurven", des Autos auf die Panelform und das Seitenlayout übersetzt wird.

Die folgende Doppelseite aus SEVEN SOLDIERS OF VICTORY geht noch einen Schritt weiter in seinem Einsatz von diagonalen, asymetrischen Panels, die ein starkes Gefühl von Unruhe und Bewegung in die Seite holen. Auch die aus den Panelrahmen herausbrechenden Formen sind ein Werkzeug für Bewegung im Comic.

Gesplitterte Wahrnehmung: kleine, schnelle Panels

Ein Panel ist im Comic eine Zeiteinheit. Viele kleine Panels beschleunigen die gefühlte Zeit, und auch das kann man in Actionszenen gut brauchen. Die Wahrnehmung wird aufgesplittert in viele kleine Einheiten, als ob man schnell den Kopf hin- und herbewegt, um eine unruhige Situation zu erfassen.
Die "Kamera" in Actionszenen

Ein weiteres schickes Werkzeug für Action ist die "Kamera", mit der man die gezeigten Momente darstellt. Typisch für eine Actionkamera ist zB der Wechsel von und in extreme Perspektiven, wie in der Rumkurv-Seite aus BÖSE KLEINE STADT: Die Kamera wechselt von extremen Close-Ups und Weitwinkel-"Aufnahmen", und macht starken Gebrauch von extrem hohen und extrem niedrigen Perspektiven (Frosch- und Vogelperspektive), was die Dramatik der Situation spürbarer macht.

Ausserdem gibt es extreme Wechsel zwischen nah und weit: der Zoom der Kamera dreht vollkommen durch und wechselt von Bild zu Bild zwischen extremen Close-Ups und Weitwinkelaufnahmen. Eine weitere Möglichkeit, um unsere Wahrnehmung durcheinanderzubringen und den Takt einer Szene zu erhöhen.

Ein radikales Mittel, um Action für Leser spürbar zu machen, ist, Sachen (oder Personen) in Richtung des Lesers zu schleudern. Die Action passiert rechts und links am Ohr des Lesers vorbei ....

... oder kommt direkt auf ihn zu. Dieses Spiel mit der räumlichen Achse erzeugt fast einen 3D-Effekt.
Dieser Figur-springt-Leser-an-Effekt war mal sehr in Mode; er verbraucht sich schnell, und seine Wirkung entfaltet sich am besten in homöopathischen Dosen.

In eigener Sache: Es wurde der Wunsch nach mehr Ordnung und Organisation laut, daher wird irgendwann in den nächsten Wochen eine Homepage für DCIK starten, auf der alle Beiträge strukturiert thematisch geordnet sind. Besonders die Trommel rühren möchte ich auch für ein mehrseitiges Interview, das Burkhard Ihme mit mir für das neue ICOM-Jahrbuch geführt hat, und indem hoffentlich etwas mehr Artwork von Markus bzw. Probeseiten aus dem Buch zu sehen sind. Happy Trails!

Wieso, weshalb, warum: Fragen und Antworten am Anfang einer Geschichte.

2011-09-11T05:11:00.000-07:00

In der alten Schule des journalistischen und publizistischen Schreibens galt das Prinzip, zunächst einmal einen Haufen „W“s zu klären,: Wer, wo, wann, was, wie, weshalb. Es geht darum, dem Leser möglichst schnell eine Orientierung zu verschaffen. Wenn die Grundlagen geschaffen sind, kann man mit seiner Argumentation loslegen.

Zumindest ein paar dieser Ws sollte auch die Anfangsszene einer Geschichte liefern: Das Wo, das Wann, und vor allem das Wer. Am Anfang einer Geschichte sind wir Leser wie das Küken, das seine Mutter verloren hat, und jetzt dringend jemand sucht, dem es hinterherlaufen kann – den Protagonisten. Wenn eine Geschichte den Schwerpunkt auf Atmosphäre setzt, beginnt sie vielleicht mit einer Einstimmung auf das Umfeld des Geschehens, bevor die Figuren in Erscheinung treten; Handlungsorientiertere Plots präsentieren sehr schnell den Konflikt, und führen danach schrittweise Umfeld und Figuren ein.

Was ist eigentlich ein Anfang?

Meine liebste Definition eines Anfangs stammt – mal wieder – von Aristoteles: ein Anfang ist etwas , worauf etwas anderes folgen muss. Diese Aussage klingt erstmal ziemlich „Ach was?“. Gemeint ist, dass ein Ereignis eintritt, das ein anderes Ereignis nach sich zieht. Beispiel Hänsel und Gretel: Es waren mal zwei Eltern, und die hatten zwei Kinder. Sie waren sehr arm.

So weit, so gut. Noch kein Ereignis.

Sie waren so arm, dass sie kaum genug zu essen hatten.
Ihre Klamotten waren auch ganz schön runter.
Das Geschirr war alt und häßlich. Die Möbel auch.

Und so könnte es noch seitenlang weitergehen, aber die Eltern beschliessen, ihre Kinder in den Wald zu schicken. Und damit beginnt die Geschichte. In Kinofilmen und Romanen kommt dieses Ereignis oft erst nach zwanzig Minuten, nachdem zunächst die Figuren und ihr Umfeld eingeführt worden sind.

Kurzgeschichten und Erzählungen springen oft direkt ins Ereignis, oder kurz davor oder danach, und liefern im Verlauf der Erzählung stückweise weitere Infos über die Figuren und ihre Lebensumstände.

Anatomie des Anfangs: Vom Ganzen ins Detail

Der klassische Anfang einer Geschichte oder einer neuen Szene klärt erstmal den Ort. Wir sehen ein Gebäude, ein Feld, eine Raumstation. Dann die Situation, die wir vorfinden. Ein Raum, und Personen, die auf eine bestimmte Weise zueinander stehen. Wenn die Informationen des Wann/wo/wie geklärt sind, komzentrieren sich die folgenden Panels häufig auf Mimik und Körpersprache de Figuren. Die gute Nachricht für alle Zeichner: Wie müssen nicht unbedingt in jedem Panel wieder den Raum zeichnen. Wir wisssen schon, wo wir sind.

Hier ein sehr klassischer Anfang aus "Catwoman: Böse kleine Stadt". 1,Ort, 2.Situation. 3ff - Gesichter und Gesten.

Am Beispiel von David Boring: 1. Ein Ort, 2.eine Situation, 4ffGesichter, Mimik, Gestik.

In dem Zusammenhang kann ich nur empfehlen, sich mal mit einer Folge seiner Lieblingsserie hinzusetzen, und die Anatomie einer Szene Bild für Bild aufzuschreiben und zu analysieren. Da das Medium TV ganz besonders darauf angewiesen ist, seine Zuschauer bei der Stange zu halten, findet sich hier das effizienteste visuelle Storytelling. Wie in dieser Szene aus HEROES:

Die Kamera klärt die Basics, das Wo und Wer, und wechselt dann zwischen Close-ups und Halbtotalen, je nachdem, ob der Gesichtsausdruck und/oder Gestik und Stellung des Körpers wichtig sind.

Andersrum: Vom Detail ins Ganze

Andererseits, warum SOLLTEN wir alle Fragen des Lesers so schnell beantworten? Populäre Romane fangen gerne mal mitten im Gespräch an, und erzeugen so im Leser den Wunsch, weiterzulesen, um die Situation durchblicken zu können. Diese Erzählweise schafft einen stärkeren Sog beim Leser. Ein weiteres Beispiel aus HEROES, weil es grade so praktisch ist.

Azarello und Risso sind Genies dieser Technik und setzen sie in ihrem 100 BULLETS kräftig ein. Die ganze Serie ist ein Lehrwerk in Seitenlayout. Man sieht nur ein kleines Detail, eine Fliege an der Decke, ein leeres Glas auf einer Theke, und Schritt für Schritt wird die Szene aufgelöst. So kann man mit der Information und den Erwartungen des Lesers spielen, aber gerade beim Einführen der Personen oder ihrer Konflikte sollte man sich nicht zuviel Zeit lassen. Die Aufmerksamkeitsspanne der Post-MTV-Generation ist inzwischen auf drei Sekunden gesunken. Und wichtiger als die ganzen Wers, Wanns und Wos ist die erste Frage, die sich ein Leser unbewusst stellt, die nach dem Weshalb - Weshalb sollte mich das hier interessieren?

Erstmal Stimmung, dann der Rest: Visuelle Einstimmungen

Viele Autoren entscheiden sich dafür, erst einmal eine Stimmung zu erzeugen, bevor Personen oder die Handlung eingeführt werden, und hier kommt die Stärke des Erzählens in Bildern zum Tragen. Ein Bild sagt tausend Worte, heißt es. Das ist nach meiner Erfahrung bei weitem nicht immer so. Viele Bilder sagen mir nur ein Wort: Haus. Baum. Straße.

Aber mit Licht, Blickwinkel und Komposition können wir jedem Bild, mit dem wir eine Geschichte einleiten, eine Stimmung verleihen. Ein Haus kann mehr sein als ein Haus. Es kann für eine Idee stehen, für ein Gefühl. Ich erwähnte bereits David Mamets Prinzip des visuellen Erzählens. Er geht von einer Idee aus, einer abstrakten Kategorie wie Ungeduld, Ungewissheit, Bedrohung, Harmonie - und sucht dann nach Bildern, die diese Idee wiedergeben. Möglichst, ohne in Klischees zu versinken.Bilddatenbanken haben die Kategorie des „Konzeptes“, die der „Idee“ bei Mamet sehr nahekommt.

So sehen wir mehr als ein Haus. Wir sehen, und fühlen vor allem, die Idee des Bildes: Harmonie, Macht, Autorität. Unser Verstand nimmt das Motiv wahr, aber unser Bauch fühlt die Idee des Bildes. Die Situation hat tiefere, emotionale Ebene. Deswegen lohnt es sich, am Anfang einer Geschichte oder einer Szene zu überlegen, mit welcher Stimmung wir in die Geschichte treten möchten, und wie wir diese Stimmung visuell wiedergeben können. Manchmal ist eine Haus wirklich nur ein Haus. Manchmal ist es mehr.

[Dasselbe und doch anders: Motiv Haus.]

Einige Archetypischen Anfänge:

Klassisch: Wer, wo, wann, was.
Man sieht ein Haus, dann ein Zimmer, eine Familie am Tisch. Gespräch, das die Figuren einführt.

„Hier entlang, bitte“
Wir werden gemeinsam mit der Figur in die Umgebung eingeführt. Der Wagen einer Familie fährt in ein Dorf ein; ein Ehepaar besichtigt zum ersten Mal sein zukünftiges Haus. Ein neuer Schüler wird der Klasse vorgestellt. Ein Anwalt wird zur Zelle seines Mandanten geführt.

Erstmal die Leiche. Den Rest klären wir später.
Der Whodunnit, die Krimistory, in es darumgeht, "wer es getan hat", redet, speziell im Comic nicht groß drumrum: Im ersten Bild von David Laphams MURDER ME DEAD hängt direkt mal eine Frau von der Decke. Ähnliche Anfänge liefern zum Beispiel BLACKSAD oder der Edel-Whodunnit WATCHMEN.

Die drohende Gefahr
Eine Frau betritt eine dunkle Gasse. Erste Schatten. Dann Bedrohung und Rettung durch den Helden. Der archetypische Beginn einer (Super)Heldengeschichte, in einer Variation zu finden in V FOR VENDETTA und mit einem ironischen Schlenker in THE MAXX.

(wird fortgesetzt)

Gute Struktur, böse Struktur: Wieviel Planung ist gut für den Plot?

2011-09-04T02:46:00.001-07:00

Die Malerin Jeanne Carbonetti berichtet von zwei Arten von Schülern: Die einen schäumen über vor Ideen und Enthusiasmus, fangen voller Elan dutzende von Bildern an, die dann halbfertig in der Ecke stehenbleiben, weil eine neue Idee um die Ecke kam, die *dringend* umgesetzt werden musste.

Die zweite Art Schüler geht sehr planvoll und zielgerichtet vor: Sie formulieren das Motiv stufenweise aus, schaffen ein solides Fundament in der Komposition und der Wahl der Farben und nähern sich dann Schritt für Schritt dem fertigen Bild.

Soweit, so gut.

Der Haken: es macht überhaupt keinen Spass.

Meet the two sisters of creation: Chaotina and Orderella
Chaotina ist die spaßige, originelle, die vor Ideen sprudelt, witzige und neue Zusammenhänge erkennt und eine grenzenlose Phantasie an den Tag legt. Sie ist voller Enthusiasmus und findet alles toll. Ihr Leben ist in jeder Beziehung eine Baustelle.

Orderella ist die aufgeräumte, zielstrebige, die alle Aufgaben sofort erledigt. Verheiratet, zwei Kinder. Sie ist nicht unbedingt die Partykanone, aber sie ist sehr verlässlich und findet für alles eine Lösung. Sie hat den Wunsch, und die Gabe, Dinge zu betrachten und zu beurteilen.
Es ist nicht so ganz einfach mit den beiden. Sie lieben sich und beneiden einander insgeheim höllisch, aber man sollte sie nie gemeinsam zum Tee einladen. Sie keifen sich nur an.

Und das ist das, was viele Autoren tun. Sie schreiben einen Satz, und und lassen ihn durch ihre innere Beurteilungsbehörde laufen, bewerten, kritisieren und verbessern. Und dann den nächsten, und den nächsten. Ein quälendes Hin und Her, jeder Satz und jede Idee wird infrage gestellt und diskutiert, bis alle frustriert mit aufgeriebenen Nerven am Boden liegen.
Also, warum nicht tatsächlich beide nacheinander herbeiholen, damit jeder ungestört das machen kann, was er kann.

Man beginnt seine Geschichte mit dem Festlegen einer einfachen Struktur. Und improvisiert später wild darüber wie ein Jazzer über eine Akkordfolge.

Oder man beginnt mit einer Idee, und lässt sie einfach eine Weile wachsen. Und schaut dann später, ob man Strukturen oder Muster erkennen kann, auf die man dann hinarbeiten kann.

Der erste Entwurf ist immer Kacke ist eine oft postulierte Tatsache, vielleicht nicht immer in diesem Wortlaut. YOU WILL MAKE A MESS, schreibt Jerry Cleaver in seinem genialen Buch Immediate Fiction. Stephen King empfiehlt in seinem grandiosen VOM LEBEN UND VOM SCHREIBEN, einfach draufloszuschreiben, ohne inneren Kritiker, alles hinzuwerfen, was einen zu einer Idee oder einem Thema einfällt. Einfach eine Idee fertigzuspinnen.

Dann lässt man sie ein paar Wochen liegen, und kehrt mit einem frischen, analytischen Blick zurück.

Egal, ob man mit Chaos oder mit Ordnung beginnt. Ich denke, man kommt am besten voran, wenn man jede der Schwestern in Ruhe ihren Job machen lässt, anstatt sich auf einen inneren Zickenkrieg einzulassen.

Kreativität kommt aus der Freiheit, in jede Richtung abschwirren zu können, die abwegigsten Dinge zu kombinieren und die wildesten Wege zu beschreiben. Oft kommt uns das zusammenphantasieren von Stories vor wie Rumträumen, eine surreale Erfahrung, die uns von der Realität löst und in einen komischen Zustand von *Bliss* ohne Raum und Zeit versetzt. Ein unglaublich glücklicher Zustand. Die Kunstbewegung der Fluxisten hatte das erklärte Ziel, diesen beseelten Zustand möglichst lange im Leben zu erhalten.

Aber wir müssen irgendwo anfangen, und irgendwo aufhören. Früher oder später, und ganz sicher bei Geschichten mit 100+ Seiten, brauchen wir Form, Ordnung und Struktur. Aristoteles lobt bei Homer dessen Fähigkeit, in einem Ereignis wie dem Krieg von Troja nicht einfach die komplette Schlacht zu erzählen, sondern die Geschichten zu erkennen, und zu extrahieren, die in diesem Krieg verborgen liegen. Was sich wie von selbst liest, und leicht und fließend wirkt, ist das Ergebnis von viel Struktur und Organisation.

Viele, viele Autoren bleiben beim ersten Entwurf hängen. Sie stürzen sich mit dem Kopf nach vorn in die Bilderflut ihrer Phantasie und schreiben.

Und schreiben. Und schreiben.

Und wenn es dann an der Zeit wäre, der Geschichte Struktur zu verleihen, die Inhalte zu ordnen und zu verdichten, legen sie sie weg, und fangen die nächste an. Oder machen einfach weiter. Gott allein weiss, wieviele 700seitigen, nie vollendete Epen in den Schubladen dieser Welt herumliegen.

Es wäre mal interessant, zu erfahren, wie oft Adrian Tomine HAWAIAN GETAWAY umgearbeitet hat. Oder Daniel Clowes KARIKATUR.

Gute Struktur, böse Struktur

Aber wie bei Alkohol, Drogen und Schuhen gibt es so etwas wie ein Zuviel an Struktur und Planung.

Und das ist besonders der Haken, wenn man Storytelling-Strukturen aus dem Drehbuchbereich übernimmt. Manche Drehbuchschulen gehen soweit, die Minute vorzugeben, in der sich in der Geschichte ein Wendepunkt vollzieht.

Ganz abgesehen davon, dass eine solche Herangehensweise für jedes Medium absurd ist, sind Comics sehr viel freier als das Kino. Im Kino sitzen die Zuschauer 90 Minuten dem Geschehen ausgeliefert, und seit Jahrzehnten doktert Hollywood an der perfekten Dramaturgie, die für 90 Minuten die Aufmerksamkeit des Publikums am besten bindet. Als Leser eines Comics ist man sehr viel freier. Auch wenn man mit Panelschlagzahl und dem Takt einer Szene viel Einfluss nehmen kann: der Leswer kann den Leserhythmus selbst bestimmen. Er nimmt eine viel aktivere Rolle ein.

Im Storytelling gibt es offenere und geschlossenere Strukturen und Prizipien. Aristoteles spricht davon, dass eine Geschichte Anfang, Mitte und Schluss braucht. Hollywood spricht davon, dass eine Geschichte drei Akte braucht, mit sonundsovielen Plot Points.

Und ich fühle mich weitaus wohler mit den offenen Strukturen.

Nur mal als Beispiel: Welche Vorgaben sind die konstruktivsten?

-keine Vorgaben

-Thema "Neid", Länge 10-20 Seiten
-Thema "Neid", 28 Seiten. Geschichte muss drei Akte haben, mit Wendepunkten auf Seite 3, 18 und 23. Alle sieben Seiten eine Actionszene von ca. zwei Seiten.

Ich glaube, die große Kunst für uns alle, in der Organisation unserer Leben ebenso wie unserer Geschichten, ist herauszufinden, wie wir am besten kreatives Chaos und formgebende Ordnung jonglieren. Ich kenen viele unglaublich kreative Menschen, die rechts und links Baustellen anhäufen und ihre Kraft verpuffen lassen. Und ich kenne einige sehr ordnungsliebende kreative Menschen, deren Ordnungssinn ihrer Kreativität im Weg steht. Aber sie machen ihre Bücher, und gehen ihren Weg. Im Zweifelsfall ist mehr Struktur und Organisation also vielleicht nicht so doof.

Ich weiss, dass wir uns alle für toll und besonders halten, weil wir den göttlichen Segen der Kreativität erhalten haben. Ich weiss aber auch, dass nur Ordnung und Struktur mich dazu bringen können, angefangene Dinge zu beenden.

Ich bin dann mal zuende: Gute, und nicht ganz so gute Arten eine Geschichten abzuschliessen

2011-08-28T01:51:00.000-07:00

Ich erwähnte ja schonmal KRIEG DER WELTEN. Die Alien überfallen die Erde, alles sieht aussichtslos aus. Und am Schluss fangen sie sich irgendeinen Virus und sterben von selbst.
Man hat das Gefühl, es ist vorbei, aber man hat nicht das Gefühl eines befriedigenden Abschlusses. Keinen SENSE OF CLOSURE.

Andere Story: Stefan wettet, dass er Tina ins Bett kriegt. Er schafft es schliesslich auch, und die beiden verlieben sich. Ca. 10 Seiten vor Schluss erfährt Tina, dass sie nur eine Wette war, und beendet die Beziehung.

Gutes Ende wäre: Stefan beweist durch irgendeinen heroischen Akt, dass seine Liebe echt ist. Wäre nicht neu, aber würde Sinn machen.

Doofes Ende wäre: Stefans Mutter wird von Aliens entführt, und seine Oma gewinnt im Lotto.

Ich habe nochmal bei Aristoteles nachgelesen, und für ihn war das perfekte Ende ein Ende, dass überraschend kommt, und trotzdem konsequent und logisch aus der Story folgt. Wir haben den Zug am Anfang abfahren sehen. Und sind trotzdem überrascht, wenn er plötzlich auf uns zurast.

Das Ende folgt aus dem Charakter der Figur, oder dem Verlauf der Ereignisse. Es macht komplett Sinn, aber wir haben es trotzdem nicht kommen sehen.

Am Ende von THE WRESTLER hat der Held die Chance, ein neues Leben zu beginnen. Er ist sehr krank, er hat einen Bypass, und er hat die Wahl. Er kann den anstehenden Kampf absagen, und Glück finden mit der Frau, die er schon lange liebt, mit der er nie zusammen war. Doch aus einem „Ich bin der, der ich bin“ Punkrock-Geist heraus, lehnt er all das ab. Die letzte Szene zeigt ihn, wie er seinen Gegner bezwungen hat und sich anschickt, sich auf ihn zu werfen. Er hat einen Bypass, der Aufprall wird sein sicherer Tod sein. Er springt, und das ist das letzte Bild, das wir sehen.

Das bittere Ende ist am Schluss die Konsequenz aus seinem Charakter, und aus dem Leben, dass er geführt hat.

In THE DEATH OF SPEEDY verursacht Speedy, ohne Absicht, durch seine impulsiven und rücksichtslosen Taten, viel Leid bei allen Menschen, die er liebt. Am Schluss kommt ihm die Erkenntnis, dass all das Leid von ihn ausging, und er weiss keinen anderen Ausweg als den Selbstmord.

Je weiter die Story fortschreitet, desto schwerer fällt es uns, Fremdeinwirkungen zu akzeptieren.

Wenn wir eine lange Geschichte über die Entstehung einer Liebe gelesen haben, werden wir schwer akzeptieren, dass

in der letzten Minute ein Auto kommt, und einen der beiden tötet.

Sich die Frau im letzten Moment trennt und sich einen anderen Partner nimmt

Wir akzeptieren diese Enden allerdings ohne Murren, wenn

wir wissen, dass einer von beiden Dreck am Stecken hatte, und ihn eine Schuld aus der Vergangenheit, in Form dieses Wagens, wieder einholt, oder

wenn wir wissen, dass die Bindungsunfähigkeit der Frau schon immer ein Problem war. Sie hat ihren Mann sehr geliebt, doch am Schluss kommt ihre wahre Natur wieder durch.

Wenn man sich also die Elemente eines Plotverlaufs vorstellt wie ein Werkzeugkasten, dann sollten alle Werkzeuge, die Fremdeinwirkungen beinhalten, möglichst nicht am Ende verwendet werden. Keine glücklichen Zufälle auf der letzten Seite. Keine Katastrophen ohne Vorankündigung.

Natürlich passiert das alles genauso im Leben. Ein Paar verliebt sich, heiratet, kauft ein Haus, zieht an. Das Haus brennt nieder. Jemand findet Geld auf der Straße oder gewinnt im Lotto.

Aber wenn wir diese willkürlichen Wendungen in einem Comic / Film / Buch sehen, treten wir aus der Story heraus. Die Blase der Illusion platzt.

Ich glaube, dass wir uns alle wünschen, dass Dinge Sinn machen, dass es immer Ursache und Wirkung gibt, und wir glauben eine Geschichte besonders dann, wenn wir den Sinn der Ereignisse sehen. Auch wenn es eine Illusion ist.

Toolbox Chart
Charts und Schemata im Zusammenhang mit Storytelling sind immer heikel. Kurt Vonnegut würde mir jetzt und hier auf den Teppich kotzen. Ich versuche trotzdem mal, die Werkzeuge des Storytelling, die Wendungen in der Handlung hervorbringen, in den Verlauf einer Geschichte einzuordnen.

Handlungsverläufe und Wendungen, die durch die Figur hervorgerufen werden, sind immer glaubhaft und werden immer akzeptiert. Sehr, sehr viele Geschichten haben eine „Character Arc“, die Entwicklung einer Persönlichkeit, die parallel und gespiegelt zur Handlung verläuft. Der Charakter einer Figur wird durch die Ereignisse geprägt; er bekommt vielleicht mehr Verständnis und Einsicht in sich selbst und wird zu einem bewussteren Menschen. Oder er verweigert sich jeder Einsicht und bleibt starr. In dem Fall endet die Geschichte meistens bitter bis böse für den Helden. Oder die Ereignisse verändern ihn negativ: Die Person die ein Verbrechen begeht, um ein Unrecht wiedergutzumachen, endet vielleicht als Verbrecher.

Peripetie, die hier schon mal diskutiert wurde (der Protagonist will etwas, aber aus seiner Handlung erwachsen Resultate, die er nicht wollte und nicht vorhersehen konnte) ist ein sehr mächtiges Tool, funktioniert aber am besten am Anfang einer Geschichte, weil der schicksalhafte Verlauf oft Zeit zum reifen braucht. Ein kleiner Fehler, eine impulsive Handlung, eine Unachtsamkeit setzt Ereignisse in Gang, die niemand wollte und die niemand vorhergesehen hat. Und diese Ereignisse brauchen Zeit, um zu kulminieren. In DEATH OF SPEEDY schläft Speedy, ohne es zu wissen, mit der Freundin eines verfeindeten Bandenchefs und richtet so riesigen Schaden an. In GRABGESANG ist Jake in Danica verliebt, überlässt sie aber seinem Freund Sebastian und ruiniert so, ohne es zu wollen, ihr Leben.

Enthüllungen können überraschen und Spaß machen, solange sie gut eingebettet sind und nicht zu willkürlich oder klischeehaft wirken. Klassischerweise geschehen sie

am Anfang der Geschichte: Ein Mann erfährt, dass er eine Tochter hat

im letzten Drittel: in einem klassischen Thrillerplot stellt sich jetzt heraus, dass der treue Kamerad des Helden die ganze Zeit für seinen Feind gearbeitet hat

am Ende der Geschichte: zum Beispiel als immer wieder gerne genommenes TWIST ENDING: Die Brüder streiten sich um das Erbe ihrer sterbenden Mutter, am Ende sind alle irgendwie tot, und die Haushälterin, die all das geplant hatte, sitzt mit einem Koffer voller Geld im Flieger.

Zufälle und Unfälle

The good, the bad, the abgefahren: Arten von Schlüssen

Das positive Ende:

Das negative Ende:

Das ambivalente Ende.

Das ironische Ende

Das Twist Ending

Die Kirsche auf der Sahnehaube: Das kleine Ende nach dem großen Ende

SLEEPWALK

Intermezzo: Geschichten versus das Leben

2011-08-21T05:04:00.001-07:00

„Es ist gut, malen zu können was man sieht. Aber es ist besser, zu sehen, was sich zu malen lohnt.“
Oscar Wilde

„Dass du in der Schule keine Freunde hattest, rechtfertigt nicht die Veröffentlichung eines Buches.“
-Fran Lebowitz

„Wenn du die Aufmerksamkeit einer fremden Person in Anspruch nimmst, sorge dafür, dass sie es nicht bereut.“ - Kurt Vonnegut

Ich muss mich doch sehr wundern.

Noch vor wenigen Jahren hätte ich sogenannte „Mainstream“-Comics nicht mit der Kneifzange angefasst. Was mich faszinierte, war die Intimität und die Wahrhaftigkeit, die gute Autorencomics zum Ausdruck bringen können.

Vor ein paar Wochen las ich parallel eine ältere Anthologie deutscher Avantgarde / Independent / Autorencomics und die Noir-Serien „Criminal“ und „Sleeper“ von Ed Brubaker und Sean Phillips von DC/Vertigo, auf deutsch von Pannini.

Und am Ende waren die DC-Comics in jeder Beziehung die dankbarere und bessere Erfahrung
für mich.

Nick Hornby hat vor einigen Jahren einige Bücher mit Buchrezensionen veröffentlicht. Das erfrischende daran war, dass er nicht, wie normale Kritiker, seine Meinung verkauft wie eine absolute Wahrheit, wie eine Tatsache. Ein normaler Kritiker wird schreiben „diese Platte/dieses Buch IST schlecht / gut / irrelevant“. Eine anmaßende und falsche Position. Nick Hornby schrieb darüber, welche Gefühle die Bücher in ihm hervorrufen.

Ich werde es jetzt so ähnlich machen, und die Bücher beschreiben, als wären es Begegnungen. Und ebenso wie Nickt Hornby, werde ich nur die Bücher namentlich benennen, die mir gefielen.

1. Anthologie deutscher Independent- / Avantgard- / Autorencomics mit vielen Beiträgen der „Hamburger Schule“
Ich sitze im Bus auf dem Weg nach hause, als sich ein junger Mann neben mich setzt. Er hat ungesunde Haut und sieht unglücklich und erschöpft aus. Er riecht nach Babypuder und altem Kohl.

Er schaut mich traurig an:
„Mir geht’s viellecht scheisse.“ sagt er.

„Mein ganzes Leben. Alles scheisse. Alles sinnlos. Ich habe nie Glück erfahren dürfen, weisst du? In der Schule hatte ich keine Freunde, weil ich im Unterricht immer aus der Nase gegessen habe. Das fanden die ekelig.“

Er seufzt und isst aus seiner Nase.

„Aber so wird man, wenn man immer alleine ist. Meine Eltern haben mich nie verstanden.“
Er schaut mich wieder traurig an.

„Ich hatte letzte Woche eine schwere OP. Gallenblase. Willst du die Operationsnarbe sehen?“

Nein, will ich nicht.

Er zeigt sie mir trotzdem.

„Guck mal, das ist irgendwie nicht richtig geheilt. Da ist überall Eiter und SCHORF drauf.“
Es reicht mir. Eigentlich müsste ich noch eine Station fahren, aber ich drücke auf den Halteknopf, sage dass ich aussteigen muss, und fliehe aus dem Bus.

Der Bus fährt weiter, und der junge Mann schaut mich traurig und anklagend an. Jetzt geht es ihm noch schlechter als vorher. Und er gibt mir die Schuld dafür.

Ich setze mich an die Haltestelle. Ich bin eine Station zu früh ausgestiegen und warte jetzt einfach auf den nächsten Bus.

Ed Brubaker / Sean Phillips: Criminal 1-5, Sleeper 1-2. Vertigo / Pannini

Ein Typ kommt auf mich zu. Wir kennen und nur vom Sehen und Grüßen, aber ich finde ihn sympathisch. Er setzt sich zu mir.

„Ich habe eine unglaubliche Geschichte erlebt. Hast du einen Augenblick Zeit?“
Ich bejahe.

„Cool. Ich hole uns erstmal n Kaffee.“

Er holt uns zwei Kaffee und setzt sich wieder. Er erzählt seine Geschichte, und sie ist spannend, bewegend, in Momenten amüsant, ironisch, tragisch. Die Geschichte handelt von Menschen. Wie sie falsche Entscheidungen treffen, die ihr Leben in eine falsche Bahn lenken. Von Menschen, die faule, feige Kompromisse eingehen. Die die Macht über ihr eigenes Leben verlieren. Mein unbekannter Freund ist ein großartiger Erzähler, und er lässt lebhafte Bilder vor meinen Augen entstehen. Die Geschichte fesselt mich.

Die Geschichte endet mit einem Paukenschlag und wird noch einige Zeit in mir nachhallen. Jetzt kommt mein Bus. Ich danke meinem unbekannten Freund für den Kaffee und die Geschichte. Er bedankt sich für meine Aufmerksamkeit.

Ich steige in den Bus, bewegt, amüsiert, beeindruckt. Was für eine gute Geschichte, was für ein wunderbarer Erzähler. Ich freue mich auf das nächste Mal, dass ich ihm begegne.

= = = =

Ein Freund von mir wohnt in der Nähe einer Partymeile hier in Köln. Und jedesmal zu Karneval ist es dasselbe: Er schliesst die Haustür auf, und musst feststellen, dass jemand in den Hausflur gekotzt hat. Mal wieder. Immer dasselbe.

Und genau diese Gefühle lösen inzwischen viele Autorencomics in mir aus: Eine Mischung aus Verstörung und Langeweile. Die Geschichte ist nie gut erzählt, selten gut gezeichnet, und am Ende der Geschichte habe ich den Wunsch, eine Schachtel Zigaretten auf Ex zu rauchen und danach lange zu duschen.

Eine meiner Lieblingsbücher war – und ist – Alex Robinsons BOX OFFICE POISON, die die Schicksale einer Gruppe von Zwanzigplussern über mehrere Jahre hinweg verfolgt. Es hat 600 Seiten, und war eine Initialzündung für mich. So was möchte ich machen, dachte ich, einfach eine unspektakuläre Abbildung des echten Lebens.

Was mir damals nicht bewusst war: Das schöne an B.O.P war nicht nur die Glaubwürdigkeit der Charaktere und die Wahrhaftigkeit des Tons.

BOX OFFICE POISON wimmelt tatsächlich von sehr interessanten, großartig erzählten Momenten und Geschichten.

Ich habe lange geglaubt, Plot sei etwas vulgäres, etwas was nur Thrillerautoren und Popcorn-Blockbuster benutzen. Ich glaubte immer, wichtiger sei Authentizität, eine ehrliche und wahrhaftige Abbildung des Lebens.

Das glaube ich auch weiterhin.

Aber inzwischen denke ich, ein guter Plot ist ein Zeichen, dass der Autors mich als Leser respektiert. Plot ist nicht der Feind. Es ist der Verbündete.

Ein weiteres Zitat, eine Szene aus dem Film Adaptation, die in einem Drehbuchseminar spielt:

Charlie Kaufman:
Was ist denn, wenn man eine Geschichte hat, in der nichts passiert? Menschen leiden, und nichts klärt sich auf. Eher so wie in der wirklichen Welt.

Robert McKee:
die wirkliche Welt, hm?

Erstens, eine Geschichte ohne Konflikte wird dein Publikum zu Tränen langweilen.

Zweitens, „nichts passiert in der Welt“? Hast du sie noch alle? Jeden Tag werden Menschen umgebracht. Es gibt Völkermorde, Verbrechen, Korruption. Jeden verdammten Tag opfert irgendwo auf der Welt ein Mensch sein Leben, um einen anderen zu retten. Jeden verdammten Tag trifft ein Mensch die bewusste Entscheidung, einen anderen Menschen zu zerstören. Menschen finden Liebe, Menschen verlieren Liebe. Ein Kind muss mitansehen, wie seine Mutter auf den Stufen einer Kirche zu Tode geprügelt wird. Jemand hungert. Ein anderer verrät seinen besten Freund wegen einer Frau.

Wenn du diese Geschichten nicht im Leben findest, dann verstehst du nichts vom Leben.

Diese Stadt war so dreckig wie die Ratten, die sie beherrschten: Anfänge

2011-08-14T02:09:00.001-07:00

Jeder, der schon ein Comicbuch herausgebracht hat, kennt die Situation: ein potentieller Leser tritt an den Stand und nimmt sich zögernd ein Buch. Vielleicht liest er den Text auf der Rückseite, vielleicht blättert er quer, aber in gefühlten neun von zehn Fällen, schlägt er das Buch auf und liest die ersten drei, vier Seiten.

Aufgrund des Anfangs trifft er die Entscheidung, das Buch zu kaufen oder nicht.

Ganze Bücher sind über die Bedeutung des Anfangs geschrieben worden, Und tatsächlich ist die erste Begegnung mit einer Geschichte so bedeutsam wie die erste Begegnung mit einem Menschen.

Heute geht’s also um Anfänge, ihre Formen und ihre Bedeutung.

1. Ein Anfang stimmt ein auf Ton und Tempo der Geschichte.
In Seth's CLYDE FANS gleitet die Kamera auf den ersten Seiten über die Häuser einer Stadt, langsam geht die Sonne auf, wir nähern uns einem Geschäft namens CLYDE FANS. Ein alter Mann wird wach, zieht sich an, setzt sich in einen Sessel und beginnt, in aller Ruhe, uns seine Geschichte zu erzählen.

In David Laphams MURDER ME DEAD hängt im ersten Bild direkt mal eine Leiche von der Decke.

Und in beiden Fällen haben wir bereits einen guten Eindruck, was uns weiter im Buch erwartet.

Die „Stimmung“ in Einstimmung
Ich persönlich mag es sehr gerne, wenn ich erste eine Stimmung vermittelt bekomme, bevor eine Handlung beginnt. Okay, das erste Bild ist eine Kirche. Also zeigen wir einfach eine Kirche. Aber welche Stimmung soll sie vermitteln? Autorität? Feierlichkeit? Traurigkeit? Endlichkeit?
In Bilderdatenbanken wie „Gettyimages“ kann man nach Bildinhalten ebenso suchen wie nach „Konzepten“. Gesucht wird ein Bild mit einer Frau in einem Bett. „Konzept“ bedeutet in diesem Fall die Stimmung, die das Bild kommunizieren soll. Wir sehen eine Frau in einem Bett. Aber was fühlen wir? Einsamkeit? Ruhe? Geborgenheit?

Der Regisseur David Mamet spricht in seinem genialen „Die Kunst der Filmregie“ von der „Idee“ eines Momentes oder einer Szene. Wenn wir also etwas ruhiger unterwegs sind, und nicht sofort mit einem Knalleffekt beginnen müssen, lohnt es sich, darüber nachzudenken, in welcher Stimmung wir die Geschichte beginnen wollen, und wie wir diese Stimmung visuell erzählen können. Ich werde auf das Konzept der „Idee“ / Stimmung noch später ausführlicher schreiben.

2. Ein Anfang macht neugierig und verleitet zum weiterlesen
Im Vergleich zu Buchautoren haben wir es eigentlich leicht, denn die Gestaltung eines Comics sagt dem Leser eigentlich schon auf den ersten Blick, ob der Stil, die „Stimme“ des Buches, ihm gefällt. Ein Buch, egal ob von Dostojewskij oder von Grisham hat ausser einem Cover nichts zu bieten als ein paar Dutzend Buchstaben. Aber gerade deshalb sind Autoren oft sehr gut darin, sich ihre Leser mit den ersten paar Sätzen direkt zu krallen.

„Ich war nach dem Unfall ein anderer Mensch.“

„Es ist die traurigste Nacht, denn ich gehe, und ich kehre nicht zurück.“

In WATCHMEN „hören“ wir die grimmige Stimme von Rorschach, während wir einen Smiley in einer Blutlache finden. Die Kamera steigt langsam höher, bis wir einen Mann sehen, der von einem Fenster aus auf die Straße hinabblickt. „Geht ja echt tief runter“. Ich kann mir schwer vorstellen, dass man nach einem solchen Anfang nicht weiterblättern will.

Der archetypischste Anfang eines Actioncomics, tausendmal vor- und nachgetanzt von aussprebenden Superheldencomiczeichnern: Wir erleben eine Frau / ein Kind / einen alten Mann, der in eine gefährliche Situation gerät. Plötzlich sieht sich die Frau umzingelt von Böseswichtern.

Und grade als es wirklich brenzlig wird, kommt natürlich der Held herbei.

Diese Art von Anfang ist nicht von ungefähr zum Klischee geworden: es ist sehr effektiv, eine Geschichte so zu beginnen. THE MAXX beginnt so, V FOR VENDETTA beginnt so. Der Moment erzeugt Spannung, animiert zum Weiterlesen, und

3. Der Protagonist wird eingeführt.
Das große, immer wieder angestimmte Tantra des Erzählens ist „Show, don't tell“. Erzähl es nicht, zeig es. Wenn wir etwas lesen, geht es in unser Gehirn. Wenn wir etwas sehen, erleben, geht es direkt in unseren Bauch. Das erzeugte Gefühl ist stärker und eindringlicher, und wir nehmen direkt sehr viel mehr Anteil an der Geschichte.

Angenommen, unsere Hauptfigur ist ein maskierter Beschützer. Natürlich können wir dann einfach erzählen, wie's ist.

„Mein Name ist schwarzer Blitz. Ich mache heldenhafte Sachen“.

Aber wenn wir sehen, wie unser Held jemanden rettet, ist das trotzdem sehr viel effektiver, und unmittelbarer ...

Arten von Anfängen

Klassische Exposition: Langsame Einführung in die Örtlichkeit, dann die Figur, eventuell ein Erzähler, der uns an der Hand führt. „Das hier ist unsere Schule. Sie gilt als die strengste in der Stadt. Und das hier, das bin ich.“ Oft kommt als nächstes eine sprechende Szene, die uns den / die Hautpfigur vor Augen führt, oft in einer Situation, die seinen Charakter zum Vorschein bringt.Die Wichtigkeit eines solchen Momentes ist nicht zu unterschätzen. Auch wenn wir literarischer unterwegs sind und nicht sofort einen Toten von der Decke baumeln lassen wollen – es ist sehr, sehr, sehr wichtig, dass der Leser schnell erfährt, mit welchen Figuren er es zu tun hat – und warum er an ihnen Anteil nehmen sollte.

In Medias Res: Direkt mittenrein
Bei Anfängen „in medias Res“, die den Leser ohne Einführung direkt mitten in eine Situation versetzen, ist das schicke, dass der Leser gleichsam ins Wasser geworfen wird, und sich seine Kerninformationen – wo bin ich, wer ist das, was soll das – selber zusammensuchen muss. Literatur kann so etwas perfide gut. Ein typischer populärer Roman könnte zB so beginnen:

„Spinnst du?“

Karin sah mich mit großen, zornigen Augen an.

Man ist sofort mittendrin und hat das natürliche Bedürfnis, sich zu orientieren.

Also liest man weiter.

Beim Erzählen mit Bildern ist es sehr viel schwerer, dem Leser vorzuenthalten, wo er sich befindet, und wer da grade was sagt. Aber es ist eine schöne Herausforderung, den Leser am Anfang etwas baumeln zu lassen, und seine Fragen erst später zu beantworten. „100 Bullets“ von Brian Azarello und Eduardo Risso ist voll von solchen kleinen In Medias -Momenten. Wir sehen nur eine Hand, ein Gesicht, ein Glas. Und erst am am Ende der Seite erfahren wir, wo zum Henker wir uns befinden.

Nämlich, im Fall von "100 Bullets" zumeist in einer spackigen, abgerockten Kneipe.

Wie konnte das passieren: Der Teaser

In einem Hollywoodplot, speziell bei Action, gibt es 10/20 Minuten vor Schluss immer eine Situation, in der alles verloren scheint. Der ausgesprochen erfreuliche LIMITLESS (dt ohne Limit) beginnt mit einem Mann, der auf der Kante eines Dachs steht. Seine Verfolger kommen näher, und es bleibt ihm nur noch der Sturz als Ausweg.

In einer Comicgeschichte ist die Dramaturgie weitaus weniger festgelegt als in Hollywoodfilmen, aber das Spiel mit der Chronologie der Geschichten findet immer öfter auch in Comics statt. Auf der ersten Seite von Y- THE LAST MAN hält sich eine Frau die Waffe an die Schläfe und sagt „alle Männer sind tot“. Nächste Szene „Brooklyn, New York, vor 29 Minuten“. Nächste Szene „Washington, D.C. Vor 24 Minuten.“ Auch die exzellenten Serien CRIMINAL und speziell SLEEPER von Ed Brubaker und Sean Phillips machen sehr stark, und effektiv, Gebrauch von Teaser-Momenten.

Plot Toolbox, die dritte: Enthüllungen, Abfolgen, Perspektiven

2011-07-31T02:25:00.001-07:00

Enthüllungen

Sehr beliebt bei Thrillern, Krimis und Noirs. Unterscheidet sich von der „Erkenntnis“ (siehe hier) dadurch, dass sie einen immer überaschend trifft. Niemand konnte wissen, dass Darth Vader Lukes Vater ist. Man kann es allerdings auch übertreiben und zum Klischee mutieren lassen - in Lewis Trondheims Parodie "Intriganten" jagt eine Enthüllung die nächste, und auch am Ende des Filmes "Prestige" von Enthüllungsplotschreiber Chritopher Nolan stapeln sie die Enthüllungen bis zur Absurdität. Wie Homöppathie scheint die Enthüllung in kleineren Dosen am besten zu wirken.

Chronologie

Szene: Ein bulliger, extremst angespannter Polizist in einem Verhörraum. Er dampft vor Wut, weil er seinem Gefangenen kein Geständnis entlocken kann. „Sie sind wirklich der KALTBLÜTIGSTE Bastard, der mir JE untergekommen ist. Erst haben sie eine AFFÄRE mit Kulakows Frau, und dann bringen sie sie auch noch um! Haben Sie eine Ahnung, mit wem sie sich da angelegt habe? Kulakow gehört quasi die Stadt. Er ist der Boss der Mafia hier. Sind sie komplett LEBENSMÜDE?“

Blick auf den Gefangenen: Pino, klein, schmächtig, Brillengläser wie Backsteine, Pickel, zu großer Pulli. Er hat keine Ahnung, wovon der Beamte spricht.

Nächste Szene: „Eine Woche zuvor“

Nächste Szene: „Zwei Wochen zuvor“

Und natürlich war alles ganz anders.

Die Darstellung von Ereignissen in umgekehrt chronologischer Reihenfolge oder als – scheinbar - willkürliche Abfolge hat besonders durch die sehr erfolgreichen Filme MEMENTO und PULP FICTION viele Autoren ihrerseits zu Experimenten mit Chronologie inspiriert. Bis dahin war das bekannteste Beispiel das Theaterstück THE BETRAYAL von Harold Pinter, u.a. parodiert in einer Episode von „Seinfeld“. Das Spiel mit de Chronologie ist für den Leser / Betrachter ein extrem spannendes Katz-und-Maus-Spiel, und kann, wie in MEMENTO, zu extrem verbüffenden Ergebnissen führen. Das Prinzip funktioniert allerdings nicht nur in Genregeschichten, Krimis oder Action. Das Film 5x2 von Francois Ozon zeigt fünf Szenen einer Beziehung, beginnend mit dem Unterzeichnen der Scheidungspapiere, und endend mit dem Kennenlernen der Beiden. Ein Werkzeug, das bei weitem noch nicht ausgereizt ist, und bei einem smart ausgearbeiteten Plot ungeheure Energie – und Ironie - entfalten kann. Viele Leben erhalten eine bittere Ironie, wenn man auf sie zurückblickt. Jedes Leben beginnt mit einem Blick voller Hoffnung und Vertrauen in die Welt. Die ersten Wunden werden geschlagen, man verrückt

Auf eine ganz spezielle Weise in umgekehrter Chronologie erzählt ist ein alter Comic von Alan Moore aus der Stipserie 2000AD, in der ein Mann sein Leben rückwärts erlebt.

Blickwinkel

Eine der großen Errungenschaften im Storytelling der letzten Jahrzehnte ist die Erkenntnis, dass Größen wie „richtig“ und „falsch“ und „gut“ und „böse“ sehr relativ sind. Der überführte zehnfache Mörder, der im Gericht dem Polizisten droht, der ihn überführt hat, denkt in seiner verschwurbelten Wahrnehmung, ihm sei Unrecht widerfahren.

Ebenso wie das Spiel mit der Chronologie lässt sich eine Story aus verschiedenen Blickwinkeln erzählen. Wenn der Plot gut durchdacht ist, fügt jeder Blickwinkel eine Facette zur Story hinzu, bis sich irgendwann das komplette Bild vor uns ausbreitet. Eine Technik, die ebenfalls bei weitem noch nicht ausgereizt ist.

Ein besonderes Spiel mit Chronologie UND Blickwinkeln bietet der bemerkenswerte Comic THE DEAD AND THE DYING, auf Deutsch GRABGESANG, von Ed Brubaker und Sean Phillips aus der „Criminal“-Reihe. Die Geschichte ist aufgeteilt in drei Episoden, erzählt aus drei verschiedenen Blickwinkeln.

[Ab jetzt hagelt es Spoiler, deswegen ist meine Empfehlung, diese bemerkenswerte Geschichte erst zu kaufen und zu lesen, bevor ihr hier weiterlest]

Verschiedenen Plotlinien ziehen sich durch diesen Noir-Comic, aber eines der Geschichten ist eine Dreiecksbeziehung zwischen zwei Männern und einer Frau. Die beiden Jungs wachsen gemeinsam als Freunde auf, aber irgendwann trennen sich ihre Wege: der - weiße – Sebastian ist der Sohn von Walt Hyde, dem mächtigsten Gangsterboss der Stadt. Der schwarze Jake Brown, Sohn von Clevon Brown, der rechten Hand Walt Hydes, erlebt die Jugend mit Sebastian noch auf Augenhöhe, doch irgendwann wird aus Sebastian der Sohn des Bosses, und Jake zieht sich komplett aus der Kriminalität zurück. Er verliebt sich in Danica, aber als er mitbekommt, dass auch Sebastian Interesse hat, macht er bei Danica Werbung für seinen Freund, und bringt die beiden quasi zusammen. Er hat das Gefühl, Sebastian, oder seinem Vater, etwas schuldig zu sein. In der ersten Story sieht er sie nach vielen Jahren wieder (Walt Hyde hat sie aus der Stadt entführen lassen), und muss ihr trauriges Schicksal mit ansehen. Am Schluss liegt auch sein eigenes Leben in Trümmern.

Die zweite Geschichte erzählt die Perspektive von Teeg Lawless. Dem Mörder von Danica.

Die dritte Geschichte erzählt die Perspektive von Danica, und durch unser Vorwissen ist diese Geschichte durchtränkt mit bitteren ironischen Erkenntnissen. Dass sie Jake zuerst liebte, aber das Gefühl hatte, Jake habe kein Interesse an ihr und wolle sie mit Sebastian verkuppeln.

Der Comic endet mit einer Danica, die nach großen Verletzungen und Demütigungen, nachdem Walt Hyde sie zu einer Abtreibung gezwungen hat und sie aus der Stadt entführen ließ, nach vielen Jahren in ihre Heimatstadt zurückkehrt, um sich zu rächen. Sie ist mutig, und hungrig, und ohne Angst, bereit den Kampf erneut aufzunehmen.

Was zu einem weiteren großen Fass führt, dem Umgang mit Wissen. Demnächst in diesem Theater.

Niemandes Leistung, niemandes Schuld: Plot Toolbox II: Zufälle, Unfälle, Katastrophen

2011-07-23T00:57:00.000-07:00

Eine Geschichte, die wir seinerzeit bei Panik Elektro abgelehnt haben, macht sehr schön deutlich, wo das Problem bei Plotwendungen liegt, die durch Einwirkungen von aussen vollzogen werden.

In der Geschichte stehen zwei Freunde nachts auf einem Feld und betrachten ein Gewitter. Plötzlich schlägt der Blitz in einen der Freunde ein und verwandelt ihn in ein Monster. Danach war eine Verfolgungsjagd über fünf Seiten geplant.

Und am Schluss verwandelt sich der Freund auch in ein Monster und tötet seinen verwandelten Kumpel.

Abgesehen davon, dass der Autor hier keine Geschichte erzählen, sondern eine Monsterjagd zeigen wollte, macht diese Geschichte sehr schön deutlich, wo der Wurm liegt bei Storywendungen, die auf Zufällen, Unfällen oder generell Einwirkungen von aussen beruhen. Menschen lieben es, sich in Geschichten zu verlieren, und wir nehmen viel hin; Okay, der Blitz schlägt ein, und verwandelt einen der Freunde in ein Ungeheuer. Warum nicht. Gregor Samsa wacht auch als Käfer auf und keiner weiss, warum. Geht von uns aus klar.

Ich hätte die Geschichte interessant gefunden, wenn der Freund äusserlich verwandelt worden wäre, aber seine Persönlichkeit beibehalten hätte, wie in einer sehr amüsanten Episode der Comicserie BARRY WEEN, in der sich Barrys Kumpel in einen Dinosaurier verwandelt, aber Persönlichkeit – und Frisur – beibehält. Aber nun je.

Die Verfolgungsjagd hätte man noch interessant gestalten können, wobei ich eine solche Sequenz in der Animation besser aufgefunden finde als in einem statischen Erzählmedium wie Comic.

Und den Schluss fanden wir alle ausnehmend unbefriedigend und dämlich.

Am ehesten akzeptieren wir zufällige und unglückliche Wendungen von aussen, wenn sie am Anfang einer Geschichte passieren. Jemand findet einen Koffer mit einer Million. Jemand trifft seine alten Jugendliebe wieder. Eine Frau verliert ihren Mann durch einen Unfall. Aliens überfallen die Erde. Eine Explosion oder Naturkatastraophe zerstört das Haus einer Familie.

Aber eine solche Wendung am Schluss einer Geschichte erscheint und ärgerlich und unbefriedigend. Ein Mann sucht verzweifelt nach der Liebe, und am schluss fällt sie ihm wie zufällig in den Schoß? Jemand muss einem Mafioso Geld zurückzahlen und findet am Schluss zufällig einen Koffer mit der Summe auf der Straße?

In Steven Spielbergs Film erstem Film, DUELL, merkt ein Autorfahrer, dass er von einem riesigen Truck verfolgt wird, der es offensichtlich darauf angelegt hat, ihn umzubringen. Wer diesen Truck fährt, und woher seine schlechte Laune rührt, wird nie geklärt. Aber im Laufe der Geschichte wandelt sich das Bewusstsein des Autofahrers. Er will nicht mehr reden, oder Frieden schliessen. Er hebt den Fehdehandschuh auf.

Ein unbefriedigendes Ende wäre, wenn

der Truck plötzlich abdrehen und verschwinden würde
plötzlich ein Flugzeug vom Himmel fiele und den Truck zerstören würde
der Truck plötzlich einen PLATTEN hätte und nicht mehr weiterfahren könnte

Das tatsächliche Ende ist, dass der Truck plötzlich das gejagte Auto wie auf dem Servierteller vor sich sieht, und darauf losjagt. In letzter Sekunde fährt das Auto weg und offenbart den Abgrund, vor dem es stand. Der Truck stürzt in eine Schlucht. Der Autofahrer hat ihn überlistet.

Krieg der Welten zeigt die Invasion von Ausserirdischen auf der Erde. Alles sehr unterhaltsam und spannend. Am Schluss kommt aus dem Irgendwoher ein Virus und tötet alle. Das Problem ist, dass jede noch so ausgeklügelte, intelligente, emotionale Story einen schalen Nachgeschmack hinterlässt, wenn ein willkürliches, unmotiviertes Ende geliefert wird. Zu Zeiten der aristotelschen Tragödie wurde der Begriff DEUX EX MACHINA geprägt. Wenn eine Dramenautor sich „an die Wand gepinselt hatte“ und am Schluss vor einem Scherbenhaufen ungelöster Konfikte stand, ließ er einfach Götter vom Himmel kommen, die die Streithähne versöhnten und / oder alle Probleme wieder ins Lot brachten. Aristoteles fand diese Art von Wendung doof, und das tun die meisten Leser / Zuschauer von Stories auch heute noch.

Eine Kunst für sich, und eine schicke Ausnahme von der Zufallsregel, sind zwei Plots, die sich auf tragische oder komische Weise überkreuzen. Die Plots laufen beide logisch vor sich hin, und ergeben zusammen eine amüsante und überraschende Wendung. Viele Plots von Guy Richie sind voll von Plotkollisionen dieser Art.

Plot Toolbox: Werkzeuge der Erzählung

2011-07-17T11:04:00.000-07:00

Der Logik nach wären jetzt andere Themen dran, aber ich möchte jetzt mal grade ein paar TOOLS erwähnen, die bei Plotbacken nützlich sind. Habe grade die "Poetik" von Aristoteles nochmal gelesen. Und bin noch sehr beseelt von der Erfahrung, einen Text zu lesen, de tausende von Jahren überdauert hat und heute noch genauso relevant ist wie zu der Zeit Aristoteles. Und einige seiner grundlegenden Erkenntnisse möchte ich reinpacken in eine Toolbox von "Werkzeugen", mit denen man an seinem Plot schrauben kann. Die meisten dieser Techniken wenden wir an, ohne darüber nachzudenken; aber ich denke, es schadet nicht, zu wissen, was man da grade macht. Einige Tools werden sicher auch gute Anregungen liefern.

Charaktere / Figuren

Für mein Empfinden sind die handelnden Figuren das wichtigste "Werkzeug", um die Handlung voranzutreiben. Wenn eine Figur keine Eigenschaften hat und / oder nichts will, sind unsere Handlungsmöglichkeiten sehr eingeschränkt. In Gilbert Sorrentinos Roman "Mulligan Stew" kommt die Handlung nicht in die Gänge, weil die Hauptfigur einfach faul zuhause sitzen und nix tun will, bis ihn der Autor nach einem langen Streitgespräch quasi zur Tür raus schiebt.

Überraschende und amüsante Wendungen wirken immer sehr authentisch, wenn sie aus dem Charakter einer Person heraus passieren. Unsere Reaktionen und Handlungen sind impulsiv, emotional, leichtsinnig, unverantwortlich und absurd, und dementsprechend fallen dann auch die Reaktionen aus. Und ruckzuck haben wir einen Schnellball an Handlungen, die aus der Logik des Charakters heraus motiviert sind, und auf die man logisch niemals käme. Die Zeitungen sind voll von "Wer macht denn SOWAS?"- Geschichten. Antwort: Menschen machen sowas. Menschen erschiessen andere Menschen wegen 10 Euro. Menschen jagen sich mit selbstgebastelten Raketen bei 10.000 km/h in die nächste Wand. Menschen pinkeln auf Hochspannungsmaste. Unsere Geschichten sind immer besser, wenn Menschen darin herumlaufen, und keine Stereotypen.

2. Peripetie

Vielleicht habe ich es bisher versäumt zu erwähnen, aber Aristoteles war ein verdammtes Genie. Aus seiner Poetik, obwohl für eine andere Zeit und ein anderes Medium geschrieben, ließe sich noch heute ein komplettes Storytelling-Lehrbuch backen.

Die „Peripetie“ hat er nun nicht erfunden, aber identifiziert und benannt, und es ist ein geniales und unermesslich nützliches Tool. Einfach formuliert: Man will etwas erreichen, und ergreift eine Maßnahme, um sein Ziel zu erreichen. Und diese Maßnahme hat Konsequenzen, die man nicht vorhersehen konnte.

Sandra ist in Tommy verliebt und will ihn eifersüchtig machen, indem sie auf der Party mit André flirtet. Tommy sieht das, und geht davon aus, dass Sandra was mit Tommy hat und lässt sich von einer anderen Frau abschleppen.

Für Aristoteles war die Geschichte des Ödipus die perfekte Geschichte: Einem Paar wird vorhergesagt, ihr (grade geborener) Sohn werde seinen Vater umbringen und seine Mutter heiraten. Also geben sie einem Sklaven den Auftrag ihren Sohn umzubringen. Der bringt ihn aber nicht um, sondern setzt ihn nur aus. Und viele Jahre später kommt Ödipus zu seinem Geburtsort zurück, und den Rest kann man sich denken. Denn tragischeweise WEISS Ödipus nicht, wer seine Eltern sind.

Peripetie-Mechanismen funktionieren deshalb so großartig, weil der Protagonist selbst etwas ingange setzt, was dann in eine unerwartete Richtung zurückschlägt oder viel weitreichendere Folgen hat, als die Person jemals vorhersehen konnte.

Es gibt viele Spielarten von Peripetie, wie zB dass man in der Vergangenheit einen Fehler oder eine Unachtsamkeit begeht, die dann, Jahrzehnte später, meist unangenehme Folgen hat.

(Moment der) Erkenntnis (Anagorisis)

Auch dieses Werkzeug wurde von Aristoteles zuerst benannt und bezeichnet den Moment, in dem dem Held die Schuppen von den Augen fallen und er plötzlich versteht:

- er selbst hat all dieses Leid verusacht

- sein bester Freund ist der Verräter, der ihn ausgeliefert hat

- eigentlich war ich die ganze Zeit in meine beste Freundin verliebt, wollte es nur nie wahrhaben

Auch diesen Moment gibt es in Ödipus, als der Held erfährt, was er getan hat. In einer perfekten Anagorisis bekommt der Protagonist und mit ihm der Leser Schritt für Schritt kleine Puzzleteilchen hingelegt, und gegen Schluss erkennen wir plötzlich das Bild, was sich daraus ergeben hat. Perfekt angewandt wird diese Technik in der Graphic Novel MAIL ORDER BRIDE von Mark Kalesniko. Immer wieder tauchen auf den Seiten einzelne Wörter aus Zeitungen und Gesichter von Frauen auf. Am Schluss wird klar, wie alles zusammenhängt. Und dann gibt es einen Riesenzoff.

Es muss allerdings kein Wendepunkt sein, an dem diese Erkenntnis passiert. Auch das Leben, das man führt, ist wie ein Puzzle, von dem wir immer nur die Teile sehen, die direkt vor unserer Nase liegen. Erst später, mit Abstand, verstehen wir die Geschichte, die unser Leben erzählt.

In dem Film VENUS von Roger Michell spielt Peter O’Toole einen greisen Schauspieler, der aber immer noch den Frauen hinterhersteigt. Die Liebe seines Lebens war Valerie (Vanessa Redgave), doch er konnte ihr nicht treu sein. Er hat sie immer wieder aufs neue verlassen. In einer sehr kleinen sehr bewegenden Szene besucht Maurice Valerie, die inzwischen auch eine alte Frau ist. In einem bewegenden Moment schaut er sie an und bricht in ihrem Schoß zusammen, weil ihm klar wird, welches Leid er verursacht, und welches Glück er sich versagt hat.

Eine meiner Lieblingsgeschichten ist sehr aristotelisch, nämlich THE DEATH OF SPEEDY von Jaime Hernandez. Speedy schläft mit Esther, weil er Maggie nicht kriegt. Speedy schläft mit Branca, um sich an Esther zu rächen. Und nach den kosmischen Gesetzen der Peripetie haben alle seine Handlungen tragische Folgen, die er nicht vorhersehen konnte. Am Schluss versteht er, ähnlich wie Ödipus, wie viel Leid und Unheil er verursacht hat, und kann mit dieser Erkenntnis nicht weiter leben.

[Wird fortgesetzt]

To cut a long story short: Die kurze Geschichte in der langen.

2011-07-10T12:13:00.000-07:00

Wir können hier viel über Aristoteles und die drei Akte-Struktur schreiben, aber die Gegebenheiten für Comic in Deutschland bleiben arg und bitterlich. Für die allermeisten von uns bleibt eine Comicgeschichte etwas, das wir neben dem Tagesgeschäft erledigen. Und wiederum die allerwenigsten von uns haben die Zeit, oder die Geduld, eine komplette Drei-Akt-Geschichte umzusetzen, auch wenn sie sie um Kopf schon zuende erzählt haben. Deswegen macht es eine Menge Sinn, aufzuzeigen, wie man aus einer längeren Geschichte eine kürzere extrahiert.

Die Theorie der drei Wendepunkte kommt wiederum von Kino, wo man einfach dramaturgisch Wendungen braucht, damit die Leute nicht einpennen. Beim Comic bestimmt der Leser, wie viel und wie schnell er lesen will - daher können wir die Dramaturgie viel freier handhaben.

Ein sehr viel realitätsnäheres Konzept wäre eines mit zwei Wendepunkten:

Beziehung: Zwei Menschen treffen aufeinander und werden zusammen glücklich. Nach 10 Jahren Beziehung gibt es eine Krise (Wendepunkt 1), einer geht fremd, die beiden machen eine harte Zeit durch, und für einige Zeit steht die Beziehung auf der Kippe. Aber die beiden raufen sich wieder zusammen (Wendepunkt zwei) und finden zu neuem Glück.

Dasselbe mit Karriere: Erfolg – Rückschlag(WP 1) – Neubeginn (WP 2).

Familie: Harmonie – Krankheit / Todesfall (WP 1) – Neubeginn (WP 2).

Als Beispiel die Geschichte einer Ehe. Zwei Menschen lernen sich kennen, verlieben sich, leben viele Jahre glücklich. Doch dann kommt eine Wende. Der Mann verliert seinen Job, kann keinen neuen finden, und langsam bröckelt sein Selbstwertgefühl und sein Selbstbewusstsein. Eines Tages erzählt im seine Frau, dass sie während einer Zugfahrt einen blinden alten Mann kennengelernt hat. Sie beginnt eine „Brieffreundschaft“ mit dem Mann, indem die beiden über Kassettenaufnahmen korrespondieren. Das geht einige Zeit so, der Mann hat immer noch keinen Job, und das Verhältnis seiner Frau zu diesem Blinden ist ihm sehr suspekt.

Und dann kommt der Blinde zu Besuch.

Der Mann ist vollkommen überfordert mit der Situation, und als die Frau die beiden im Wohnzimmer alleine lässt, ist er vollends hilflos. Verunsichert und unfähig zu einem Gespräch, schaltet er den Fernseher an. Es läuft ein Bericht über Kathedralen. Er fragt den Blinden, ob er weiss, wie eine Kathedrale aussieht, und versucht, sie zu beschreiben. Schließlich bittet der Blinde, ein sehr höflicher, zuvorkommender Mensch, den Mann, eine Kathedrale aufzuzeichnen und dabei die Hand des Blinden auf dem Blatt zu führen. Das gelingt dem Mann recht gut, und zusammen zeichnen sie eine Kathedrale und die Leute darin, beide mit geschlossenen Augen.

Es ist der Moment, in dem der Mann wieder Mut und Selbstvertrauen fasst. Jetzt wird seine Leben eine Wendung zum Besseren nehmen.

Die Geschichte ist von Raymond Carver, einem der renommiertesten Kurzgeschichtenautoren Amerikas. Allerdings beschreibt seine Geschichte nur die Begegnung des Mannes mit dem Blinden. Die Vorgeschichte wird bestenfalls angedeutet. Der Rest ist eine Erfindung von mir. Es soll zeigen, dass in einer langen Geschichte viele kurze Geschichten stecken.

Gute Momente um eine eine kürzere Geschichte aus einer längeren zu extrahieren, sind die Wendepunkte, und/ oder die Momente kurz davor.

Angenommen, wie haben eine kriminelle Karriere eines Jungen vor uns. Er erledigt kleinere Geschäfte für die Gang in der Nachbarschaft, und arbeitet sich langsam herauf. Eine gute Kurzgeschichte innerhalb der Erzählung wäre der Moment, wo sein Leben endgültig die Richtung der Kriminalität einschlägt. Zum Beispiel der Moment, in dem er seine erste Schusswaffe bekommt. Wir können beschreiben, wie sehr er sich im Ritual der Übergabe geehrt fühlt, und wie stolz und übermütig er daraufhin in die Welt geht. Er wird es allen zeigen.

Ein zweiter guter Wendepunkt könnte der Moment sein, in dem der Junge, inzwischen ein Mann, dreissig Jahre älter, genug hat von einem Leben im Schatten und auf der Flucht. Ein Überfall ist schiefgelaufen, er hat vielleicht im Chaos einen seiner Leute getötet, und setzt sich jetzt einfach in eine Ecke, senkt den Kopf, während er hört, wie die Sirenen immer lauter werden.

Ein Moment – ein Charakter – Ein Leben

Eine weitere Möglichkeit, aus einer langen Geschichte eine kürzere zu extrahieren, ist, einen Moment einzufangen, der beispielhaft für den Charakter und das Schicksal der Figur ist. Alles hängt mit allem zusammen, wenn wir in unserer Arbeit nachlässig und schlampig sind, werden wir das vielleicht auch in anderen Bereichen unseres Lebens sein. Manchmal braucht man nur zu zeigen, wie ein Mensch sich die Zähne putzt, um zu wissen, wie er tickt. Und manchmal braucht man nur einen Satz, um den Charakter eines Menschen erahnen zu können.

Es gibt eine Anekdote aus der Antike, zwei Jungs prügeln sich. Einer erweist sich als schlechterer Kämpfer, und als er zu verlieren droht, fängt er an, seinen Gegner zu beissen. Der lässt sofort von seinem Gegner ab.

„Du beisst ja, wie ein Mädchen!“

„Nein. Wie ein Löwe.“

Der Junge, der diesen Satz sagt, wird der Welt später als Julius Cäsar in Erinnerung bleiben.

Meeting across the river, ein Song von Bruce Springsteen, fängt einen Moment ein, in dem wir nicht nur den Charakter einer Figur kennenlernen. Der Moment gibt uns eine Ahnung von dem ganzen Leben dieses Typen.

MEETING ACROSS THE RIVER

Hey Eddie, leihst du mir was Geld

Und kannst du uns für heut Nacht n Wagen besorgen?

Ich muss rüber, durch den Tunnel

Ich treff mich da mit nem Typ von der anderen Seite

Und dieser Kerl, Eddie, der meint’s ernst,

also wenn du mitkommen willst, musst du mir versprechen, nicht zu reden

Weil der Typ macht keine Späßchen

Und es heisst, das hier ist unsere letzte Chance

---

Wir müssen heut nacht cool bleiben, Eddie,

wir haben uns das hier selber eingebrockt

Und wenn wirs diesmal vergeigen

Werden sie nicht nur nach mir suchen.

Wir brauchen ja nur unseren Teil vom Deal zu erfüllen

Hier, steck dir das in die Tasche, dann sieht es aus als trügst du ne Knarre

Und denk dran, nicht lächeln

Und zieh n frisches Hemd an - heute nacht haben wir Stil

---

Cherry sagt sie geht, weil sie raubekommen hat, dass ich ihr Radio versetzt habe

Aber Eddie, die kapierts nicht, ich hab doch die zwei Mille schon so gut wie in der Tasche

Heute wird’s genau so sein, wie ich gesagt hab

Und wenn ich dann durch die Tür gehe, werde ich einfach das Geld aufs Bett werfen

Dann sieht sie, diesmal war es nicht zu Gerede

Und dann geh ich erstmal ne Runde - hey Eddie, kannst du uns n Wagen besorgen?

Natürlich *wissen* wir nicht, wie das Leben von diesem beherzten jungen Mann weitergehen wird. Wir denken nur unwillkürlich eijeijeijei, wenn das mal gut geht. Der Gute ist unzuverlässig, charakterlos und stümperhaft. Und er hat sich mit Leuten eingelassen, die zehn Nummern zu groß für ihn sind. Vielleicht kann er sich noch eine Weile durchschlawinern, aber in nicht allzu langer Zeit landet der Knabe wohl entweder im Knast oder in der Grube.

Des Plots neue Kleider: Plotstrukturen adaptieren

2011-07-06T01:15:00.000-07:00

Laut Statistik sind die Beiträge zum Plot mit die meistgelesendsten hier, deswegen werden die nächsten Beiträge hier im Blog erstmal davon handeln. Heute werfe ich mal einen ausufernden Blick darauf, wie man einen existierenden Plot an- und ausziehen kann wie eine Kleiderpuppe.

Man kann einen Plot betrachten wie ein Skelett, und ebenso wie ein Skelett durch Haut, Kleidung, Charakter undwasweissichnoch erst zu einem Mensch wird, wird auch eine Plotstruktur erst durch Charaktere, Themen, und spezifische Ereignisse zu der unverwechselbaren, berührenden, authentischen Erfahrung, die wir anstreben.

Während meines Storytelling-Unterrichts gab es eine Übung, die beliebter war als jede andere: eine Plotstruktur mit Inhalt füllen. Ich nehme dafür jetzt mal einen sehr generischen Plotverlauf, sagen wir, eine Boy-meets-girl- Highschool-love Story.

Sagen wir also, ein Junge verknallt sich in ein Mädchen. Plan: er muss sie beeindrucken. Der erste Versuch scheitert (1), der zwei Versuch scheitert (2) der dritte Versuch scheitert zwar, aber durch eine zufällige Wendung wird unserem Jungen eine Heldentat zugeschrieben, die er nicht begangen hat (3). Das Mädchen seiner Träume sieht ihn nun mit anderen Augen, und die beiden nähern sich an. Bis sie dann schliesslich, in Hollywood ganz klassisch ca. eine Viertelstunde vor Ende, erfährt, dass ihr Typ gar nicht der Held ist, für den sie ihn gehalten hat. Sie verpasst ihm einen Tritt und schickt ihn in die Wüste (4).

Jetzt ist erstmal Trübsal angesagt. Doch unser Junge zieht sich an seinen eigenen Haaren wieder hoch, und als er eine Chance bekommt, sich vor den Augen seiner Angebeteten zu bewähren, nimmt er sie wahr (5). Happily every after.

Jetzt nehme ich das Gerüst dieser Story und hänge ein anderes Genre, andere Charaktere, andere Ereignisse daran, wie Unterhosen an eine Wäscheleine. Ich nehme absichtlich etwas komplett konträres. Eine Abenteuergeschichte.

Okay, London 1724. Ein Bücherwurm und Uhrmacher hat seine Geliebte an eine Krankheit verloren, die nur durch die Tinktur XY heilbar ist. Die befindet sich aber in Händen des argen Freibeuters Gromka, der grade mit seiner Crew und seinem Piratenschiff vor Anker liegt. Unser Bücherwurm versucht nun, sich in die Mannschaft und/oder auf das Schiff zu schmuggeln, doch alle seine Bemühungen scheitern. Er kriegt aufs Maul, wird beleidigt und gedemütigt und muss Frauenkleider tragen (1) (2). Als er in tiefster Verzweiflung am Boden liegt, fällt ihm das Glück in den Schoß (3): er wird irrtümlich für einen verschollenen Mannschaftsgenossen gehalten, dessen Rolle er nun spielen muss. Das kriegt er auch halbwegs hin, bis ein unglücklicher Zufall seine Fassade platzen lässt (4). In einer subtileren Variante könnte sich herausstellen, dass Gromka die ganze Zeit gewusst hat, wen er vor sich hat, und ihn für seine Zwecke instrumentalisiert hat. Auf jeden Fall steht er jetzt knietief im Ärger. Doch durch die Hilfe Verbündeter und durch den eigenen Mut kann er sich selbst aus der Patsche ziehen (5), alle retten, die gerettet werden sollen, und pfeifend mit seiner Geliebten in den Sonnenuntergang segeln.

Diese Plots sind jetzt nur Skizzen, die ich innerhalb von 10 Minuten hingeschrieben habe. In der Klasse saßen wir zu zehn, zwölf Mann, mit angespannten Zehenspitzen, und warfen uns die Ideen zu. Der eine kam mit einer interessanten Figur. Ein anderer kam mit einem interessanten Setting oder eine originellen Ziel oder Wunsch.

Die Plotwendungen kosten in meiner Erfahrung die meiste Zeit. Die ersten zwei, drei Ideen sind die naheliegendsten, Varianten oder Kopien von Stories die wir kennen, oder schlicht die einfachste und auf der Hand liegendste Lösung. Wenn wir tiefer graben, auch innerhalb der Geschichte und der Logik der Figuren, kommen wir auf neuere, originellere Ideen. Wir leben in keiner perfekten Welt; wir jonglieren eine Reihe von Verpflichtungen und Bedürfnissen, Deadlines und Termine. Manchmal nehmen wir dann einfach Idee Nummer sieben, wenn Idee Nummer 15 perfekt gewesen wäre. Hier lauert sie Gefahr, zu früh zufrieden zu sein. Ich habe es schon an anderer Stelle erwähnt, gute Autoren haben haben nicht nur gute Ideen. Sie haben hunderte von schlechten Ideen. Der Trick ist, dass sie sie verwerfen und warten, bis sie eine gute, neue, originelle Idee haben.

In meinen Klasse war das Bekleiden von Plotskeletten, wie gesagt, mit die beliebteste Übung. Genre gewählt, Protagonist gewählt, und los ging es. Innerhalb einer halben Stunde hatten wir komplette, sehr amüsante und erzählenswerte Plots.

Natürlich ist auch dieses System mit Vorsicht zu genießen, und funktioniert nicht für jede Geschichte. Aristoteles, ebenso wie Vogler oder Syd Field, gehen von einem Medium aus, dass den Zuschauern vorgeführt wird, und deswegen berücksichtigen müssen, wie man am besten mit der Aufmerksamkeitsspanne eines Zuschauers umgeht. Aber auch die Filme von Tim Burton oder Charlie Kaufman sind oft sehenswert und dynamisch, ohne sich an irgendwelchen Konzepten zu orientieren. Filme, die Stimmungen oder eine Lebensgeschichte erzählen, funktionieren wiederum auf ihre eigene Weise. Für viele, die eine längere Geschichte planen und zuviel Respekt vor der Länge der Geschichte haben, ist es aber vielleicht eine gute Empfehlung, sich einen Film zu schnappen, den sie mögen, und dessen Plotstruktur mit ihren eigenen Figuren und Ereignissen zu bevölkern. Wenn sich herauskristallisiert, dass die Geschichte ihre eigene Plotdynamik wie von selbst findet - umso besser. Es gibt Geschichten, die aufgebaut sind wie ein Klavierkonzert, ein Kreislauf oder wie ein Mah-Jongg-Spiel. Für mich selbst war es eine große Erleichterung, Plot als Abfolge von Schritten und Ereignissen zu sehen, anstatt als großes, unüberquerbares Meer.

It would be mental: Gedanken zu Erfolg und zum Erreichen von Zielen

2011-07-03T04:05:00.000-07:00

Wenn mir der Mut sinkt, gibt es einige Stellen, Bücher, Worte, von verschiedenen Musikern und Autoren, die mich bewundere, zu denen ich immer wieder zurückkehre, und die mich wieder auf die Spur bringen. Und als ich die Tage darüber nachdachte, entspann sich quasi von selbst eine Art Gesprächsfaden aus den Ideen dieser verschiedenen Personen. Es schien die natürlichste Form, diese Ideen in der Form eines Gesprächs zu präsentieren. Wenn ich irgendwas dazwischenzuquaken habe, dann tue ich das kursiv.

Ich begrüße hierzu in einer neuen virtuellen Interview-Runde Steve Vai (Gitarrist), Alan MOORE(Comicautor) und Steven Pressfield (Romanautor und Publizist).

Zu den Personen:

Steve Vai
Bevor ich kein Geld mit Comics machte, machte ich kein Geld mit Musik, und einer meiner Vorbilder war der Gitarrist Steve Vai. Und auch wenn ich heute andere Musik höre als damals, kehre ich immer mal wieder zu Vai zurück, als zu einem Menschen, der sein Leben kompromisslos, mutig und integer lebt, und seine Ziele verfolgt und erreicht. In den letzten Jahren hat er angefangen, Workshops zu geben, und er lehrt Technik weitaus weniger als die mentale Einstellung zu dem, was man tut.

Steven Pressfield
ist der Autor u.a. des Romanes "Die Legende von Bagger Vance". Sein bemerkenswertes Buch THE WAR OF ART über ein Leben in Kreativität ist ein großer Aufruf zum Mut, Konsequenz und Widerstand gegen jede Art von innerem Schweinehund. Empfohlen wurde mir (und tausenden anderen) dieses Buch von David Mack, der darüber in seiner grafischen Erzählung THE ALCHEMY berichtet.

Alan Moore
bedarf keiner Vorstellung, denke ich?

DCIK: Also erstmal herzlichen Dank in die Runde.

VAI: Hallo.

MOORE: Hallo.

PRESSFIELD: Hallo.

DCIK: Es geht heute also mal um das Formulieren und Erreichen von Zielen allgemein.

VAI: Vor allem anderen ist es wichtig, für sich selbst so klar wie möglich zu definieren, was GENAU wir erreichen wollen. Was genau der Wunsch ist, der uns antreibt. Denn egal was es ist, früher oder später wird genau das auch zum Vorschein kommen.

Dieser Punkt bringt mir sehr, sehr viel. Viele von uns haben eine recht schwammige Perspektive im Kopf, und möchten „irgendwas kreatives“ oder „irgendwas mit zeichnen“ machen. Mir hilft es sehr, mir genau vorzustellen, wie dieser Tag aussehen kann, an dem ich mein Ziel erreicht habe. Ich sehe das Bild auf meinem Schreibtisch genau vor mir. Ich sehe die Farben und die Formen. Je konkreter und klarer wir das Bild vor uns sehen, desto genauer können wir wissen, wie wir von A nach B nach Z kommen. Also stellen wir uns, so genau wir können, vor, was auf unserem Schreibtisch liegt. Für die einen ist es vielleicht eine ausgearbeitete Illustration für ein Kinderbuch. Ein großes Gemälde mit einem Fantasy-Motiv. Ein anderer beendet gerade die letzte Seite für seine Graphic Novel. Je klarer wir das Ziel sehen, desto klarer können wir den Weg dorthin sehen, und beschreiten.

Die falschen Ziele und die Demut vor dem Handwerk

Auf der vergangen Comicmesse hatte ich viele Gespräche zum Zeichenhandwerk, als Ratsuchender und als Ratgebender, und ich fand es bezeichnet, dass ich das Wort Demut aus dem Mund von Timo Würz hörte - einem der virtuosesten Zeichner der Szene.

Moore: Wenn du schreibst oder zeichnest um reich und berühmt zu werden, dann wird daraus wohl nichts werden. Und was bedeutet letztendlich Ruhm, oder Reichtum? Besonders heutzutage. Du kannst einigermaßen reich und berühmt werden, wenn du bei BIG BROTHER mitmachst. Ist das eine Leistung? Beweist das irgendwas?

PRESSFIELD: Erfolg und Reichtum kommt oder kommt nicht, aber es ist immer nur ein Nebenprodukt der Arbeit. Und es ist die Arbeit, aus der wir das Glück und die Motivation ziehen sollten.

Moore: Wenn du etwas kreatives tun möchtest, sei es zeichnen oder schreiben, dann tu es, weil du es liebst, und den Wunsch hast, besser und besser darin zu werden.

PRESSFIELD: Das ist der Punkt. Besser werden. Wir haben kein *Recht* auf Anerkennung oder Erfolg. Wir haben nur ein Recht darauf zu lernen. Es sind die Amateure, die ihr aufgeblasenes Selbstbewusstsein vor sich hertragen und das Gefühl haben, sie könnten schon alles. Tiger Woods gilt als der beste Golfspieler der Welt, und er nimmt immer noch jeden Tag Unterricht, und hört genau zu, was sein Lehrer ihm zu sagen hat.

MOORE: Schreib eine Geschichte, oder mal ein Bild, und dann schau es dir genau an, so reflektiert und objektiv wie du kannst. Es wird Stellen geben, mit denen du zufrieden bist, die du gelungen findest, und andere Stellen, an denen du denkst „da hätte ich mehr raus machen können“. Und das nächste Mal machst du mehr daraus, arbeitest feiner, subtiler, vielschichtiger. Selbst ein kleines bisschen Talent reicht aus, wenn du daran arbeitest. Irgendwann wird deine Arbeit ein Niveau erreicht haben, dass über das hinausgeht, was alle andere tun. Und es wird Menschen geben, die das bemerken.

PRESSFIELD: Und das ist eine Tatsache. Es ist eine Energie des Universums. Es sieht dein Bemühen, und wenn du lange genug dran bleibst, werden irgendwelche Kräfte in Gang kommen, die dir helfen. Möglichkeiten und Chancen werden sich ergeben.

DCIK: Es klingt wie metaphysischer Humbug, aber ich selbst, und viele andere, haben es genauso erlebt. Ich hatte nach "Tara" einen halben Burn-Out. Dann kam der ICOM-Preis, Leute lesen mein Interview im Jahrbuch, und plötzlich ergeben sich neue Möglichkeiten und Perspektiven.

Die viele, viele Arbeit.

DCIK: Als ich noch in der Schule war, hätte ich einen Satz wie „unser einziges Recht ist das Recht zu lernen“ gehasst. Und ich denke, das ist es, was viele abschreckt, eine „künstlerische“ Karriere anzustreben. Das Lernen, die Paukerei, die endlose Quälerei des Lernens. Die viele Arbeit, die damit verbunden ist.

VAI: Ich habe in meinem ganzen Leben noch keinen Tag gearbeitet.

Jede Übung, jedes Lernen kann ein Genuss sein, wenn man sich klar macht, dass jede Note, die wir da spielen, jeder Strich den wir zeichnen, ein kleiner Schritt auf dem Weg zu unserem Ziel ist.

Und auch das war für mich ein Gedanke, der erst mal durchsickern musste. Wir alles sind immer wieder versucht, irgendwelche Schritte hinzuhuschen, weil wir es nicht erwarten können, so schnell wie möglich zum nächsten Schritt überzugehen. Wir nehmen uns nicht genug Zeit für die Ausarbeitung unserer Charaktere. Für die Worte, die sie sagen. Für die Gestaltung unserer Seiten. Am Schluss haben wir eine schnelle Geschichte, die aber bei weitem nicht so gut ist, wie sie hätte sein können. Wenn ich versucht bin, irgendwas zu huschen oder eine Abkürzung zu nehmen, hilft es mir, mir bewusst zu machen dass ich ja schon genau das tue, was ich tun möchte. Weshalb also sollte ich es eilig haben?

Was hindert uns?

PRESSFIELD: Ich schreibe in meinem Buch über eine Kraft, die ich Resistance nenne. Wir alle wissen, dass nicht die Kreativität das Schwierige ist. Nicht das Schreiben selbst. Sondern sich jeden Tag hinzusetzen und seine Arbeit machen.

DCIK: Ich sitze oft morgens auf dem Bett, nach dem Aufstehen, und trinke meinen Kaffee. Um die Ecke ist mein Arbeitszimmer. Und ich spüre diese „Resistance“ fast körperlich, wie ein Magnetfeld. Irgendwas sagt mir Geh da nicht rein! Und ich verspüre den Drang, diesen Schritt immer weiter aufzuschieben. Erst noch mal Mails lesen. Noch ein Kaffee. Und irgendwann überwinde ich mich, und gehe in mein Arbeitszimmer, und alles ist plötzlich halb so schlimm.

PRESSFIELD: Genau das ist eines der Gesichter der Resistance. Man schleicht um seinem Arbeit herum wie die Katze um den heissen Brei. Aber sie hat viele Gesichter. Resistance ist auch die Vernunft, die uns sagt, dass wir mit dem Roman warten sollten, bis die Zeiten besser sind. Bis nach der Ausbildung. Bis nach dem Umzug. Bis die Kinder älter sind. Bis es dann irgendwann zu spät ist. Das perfide ist, dass die Vernunft oft gute Argumente hat.

MOORE:Als ich gerade meinen Job aufgegeben hatte, sagte mir meine Frau, dass sie schwanger sei. Mein Arbeitgeber bot mir daraufhin an, meine alte Stelle wieder anzutreten. Ich sagte mir es wäre IRRSINN, in dieser Situation einen sicheren Job aufzugeben. Und ich tat es trotzdem. Ich dachte daran, welches Signal ich damit meinem Kind geben würde. Man schaut seine Eltern an und denkt sich „bin ich das in zwanzig Jahren?“ Ich wusste, unser Kind würde nicht verhungern. Aber ich wollte ihm mehr geben als Sicherheit. Ich wollte ihm das Gefühl vermitteln, dass man ALLES erreichen kann, wenn man wirklich will. Die meisten Menschen leben in dem Bewusstsein, dass das Leben ist wie ein Raum mit einer Decke, einer Begrenzung nach oben. Ich erinnere mich daran, wie mein Vater mit mir sprach: „Ich mache 15 Pfund die Woche, aber du erreichst später mal viel mehr! Du machst dann 18 Pfund die Woche.“ Ich wollte meinen Kindern das Bewusstsein geben, dass es keine Grenzen gibt.

PRESSFIELD: Fast alle Menschen leben zwei Leben, ihr faktisches, reales Leben, und ein inneres Leben, in dem sie der Mensch sind, der sie sein wollen, und das tun, was sie tun wollen. Wir rationalisieren unsere „vernünftigen“ Entscheidungen für ein sicheres Leben, und die Industrie um uns herum bewirft uns mit Trostpreisen. Wenn wir das und das Auto haben, das und das Telefon, dann sind wir glücklicher. Aber wir sind es nie, und das Verlangen in uns wird nie aufhören, bis wir das Leben, dass wir in unserem inneren führen, Wirklichkeit werden lassen.

DCIK: Und was passiert, wenn wir den Kampf geben die Resistance verlieren?

PRESSFIELD: Erst, eine leise Unzufriedenheit. Ein Schuldgefühl. Wir sind ruhelos, unerfüllt, unglücklich. Wir hassen uns selbst. Wir wollen weglaufen oder uns verstecken. Später wird die Resistance drückender, und wir fangen vielleicht an, schlechte Eigenschaften zu entwickeln. Drogen, Faulheit, Trägheit. Und dann wird’s klinisch, pathologisch. Depression, Wutausbrüche und greifbare, körperliche Selbstzerstörung. Resistance will uns am Boden sehen. Sie will uns fertig machen, bis wir nicht mehr aufstehen.

Fokus und auf dem Weg bleiben

DCIK: Also, wie erreichen wir denn nun unser Ziel? Wie widerstehen Sie der „Resistance“, Mister Pressfield?

PRESSFIELD: Ich stehe auf, dusche, frühstücke, mache mir einen Kaffee, lese die Zeitung. Dann nehme ich meinen Kaffee und gehe in mein Büro. Es ist übersäht mit Glückbringern aller möglicher Arten. Dann spreche ich mein Gebet …

DCIK: Gebet?!

PRESSFIELD: Der Ruf an die Musen aus Homers „Odysee“. Der Text ist letztendlich nicht wichtig. Wichtig ist das Ritual. Und das man es beendet, und keine Ausrede mehr hat, sich hinzusetzen und seine Arbeit zu machen.

Und danach setze ich mich hin und lege los. Ich mache meine Arbeit. Und nach einigen Stunden, wenn sich die Tipfehler häufen, merke ich, dass meine Energie aufgebraucht ist, und speichere meine Arbeit und schliesse sie ab. Mir ist egal, ob das, was ich zustande gebracht habe „gut“ ist. Was zählt ist, dass ich, für heute, der Resistance widerstanden habe. Und während ich zusammenpacke, weiss ich, morgen wird sie wieder da sein, und ich werde ihr wieder wiederstehen müssen.

DCIK: Der Kampf hört nie auf?

PRESSFIELD: Nein. Und wenn die Schlacht geschlagen scheint, und man FAST fertig ist, ist die Resistance am gefährlichsten.

DCIK: Und es gibt nie Zweifel? Mutlosigkeit?

PRESSFIELD: Ständig.

VAI: Aber wenn das passiert, wenn man den Mut verliert, weil man nicht weiterkommt, hilft es, sich das Gesamtbild vor Augen zu führen. The Big picture. Und wenn du an eine Grenze kommst, die unüberwindbar scheint, und du denkst, dass du das, was du dir vorgenommen hast, niemals schaffen kannst, dann kehr zurück zu dieser Vision in deinem Kopf. Und in deinem Kopf kannst du hören, oder sehen, wie du es tust. Du siehst dich dieses Stück spielen, oder dieses Bild malen.

Also ist es möglich.

MOORE: Es gibt nichts, was wir nicht tun können, wenn wir uns stark genug bemühen.

DCIK: Äh, ja. Vielen Dank.

Ein paar abschliessende Gedanken zum Handwerk.

Vor einiger Zeit kam auf einer Messe ein junges Mädchen an meinen Stand und fragte mich, wie man denn am besten eine Comiczeichnerkarriere angeht. Ich empfahl ihr, zu lernen so viel sie kann, Workshops zu besuchen und Unterricht zu nehmen.

Mädchen: Das will ich nicht.

Ich: Wieso?

Mädchen: Ich hab da so meinen eigenen Stil, und ich will nicht, dass mir den jemand kaputt macht.

Sie war zwölf.

Noch eine Geschichte.

Jahrelang hatte unser Pony X Press in Erlangen seinen Stand neben einen tapferen Einzelkämpfer, der seinen Minicomic verkaufen wollte. Die Figuren in seinen Geschichten waren steif und leblos gezeichnet. Er rannte von Pontius nach Pilatus, um sich selbst zu promoten, und bekam immer wieder zu hören, seine Figuren seien steif und leblos gezeichnet. Er nahm sich jedes Mal vor, an seinem Stil zu arbeiten. Und tat es nicht. Dann kam ihm eine neue Idee für eine Geschichte, und er zeichnete sie. Die Geschichte waren okay, aber die Figuren steif und leblos gezeichnet. Das ging gefühlte sechs Jahre so. Das letzte Mal wandte er sich zu uns und meinte „ich habe jetzt in vier Tagen ein Heft verkauft. Ich gebe auf.“

Und noch eine Geschichte.

Eine Freundin von mir wollte nie etwas anderes, als Comiczeichnerin werden. Speaking of focus. Sie beendete die Schule, machte eine grafische Ausbildung, arbeitete im Trickstudio, besuchte Workshops und lernte und übte, soviel sie konnte. Sie war bereits auf dem Weg, als ich sie vor über zehn Jahren kennenlernte, und hat ihr Ziel nie aus den Augen verloren. Und jedes Jahr war besser als das zuvor.

Vor ein paar Wochen war die Releaseparty ihres Buches. Sie saß an ihrem Tisch und signierte, und vier Stunden lang riss die Schlange nicht ab.

Also, was hindert dich, dasselbe zu tun?

Erstmal n Kaffee.

Links:
Steve Vai
Ein Interview mit Alan Moore
The Art of War

Story versus Anekdote: Die große Frage dahinter.

2011-06-21T05:28:00.000-07:00

Ich erzählte schonmal davon: Comiczeichner hören immer mal wieder den Satz "da müsstest du mal einen Comic raus machen", und meistens sind die Comiczeichner, wenn sie die Story gehört haben, nicht dieser Meinung.

Vor einiger Zeit erzählte mir eine Freundin eine Begebenheit ihres Freundes, der durch Ungeschicklichkeit die Wut eines Türstehers auf sich zog. Um der Prügel zu entgehen, legte er sich einfach auf den Boden und blieb reglos liegen, bis es dem Türsteher langweilig wurde und er den Typ in Ruhe ließ.

Ich würde sowas vielleicht nicht Geschichte oder Story nennen. Eher Anekdote. Eine amüsante Begebenheit. ANEKDOT, interessanterweise, ist das russische Wort für Witz. Man lacht drüber und vergisst es.

Und irgendwie mag ich Geschichten lieber, die man nicht vergisst. Aber welche Geschichten hallen denn nun nach, und warum?

Vor einigen Wochen ärgerte ich mich. Ich fragte einen Freund, ob er mit mir in BLACK SWAN geht.

"Da geht’s um Ballett, oder? Nee, danke."

Letztendlich war ich dann alleine drin, und natürlich *GING* es nicht um Ballett. Es ging um den Preis des Ehrgeizes, des Erfolges, und besonders den Preis der Perfektion. Und Ballett war die perfekte Kulisse für dieses Thema. Der Film stellt dar, wie ein Mensch mit dem Druck umgeht, der von allein Seiten auf ihn einströmt. Und am Schluss stehen viele Fragen im Raum: Welchen Preis zahlen wir für unseren Erfolg? Für unseren Ehrgeiz? Für das Streben nach Perfektion? Und ist dieser Preis nicht zu hoch?

Der Film gibt keine Antwort auf diese Fragen, und es kann auch keine geben. Aber der Film hat einen enormen Nachhall (zumindest bei mir), und ich glaube, dieser Nachhall ist damit begründet, dass hinter der Geschichte eben eine große, fundamentale Frage steht.

Das ist das, was der Autor Hanif Kureishi meint, wenn er versucht, dem Wesen des Erzählens auf den Grund zu gehen und schreibt:

In the end there is only one subject for an artist, What is the nature of human experience? What is it to be alive, suffer and feel? What is it to love or need another person? To what extent can we know anyone else? Or ourselves? In other words, what it is to be a human being. These are questions that can never be answered satisfactorily but they have to be put again and again by each generation and by each person.

Eine große Frage, zu groß um sie zu beantworten.

Für mich trennt genau das eine "Story", von einer Anekdote, die einmal erzählt wird, unterhält und sich danach verweht wie ein Konfettiregen. Es gibt viele gute und unterhaltsame Filme, die interessante und überraschende Plots haben. Die Geschichte über erfindungsreiche Trickbetrüger wie Catch me if you can oder der wirklich amüsante I love you, Phillip Morris fallen mir ein. Man ist überrascht, amüsiert und unterhalten, und danach geht man seiner Wege. Daran ist nichts verkehrt. Aber wenn eine Geschichte mir etwas über das Leben erzählt, und mich dabei zwangsläufig auf mich selbst zurückwirft, bewirkt es etwas in mir, und macht mich aufmerksamer für mein Leben und die Menschen um mich herum.

■ 100 Bullets: Wie weit würde ich gehen?

■ Watchmen: Welche Mittel rechtfertigen welchen Preis ?

■ Box Office Poison: Ist mein Leben, und das Unglück darin, nicht meine eigene Schuld, und Verantwortung?

Es gibt hunderte Bücher über Plot und Konstruktion von Geschichten, und viele Autoren argumentieren, es seien eh schon alle Geschichten erzählt worden, und kommen mit Klischeeversatzstücken um die Ecke, weil das ja angeblich "gut verkauft". Aber ich glaube, erst wenn alle Fragen des Lebens beantwortet sind, sind alle Geschichten erzählt.

Und das wird nie passieren.

Famous last words: Dialog

2011-06-19T13:35:00.001-07:00

Man findet mich heute in einem Zustand extatischer, hysterischer Anspannung vor. Mein neuer Comic ist da, und in wenigen Tagen ist das nette Comicfest in München.

Ich beende die Themenrunde "Dialog" mit ein paar abschließenden Worten.

Ich höre häufig, dass sich Leute darüber beschweren, ihre Dialoge gerieten immer saftlos und unoriginell. Ich glaube, der erste Schritt zu einem erfreulichen Dialog passiert bereits, bevor man das erste Wort geschrieben hat, nämlich mit den Charakteren und in ihrer Beziehung zueinander. Wenn wir zwei Charaktere reden lassen, die einen ausgeprägten Charakter mit ins Gespräch bringen, ihre eigenen Neurosen, seelischen Ballast, ihren inneren emotionalen Sprengstoff, dann wird definitiv auch der Dialog lebhaft sein. Stellt euch vor, irgendetwas muss dringend passieren, und unser Held gerät an einen sehr langsamen und / oder gewissenhaften Charakter, dessen penible Ruhe ihn zum Wahnsinn treibt.

Vielleicht kennen wir alle das Phänomen, dass uns Serien besser vorkommen, je länger wir drin sind. Das kommt vor allem daher, dass wir die Figuren besser kennen, ihre Vorgeschichte und ihre Beziehung zueinander, und je vertrauter wir mit den Figuren sind, desto mehr Subtext schwingt für uns in ihren Gesprächen mit. Und es ist gerade das unausgesprochene, dass uns berührt, weil es uns nicht durchs Gehirn erreicht, sondern durch den Bauch. Wenn wir wissen dass, keine Ahnung, Nathan in Tammy verliebt ist, wissen wir, was er durchmacht, wenn sein bester Freund damit rumprahlt, wie sie im Bett ist. Je menschlicher und tiefgründiger die Figuren gestaltet sind, desto menschlicher und fühlbarer wird auch der Dialog. Nach meiner Erfahrung hängen 99 % aller Storyprobleme an farblosen oder undefinierten Figuren / Charakteren.

Wenn wir jetzt auch noch aus den Figuren heraus schreiben, und nicht aus dem Bedürfnis heraus, für unsere schöne Sprache bewundert zu werden, sindwa inhaltlich schon mal in trockenen Tüchern.

Jetzt haben wir also den tollen Dialog in Scriptform. Der nächste Schritt wäre, ihn dynamisch zu takten. Wichtigere Sätze bekommen mehr Raum.

Wie stehen die Personen zueinander? Wie können wir ihr Verhältnis über ihre Positionen und ihre Körpersprache unterstreichen?

Vielleicht können wir den Dialog in eine Handlung einbetten, die dem Gespräch eine zusätzliche Schicht verleiht.

Im ersten Dialog der Folge DIE UNSICHTBARE FRAU von Six Feet under, Staffel zwei erzählt Brenda ihrem Freund Nate, dass sie ein Buch schreiben möchte. Er ist erstmal verduzt, weil sie vor einer Woche noch eine Galerie eröffnen wollte. Und während sie über Brendas Pläne sprechen, diskutieren sie gleichzeitig unterschwellig ihre Beziehung, und die Inszenierung nimmt das Motiv auf: Brenda, die gerade ihr Frühstück zubereitet, ist ständig in Bewegung; Nathan steht ruhig und passiv da. Ab und zu muss Brenda ihn wegschieben, weil sie an irgendeinen Schrank muss, und die unterschwellige Botschaft ist du steht mir im Weg. Ich will Veränderung, du bist der Stillstand. Am Schluss setzt sich Brenda auf die Anrichte, Nate steht ihr gegenüber. Er sagt, dass er hofft, auch in dem Buch vorzukommen. Sie antwortet vielleicht … wenn du irgendwann mal was interessantes machst. Nate senkt den Kopf. Das Gespräch war ein Zweikampf, und er gibt sich geschlagen.

Es können auch kleine Gesten sein, die den Charakter weiter erläutern. Der Film DIE MUTTER handelt von einem unscheinbaren kleinen Muttchen in ihren Sechzigern, die eine Affäre mit dem Geliebten ihrer Tochter (Daniel Craig) anfängt. Nachdem sie im Bett waren, nimmt Daniel Craig eine Pille aus einer Dose und schluckt sie. Die Mutter fragt, was er da nimmt. Er weiss es nicht, er hat es im Schrank seiner Freundin gefunden und nimmt es einfach. Und genauso geht er in seinem Leben mit Menschen um.

Ein nächster Gedanke wäre, ob man einen Ort wählen kann, der dem Gespräch zusätzliche Energie verleiht. Wenn sich ein Liebespaar zum letzten Mal trifft, weil sie sich trennen müssen, ist nach der Trennung das naheliegendste, dass es, wie immer, anfängt zu regnen, wenn jemand trauert. Aber was für eine Atmosphäre entstünde, wenn das Gespräch auf einer Party stattfindet, und unser verlassener Held steht mit seiner Trauer mitten in eiem rauschenden Gelächter? Oder, ganz bitter, auf dem Rummelplatz, umgeben von hysterischer Humpa-Musik und Clownsfratzen?

Wenn man jetzt so cool ist und die Kunst der Perspektive beherrscht, kann man sich noch ruhig zurücklehnen und überlegen, welcher Blickwinkel für welches Panel am geschicktesten wäre.

(BTW, ich habe gestern endlich mal SLUMDOG MILLIONAIRE gesehen, und ich habe noch nie einen Film gesehen, der aus jedem Augenblick den schönsten und atmosphärischsten Blickwinkel herausholt. Ich meine, der Kameramann hätte sogar einen Oskar für seine Arbeit bekommen.)

Perspektive, genau. Ich musste noch kürzlich dran, denken, als ich einen traumhaften Dialog in SCALPED las, der in jeder Beziehung alle Register zieht

Ein verottetes Indianerreservat in den USA. Der Chief des Reservates, das alte, autoritäre Alphatier RED CROW, hat ein Casino gebaut, um dem Reservat eine Einnahmequelle zu bescheren. Dafür hat er sich einige Millonen von JOHNNY TONGUE geliehen, Anführer einer asiatischen Drogengang aus der großen Stadt. Die Gang, Hmongs aus Laos, sind extrem gewalttätige und brutale Soziopathen. Um sicherzustellen, dass das Casino gut geführt wird, schickt Johnny Tongue ein paar seine Leute unter der Leitung des alten BRASS zu Red Crow. Sie nisten sich bei ihm ein und bringen wahllos Leute um. Irgendwann reicht es Red Crow, er erschießt zwei der Hmongs und steckt ihren Anführer, Brass, in den Knast.

Er ruft Johnny Tongue an. Johnny Tongue ist die Sorte, die sofort maßlos ausrastet, wenn sie ihren Willen nicht kriegt. Er wirft einen Tisch voll Kokain um und kräht in den Hörer, dass er Red Crow gerne mal die Freuden des Analverkehrs nahe bringen würde, wünschenswerterweise vor den Augen seiner, Red Crows, Mutter.

Johnny: I’m gonna fuck you in front of your mother! She dead yet? I hope the fuck not, cause I want that BITCH to see this shit.

Red Crow: My mother’s dead.

Johnny: PISS on that fucking whore then! Put Brass on the phone! Right fucking now!

Red Crow geht zurück in die Zelle. Während er den Weg zurückgeht, zeigt die Kamera ihn konstant von oben. Die Perspektive der Niederlage. Offensichtlich hat sich Red Crow doch der schieren Gewalt von Johnny Tongue gebeugt.

Er kommt in der Zelle an und reicht Brass den Hörer. Dann schiesst er ihm in den Schädel. Und dabei sehen wir ihn von unten.

Johnny Tongue: What the fuck happened?! What was that?

Red Crow nimmt den Hörer auf: „Er kann dich nicht hören.“ – „Du dummer Hurensohn!!! Wehe, er ist tot!!“

„Er ist nicht tot.“

POW KPUM POWOM

„JETZT ist er tot.“

Red Crow beendet das Gespräch mit wüsten Drohungen und Beschimpfungen in Richtung Johnny Tongue und geht seiner Wege.

Ach genau, eine schöne dramaturgische Wendung ist auch immer eine nette Sache. Einer meiner Lieblingssätze von Robert McKee ist „Erfülle die Erwartungen deines Publikum, aber auf unerwartete Weise.“

Das nächste Mal berichte ich vom Comicfest in München. Ich und meine geliebten Kollegen AE und Sarah Burrini werden am Stand 39 neben Zwerchfell verkaufen, plaudern und signieren.

Be good!

Die geneigte Person: Ein Schlaglicht auf Körpersprache

2011-06-12T12:00:00.001-07:00

In eigener Sache: Ich schreibe dies in einem Zustand gesteigerter Hysterie; Ein Comic liegt hinter mir, und zwar das wohl hin-ge-drosch-endste Machwerk der Comicgeschichte, deren Seite so voller Flecken und Verwischungen sind (Linkshänder halt), dass es dem Drucker TRÄNEN in die Augen treiben wird. Dafür kommt dann zum Comicfest München, so Gott will, ULFUR GORDUNG raus, erhältlich an dem Stand von PONY X PRESS, den ich zusammen mit meinen lieben Freunden und Kollegen Sarah Burrini und Andreas „AE“ Eikenroth betreue.

VOR mir liegt auch ein Comic, und zwar eine Auftragsarbeit. Für GELD. Aufwendig. Mit Uniformen und Helikoptern. Noch zehn Tage zur Deadline. Daher kann ich diese Woche das schöne Thema KÖRPERSPRACHE leider nicht so ausführlich behandeln, wie ich das gerne täte. Und keine Bilder zur Illustration. Hole ich bei Gelegenheit nach.

Also, Körpersprache. Zunächst einmal muss ich sagen, dass für mein Empfinden im Comic Körpersprache oft übertrieben wird, ähnlich wie in Animationsfilmen. Jede Aussage wird mit rudernden Armen begleitet, noch in der alten Tradition verhaftet, dass eine visuellen Erzählung auch ohne Text verständlich sein muss, weil die Leser sie sonst nicht kapieren. Schliesslich lesen ja nur Kinder Comics. Viele Comiczeichner besonders der frankobelgischen Tradition „überanimieren“ für mein Gefühl immer noch sehr stark, und dadurch wirkt es auf mich, nun ja, etwas kindlich und anachronistisch und unrealistisch; Wenn eine Figur nicht damit einverstanden ist, was jemand anderes über sie sagt, ruft sie „Das stimmt doch gar nicht!“ , hebt den Kopf, zieht die Augenbrauen hoch, verzieht Nase (hoch) und Mundwinkel (runter), verschränkt die Arme und dreht ihren Körper weg. Im „wahren Leben“ würde eine Person vielleicht eine Augenbraue senken, und gut wär.

Wie dem auch sei, Körpersprache ist trotzdem ein wunderbares Mittel, eine Persönlichkeit, eine Beziehung oder eine Haltung ohne Worte und zwischen den Zeilen zu zeigen. Es gibt hunderte von Büchern und anderen Resourcen, die sich mit dem Thema auseinandersetzen, von daher werde ich gar nicht erst versuchen, einen kompletten Rundumschlag dieses Themas zu liefern. Aber ich kann hoffentlich ein paar Hinweise geben, wie man einem Dialog oder einer Szene mit ein paar (mehr oder weniger) subtilen Positionen oder Gesten noch zusätzlich Energie verleihen kann.

Betrachten kann man dabei, vom ganzen ins Detail, von oben nach unten:

Die generelle Positur einer Person
Die Stellung einer Person zu ihrem Gesprächspartner
Die Stellung ihres Kopfes und
die Arme, ihre Position oder Gesten

Die Körpersprache von Macht

„Macht“ macht sich vor allem erstmal breit. Ein Mensch, der Macht demonstrieren will, nimmt soviel Raum in Anspruch,wie er kann. Er steht aufrecht und breitbeinig, mit vorgestreckter Brust und erhobenem Kinn. Vielleicht macht er sich noch breiter, indem er die Arme in die Hüften stemmt (in Konkurrenz/Konfrontationssituationen), oder verschränkt die Arme, um seine Unumstößlichkeit und Uneinnehmbarkeit zu demonstrieren. Ebenso steht eine "Machtperson" beharrlich in einer Position, während ein unsicherer Sprecher, der sich seines Standpunktes nicht sicher ist, Standbein und Position immer wieder wechselt.

Wenn Machtmenschen sitzen, breiten sie die Arme aus („alles meins“) und spreizen die Beine („guck mal, was für einen enormen SCHLONG ich habe“).

Besonders bemerkenswert, und unangenehm, im Umgang mit „Macht“personen, ist die Tatsache, dass sie sich auch herausnehmen, über den Raum ihrer Gesprächspartner verfügen. Das kann buchstäblich passieren – eine Person betritt den Raum und nimmt ihn „ein“, wie Stringer Bell in dem bereits zitierten Video über Geschlechterkampf, oder im Bezug auf ein Eindringen in unseren „personal space“. Jede Person hat und braucht einen sogenannnten „Wohlfühlabstand“ von ca. einer Armlänge. Sobald dieser Abstand von einer fremdem Person überschritten wird, fühlt man sich etwas bedrängt und unwohl, wie in dieser Episode von SEINFELD über einen „closer talker“. Eine Machtperson bestimmt ganz selbstverständlich über den Raum einer anderen Person. Wenn wir eine Hahnenkampf-Situation haben, in der zwei Männer konkurrieren oder vor einem Kampf stehen, dringen beide in den personal space des anderen ein. Hierbei wird das Kinn gerne an den Hals gedrückt und die Stirn vorgereckt, wie ein Widder oder ein Stier, der seine Hörner zeigt.

Im Gegensatz dazu wird eine ängstliche oder unterwürfige Person eine zusammegekauerte, geduckte Haltung einnehmen, vielleicht die zugeklammerten Hände vor die Brust nehmen und die Beine zusammenklemmen, wie ein Kind, das ausgeschimpft wird.

Die Körpersprache der Sexualität

Während Personen bei Machtspielereien und Konkurrenzkämpfen einander gegenüberstehen wie in einem Duell, kommt alles was mit Sinnlichkeit zu tun hat, eher von der Seite, um nicht bedrohlich zu wirken. Männer verfallen in Imponiergebärden, ziehen ihren Bauch ein und demonstrieren Kraft und Viriltät.

Frauen schauen gerne über die Schulter oder vollziehen sogenannte autoerotische Gesten – sie streichen sich durchs Haar oder über den Nacken oder legen die Hand auf die Hüfte. Sehr, sehr viele Modelposen arbeiten mit flirtender Körpersprache, verspielten Gesten, entblößtem Nacken und geheimnisvoll wirken(sollen)dem Blick. Wenn die Frau geneigt ist, ist es auch ihr Kopf. Die Standardcomicpositur bei einer sinnlichen Situation ist der Blick von unten nach oben oder über die Schulter, während die Hand durch die Haare streift.

Die Körpersprache der Lügen und Geheimnisse

Die Comics meiner Jugend operierten mit sehr stumpfem Besteck: wenn jemand log, hatte er einen panischen, abgewandten Blick und SCHWEISSPERLEN auf der Stirn. Inzwischen sind die Mittel etwas subtiler geworden, und es ist die Frage, ob man den Leser wissen lassen will, dass jemand lügt. Dann kann man auf das Standardrepertoire zurückgreifen – unsicherer, abgewandter Blick, verkrampfte Körperhaltung, stotternde, unsichere Sprache. Das Gesagte selber kann ein weitaus subtilerer Indikator für Lügen sein: indirekte Antworten, überbetonte Versicherungen, dass es „wirklich so war“ et al. Was die Körpersprache betrifft, ist man inzwischen zu der Erkenntnis gelangt, dass eine lügende Person überraschend oft mit der Hand im Gesicht rumfuchtelt. Scheinbar steckt dahinter der Wunsch, den Mund zu verbergen, aber stattdessen wandert die Hand zur Nase oder zum Kinn. Die Körpersprache Clintons im Lewinsky-Prozess war ein Fest für Analytiker dieses Gebietes.

Übrigens: Die Standardgeste für Lügen bei TV-Krimis ist das Berühren des Ohres.

Eine geschickte Inszenierung der Lüge finden wir mal wieder in den WATCHMEN, als Rorschach Ozymandias von seiner Theorie erzählt, jemand sei gezielt hinter den Mitgliedern der Watchmen her. Ozimandias erwidert, der Mörder könne auch einfach nur hinter Rorschach hergewesen sein, denn der Mann habe ja nun Feinde genug gehabt. Während der ganzen Szene wirkt Ozymandias Körpersprache, als denke er über die Theorie Rorschachs nach, er schaut gedankenvoll aus dem Fenster und auch er hat die Hand immer wieder im Gesicht, als überlege er .

Wenn wir später, nachdem wir wissen [SPOILER], dass Ozymandias selber der Mörder war, zu der Szene zurückkehren, sehen wir sie mit anderen Augen: Ozimandias vermeidet Rorschachs Blick, weil er etwas zu verbergen hat, und seine Gesten sind vielleicht doch eher Ersatzhandlungen eines Lügenden.

Das isses erstmal für heute. Ich danke mal zwischendurch allen, die den Blog lesen, nächste Woche gibt es ein kleines Interludium, bevor ich mit einigen Dialogbeispielen das Thema vorläufig abschliesse. Danach geht’s erstmal wieder um Plot.

BY THE WAY, ich war ja hier immer dran, wie es im Moment kein besseres Storytelling gäbe als in guten TV-Serien, was auch nicht weiter verwunderlich ist, wenn sechs Leute allein mit dem Schreiben und Editieren eines Dialoges beschäftigt sind, aber eine Serie, die ich entdeckt habe, brummt tatsächlich auf Augenhöhe mit einer TV-Produktion: die Vertigo-Serie SCALPED von Jason Aaron, deren siebter Sammelband vor einiger Zeit erschienen ist. Ich glaube, dass sich Aaron viel von HBO et al abgeschaut hat, unter anderem das Prinzip „Präsentiere ein Arschloch als Held, und dann führe Charaktere ein, die den Held wie ein Unschuldslamm erscheinen lassen“, aber Storytelling, Inszenierung, Dialoge, Charaktere, alles bewegt sich auf einem sehr, sehr hohen Niveau. Es ist, als spiele THE SHIELD in einem verkommenden Indianerreservat. Die erste Ausgabe kann komplett online gelesen werden.

Be good, viele Grüße, Spong

Sei nicht so von oben herab: Ein Schlaglicht auf Perspektive im Dialog und allgemein

2011-06-05T06:47:00.000-07:00

Hallo und guten Tag, ich begrüße euch zu einer neuen Folge von DER COMIC IM KOPF, und bei mir im Studio ist heute mein geschätzter Zeichenkollege Leonardo da Vinci. Hallo Leonardo.

Leonardo: Ja Tach.

DCIK: Leonardo, was wäre deiner Meinung nach das erste, was Zeichner lernen sollten?

Leonardo: Perspektive.

DCIK: Ach Kacke. Wieso das denn.

Leonardo: Ich weiss, die meisten schieben Perspektive vor sich her wie einen lästigen Arzttermin ….

DCIK: ...weil Gesichter und Figurenzeichnen soviel interessanter ist …

Leonardo: …. aber nur wenn du Perspektive draufhast, kannst du Personen aus jedem beliebigen Winkel zeichnen. Und das erweitert deinen erzählerischen Horizont beträchtlich.

Mal gucken, was Perspektive im Erzählen für uns tun kann ...

Himmelhoch jauchzend, am Boden zerstört: Perpektiven und ihre Subtexte

Die Perspektive von Macht und Stärke: die Untersicht (Low angle)

Ein typisches Superheldencover, wie dieses hier arbeitet mit Vorliebe mit der Perspektive, die UNTERSICHT genannt wird. Wir nehmen den Blickwinkel von unten ein, als wären wir ein geschlagener Gegner, der vor den Helden auf dem Boden liegt. Die Untersicht lässt Objekte stärker, größer, mächtiger wirken. Den Effekt kann man subtil einsetzen oder überzeichnet, wie es häufig passiert, wenn zB jemand eine Wache auf eine andere Person richtet.

Bild: Der Gunpoint wird sehr gerne von oben eingenommen, damit wir mehr Schiss kriegen.

Die Perspektive der Niederlage: Aufsicht (High angle)

Im Gegensatz dazu lässt ein erhöhter Blickwinkel die betrachtete Person kleiner und schwächer erscheinen. Die nachfolgenden Bilder haben alle denselben Satz, aber verschiedene Subtexte (draufklicken für eine vergößterte Ansicht):

Schiefgelaufen: Die Schrägsicht (dutch angle oder Batman angle)

Die Schrägperspektive, oder Dutch angle, raubt dem Bild den Horizont, und wird mit Vorliebe für, naja, schräge Gestalten oder Situationen verwendet. Wenn du morgens in die Küche kommst, um die einen Kaffee zu machen, und am Küchentisch sitzt ein riesiges Insekt, wäre das der pefekte Moment für eine Schrägsicht. Dieser Blickwinkel erweckt den Eindruck, als als bekäme der Betrachter etwas wackelige Knie beim Anblick des Gezeigten. Es hat einen Beigeschmack von Verwirrung, Instabilität, Bedrohung und Andersartigkeit.

Bild eins: WIR HABEN SCHON AUF SIE GEWARTET. Ich weiss nicht, wie es euch geht, aber für mich hat diese Perspektive etwas sehr bedrohliches und kafkaeskes.

Natürlich war es auch keine gute Idee, BESOFFEN zum Bewerbungsgespräch zu erscheinen.

Bild zwei: Hier läuft doch was schief. Die schräggestellte Erde hinter der guten Frau suggeriert, dass sie etwas überraschendes, unerwartetes erfährt.

Bild drei ist einfach nur ein Beispiel, wie diese Perspektive das Gefühl der Instabilität und Verwirrung unterstützen kann.

Ganz nebenbei: die entstehenden Diagonalen erzeugen ein starkes Gefühl der Bewegung.

Im Design gelten horizontale und vertikale Linien als ruhig, seriös und konservativ, jede Art von Bewegung, Unruhe und Dynamik wird durch diagonale Linien erzeugt. Die Diagonale spielt eine wichtige Rolle bei der Darstellung von Action und Bewegung, und wird uns dort nochmal begegnen.

Wie steh ich denn jetzt da? Stellung, Blickwinkel und Perspektiven bei Dialogen

2011-05-29T05:27:00.000-07:00

Heute geht’s ein bisschen über Cinematograhie, oder weniger großspurig gesagt die Inszenierung einer Szene allgemein und eines Dialoges im Besonderen. Ein Moment kann unterschwellig und unausgesprochen viel kommunizieren, allein dadurch, wie Personen zueinander stehen und aus welchem Blickwinkel sie betrachtet werden.

Von nah und fern: Kameraterminologie und die Anwendungsgebiete und Subtexte der Einstellungen

Bevor wir dazu kommen, noch ein bisschen Diskurs über „Kamera“-Einstellungen aus dem Blickwinkel Weit versus Nah, und wann diese Einstellungen angewandt werden. Eine schöne Zusammenfassung liefert der Wikipediaartikel zu den Einstellungsgrößen.

Supertotale / Totale / Halbtotale:

Hier sehen wir Städte, Gebäude, Straßenszenen. Alles ,was „total“ ist, wird eingesetzt, wenn der Ort hervorgehoben werden soll oder wenn Godzilla ins Bild kommt.

Besonderer Fall: Der Establishing shot

Der Establishing Shot verdient eine besondere Erwähnung. Während ich das hier schreibe, sitzen hunderte von angehenden Autoren vor ihren Rechnern, öffnen ein neues Word-Dokument und schreiben

Szene eins. Establishing Shot. Ein Restaurant am frühen Abend.

… und während sie ESTABLISHING SHOT schreiben, läuft ihnen ein Schauer über den Rücken, weil sie sich ausdrücken können wie die PROFIS. Also das Wort unbedingt merken, wenn man auf DICKE HOSE machen will. Ich persönlich bevorzuge ORTSBEFINDUNGSVERDEUTLICHUNGSBILD, aber ich bin da auch der einzige.

Der Establishing Shot befindet sich häufig links oben auf einer Comicseite und verdeutlicht (was sehr wichtig ist) wo in GOTTES NAMEN wir uns eigentlich befinden. Der Klassiker ist zB die Totale eines Restaurants, um zu klären wo man ist, und danach sieht man zwei Leute an einem Tisch, und der Hintergrund braucht sich ab jetzt nur noch auf ein Minimum zu beschränken, weil der Standort ja geklärt wurde. Auch bei Serien ist das erste Bild einer neuen Szene oft die Totale eines Gebäudes, Raumschiffes oder was auch immer.

BTW: Man kann die Leser ein bisschen baumeln lassen, indem man den Effekt umkehrt, und zunächst nur Details zeigt, erst vielleicht eine Hand mit einem Glas, dann die Person, die es hält, dann zwei Sprecher, während der Leser sich fragt, wo wir uns eigentlich befinden. Bis wir ihm diese Information schliesslich liefern.

Halbnahe Einstellungen:

Hier geht’s um die Figuren, zum Beispiel im Gespräch, wenn neben Mimik die Gestik, die Position und die Körpersprache eines Sprechers wichtig sind.

Nahe Einstellungen (Close-ups)

Je wichtiger die Mimik einer Person wird, desto näher gehen wir heran, und generell kann man sagen, näher bedeutet fast immer auch eine Steigerung der Intensität. Extreme Close-Ups auf zB nur die Augen oder nur den Mund (seltener: nur die Nase) werden eingesetzt, um besonders intensive Sätze zu unterstreichen. Wenn wir so was sehen:

....denken wir unwillkürlich, dass der Typ etwas ganz anderes, wichtigeres vorhat, als einfach Zigaretten zu holen.

Wie steh ich denn jetzt da: Die Stellung der Sprecher zueinander

1. Die Sprecher sind einander zugewandt

Das ist wohl die häufigste Position, die Menschen einnehmen, wenn sie mit einander reden. Sie schauen sich in die Augen und tauschen sich aus. Diese neutrale Sprechposition wird gerne mit dem sogenannten „Schulterschuss“ inszeniert: Man sieht von der einen Person den Hinterkopf, von der anderen das Gesicht und schwenkt wieder zurück.

Adrian Tomine ist einer der Autoren, die sich sehr viel mit Cinematographie befasst haben, und setzt den Schulterschuss oft ein. Generell sind viele Dialog von Adrian Tomine Lehrstücke in Inszenierung. Diese Seite zum Beispiel: Wer will die Kommunikation, wer verweigert sie?

Subtext: Konkurrenz

Nur ein, zwei geschickte Zutaten, und wir haben eine schöne Konkurrenz / Duell-Situation. Das kann durch Perspektive geschehen, wenn eine Figur auf die andere „herabschaut“, oder durch Körpersprache, zB durch verschränkte oder in die Hüften gestütze Arme oder das Eindringen in den personal Space des anderen. Besonders häufig wird die Duell /Konkurrenzsituation im Comic inszeniert, indem wir abwechselnd das das eine Gesicht sehen, dann das andere, dann wieder das eine.

2. Die Sprecher stehen Schulter an Schulter

Schulter an Schulter hat zuallermeist einen gelassenen Charakter. Es kommuniziert, dass sich die beiden Sprecher so gut kennen, dass sie einander nicht anzuschauen brauchen, um zu kommunizieren. Wenn sie beide in die selbe Richtung schauen, „sehen sie die Sache gleich“.

Subtext: Scheideweg

Man kann sich ein Paar vorstellen, die im Bett sitzen und einen Rückschlag in ihrer Beziehung zu verdauen haben. Beide sitzen Schulter an Schulter, sehen in dieselbe Richtung.

Sie: Ich will nicht, dass wir uns trennen.

Er. Ich auch nicht.

Je weiter die Blicke auseinandergehen, desto weiter entfernen sich auch die Sichtweisen der Sprecher.

In CHASING AMY erwischt Banky seinen engen Freund Holden mit Alyssa im Bett, einer – vormals- lesbischen – Freundin Holdens, die er immer als Gefahr gesehen hat. Er geht raus und setzt sich auf die Treppe vor der Tür. Holden folgt ihm kurze Zeit später. Während die beiden sich unterhalten, schauen sie zumeist in verschiedene Richtungen. Es wird klar, dass sie jetzt, zumindest privat, getrennte Wege gehen werden.

Vermaledeiterweise ist das einzige Bild, das das Internet davon hergibt genau der Moment, wo sie einander zugewandt sind. But you het the idea.

3. Beide Sprecher sind abgewandt

Wenn beide wegschauen, gibt es zumindest kein Machtgefälle. Es kann eine gelassene, souveräne Situation ebenso wiedergeben wie eine Distanz, die aber von beiden gewollt ist. Auch hier ist die Körpersprache sehr wichtig.

4. Ein Sprecher ist abgewandt: Subtext Macht und Abhängigkeit

Ungleiche Machtverhältnisse und damit Spannung signaliseren Stellungen, in denen ein Sprecher die Kommunikation, den Augenkontakt sucht, den der andere Sprecher verweigert.

Wenn die beiden hintereinanderstehen, fühlen wir mehr mit der Person, die uns näher steht und oder uns anschaut. Es hat die starke Konnotation, dass er einen (neuen) Weg einschlägt, auf dem ihm der zurückbleibende Sprecher nicht folgen kann oder soll.

Vergleicht mal diese beiden Panels. Mit wem identifizieren wir uns jeweils? Verlassen wir, oder werden wir verlassen?

Spezialfall: Der rechter Winkel

Wenn beide Sprecher in einem rechten Winkel zu zueinander stehen, sind die Machtverhältnisse ambivalenter: Der Kontaktsuchende kann der Bittende sein, der in einer schwächeren Position ist und dem der Blickkontakt verweigert wird, um zu demonstrieren, wer hier dominiert. Oder verweigert die andere Person den Blickkontakt, weil sie einer Wahrheit nicht ins Gesicht sehen will und etwas zu verbergen hat?

Hier ein Dialog aus BATTLESTAR GALACTICA, an den ich öfter denke. Neben der Inszenierung ist für mich das Beeindruckende, wie der Dialog mit Rollen spielt, hinter denen sich die Figuren veschanzen.

Die Vorgeschichte: Commander Adama hatte zwei Söhne. Er selbst ist Soldat mit Leib und Seele, und wünschte sich auch für seine Söhne einen militärische Karriere. Sein Sohn Lee war dafür geeignet und ist ein profilierter Pilot. Sein Sohn Zach war für etwas anderes geschaffen; er hat die Laufbahn eingeschlagen, um vor seinem Vater zu bestehen, und ist bei einem Flugmanöver gestorben. Zum Augenblick der Szene ist die Beerdigung bereits zwei Jahre her, und Vater und Sohn sprechen zum erstem Mal wieder miteinander. Es gab eine Ansprache, bei der beide anwesend sein mussten.

Die Veranstaltung ist vorbei, Lee wendet sich zum gehen.

Achtung, wichtiges Wort: Der Establishing shot.

Adama wird seinem Sohn während des ganzen Gespräches nie in die Augen schauen. Er bleibt immer abgewandt Die Kamera wechselt zwischen dem abgewandten Gesicht Commander Adamas und dem Gesicht Lees, das im Verlauf des Gesprächs sehr, SEHR emotional wird.

Commander Adama: Willst du … n Kaffee?

Der Commander bietet Kaffee an, giesst er sich etwas eindeutig prozentigeres ins Glas. Er kann die Situation nur mit Alkohol durchstehen.

Lee: Nein, Sir. Danke, Sir.

Lee verharrt in seiner Rolle als Untergebener. Er will ausdrücklich auf dieser Ebene bleiben.

Commander Adama: Gratuliere zur Beförderung [zum Captain]. Tut mir leid, dass ich nicht dabei sein konnte.

Lee: Danke Sir.

Er wendet sich zum Gehen.

Commander Adama: Wie geht’s deiner Mutter?

Lee: Sie heiratet wieder.

Commander Adama: Gut für sie.

Wir haben vor einem Jahr noch mal gesprochen. So richtig von Mensch zu Mensch. Das war gut.

Lee: Freut mich zu hören, Sir. Wäre das dann alles?

Commander Adam: Warum sprichst du nicht mit mir, Lee?

Lee: spöttisch Wo-worüber willst du denn sprechen?

Commander Adama: Irgendwas. Du bist schon über ne Stunde hier.

Lee: Nun, es gibt da nichts was ich zu sagen hätte. Mein Befehl lautete, mich hier zu melden und der Zeremonie beizuwohnen. Also bin ich hier, und nehme an der Zeremonie teil. Meine Befehle sagten nichts über ein Mensch-zu-Mensch-Gespräch mit meinem alten Herrn.

Nachdem seine subtilen Andeutungen ignoriert wurden, macht Lee nochmal ausdrücklich klar, dass er kein persönliches Gespräch mit seinem Vater will.

Commander Adama: Im Militärdienst geschehen nun mal Unfälle.

Distanziert, und sachlich gesprochen, wie aus einem Gesetzbuch zitiert.

Lee: Dad, hör zu, ich …

Commander Adama: All die Sachen dir du mir auf der Beerdigung an den Kopf geschmissen hast ….

Lee: Dad, ich will das hier nicht.

Commander Adama: … all die Worte schallen immer noch in meinem Kopf, nach zwei Jahren.

Lee: Gut! Gut! Denn weißt du was? Das sollten sie auch!

Commander Adama: Zak hatte eine Wahl. Genau wie du.

Lee: „Ein Mann ist kein Mann, bis er das Abzeichen eines Viper-Piloten trägt“. Kommt dir das irgendwie bekannt vor?

Commander Adama: Das ist nicht fair, Sohn.

Lee: Nein, FAIR ist das nicht. Denn EINER von uns war nicht für die Uniform geschaffen.

Commander Adama: Er hat sich sein Abzeichen verdient. Wie wir alle.

Lee: EINER VON UNS war nicht zum Piloten geschaffen! EINER VON UNS hätte noch nicht mal die AUFNAHMEPRÜFUNG zur Flugschule geschafft, wenn sein alter Herr, sein VATER, nicht ein paar Kontakte hätte spielen lassen.

Commander Adama: Das ist übertrieben. Ich habe nichts für ihn getan, was ich nicht für jeden anderen auch getan hätte.

Lee: Hörst du mir überhaupt zu? Du willst es nicht verstehen, oder? Wann dringt das endlich mal zu dir durch: Zak hatte in diesen Flieger nichts VERLOREN! Er hätte da nicht sein dürfen! Er tat es nur für dich!

Das mach dir klar. Du hast ihn getötet.

Auch wenn Lee spricht, zeigt die Kamera auf Commander Adama, der diese schwerwiegende Anschuldigung annehmen muss. Und wir wollen sehen, wie er sie aufnimmt. Aber er kann dieser Tatsache nicht ins Gesicht sehen. Genausowenig wie seinem Sohn. Deswegen bleibt er abgewandt. He can't face it.

Der Commander holt Luft, seine Miene verhärtet sich, und er rettet sich zurück in die Rolle des Vorgesetzten.

Commander Adama: Das wäre dann alles, Captain.

Das wäre dann alles. Für diese Woche. Be good, und macht euch glückliche Zeiten. Es ist Sommer.

Sag bloß: Das Takten (Pacing) von Sätzen

2011-05-22T02:41:00.000-07:00

Diese Woche geht’s ein bisschen mehr in die Mikroebene des Pacings: Wörter und Sätze, also den gefühlten Unterschied zwischen:

und

Welchen Einfluss hat das Aufteilen der Sprache und Rhythmus der Szene? Und wie bringen wir unseren Dialog am wirkungsvollsten rüber?

Von der Zügelung des Wortes

Der erste Schritt wäre erstmal, bei Schreiben selber die Zügel im Zaum zu halten. Wir alle sind zutiefst verliebt in unsere schönen Wortgebilde und sehen schon zukünftige Generationen auf unseren Gräbern heulen: Er schrieb so schön. Und am Computer macht es ja nun wirklich keinen Unterschied, ob man einen Inhalt mit zwei Worten oder zehn rüberbringt. Ist ja beinahe dieselbe Mühe. Aber es macht einen großen Unterschied beim Lesen.

Das ist einer der Vorteile des Handletterings: wenn es nervt einen Text zu schreiben, nervt es bestimmt auch, ihn zu lesen. So beschränkt man sich von vornherein auf die Worte, die nötig und dienlich sind, und schenkt sich Ausschmückungen hier und koketten Wendungen da, die den Comic schwerer lesbar machen und die Wirkung, die wir erzielen wollen, nur verwässern.

Natürlich gibt es Gelegenheiten, wo Schwadronieren und Ausschmücken Sinn macht; aber in der Mehrzahl der Fälle geht es um uns und unser Ego. Und Ego ist (fast) immer im Weg, besonders beim Geschichtenerzählen.

Streß oder Zen: das Tempo der Szene

Auch wenn eine Szene ein dynamisches Pacing hat, und mal schneller und langsamer läuft, hat sie immer noch eine Grundstimmung, und der Text passt sich der Grundstimmung an. Je introspektiver, ruhiger, quasi literarischer ein Moment ist, desto mehr Text kann er ab. Gedanken in längerem Text ist kein Problem. Wir sind schon im Ruhe-Modus.

Je mehr Tempo, Bewegung Action es hat, desto kürzer sollte man sich fassen, auch deswegen, weil die Wahrnehmung des Geschehens unmittelbarer ist:

Hier ist die Einheit zwischen Bild und Text stimmig. Wir lesen ja nicht L-a-u-f- w-e-g und so weiter. Wir nehmen den Text ebenso wahr wie das Bild: in einem Blick, und die Wirkung von Bild und Text ist direkt und unmittelbar. Je länger der Text wird, desto mehr schalten wir in den "Lesemodus": Der Text läuft erstmal durch unser Gehirn, und unser Gehirn sagt uns dann, was wir fühlen sollen. Das gewünschte Gefühl kommt an, aber sehr viel schwächer. Wenn der Text so lang ist, dass wir in den Lesemodus verfallen und den Text nicht mehr mit dem Bauch erfassen, sondern mit dem Verstand, haben wir eine Menge Wucht verloren.

Antiwortflutargument 1:
Blöcke schrecken ab und bremsen die Geschichten stark aus

Zeitungstext und viele Sachtexte sind in schmalen Spalten layoutet, weil zu lange Zeilen nachweislich nerven und ermüden. Und so geht es zumindest mir auch mit Sprechblasen. Ich habe kein Problem mit 500 Seiten Fliesstext beim Romanen, abe ich hole bereits tief Luft, wenn eine Sprechblase mehr als fünf, sechs Zeilen hat. So sind viele Texter dazu übergegangen, ihre längeren Texte zu splitten.

Antiwortflutargument 1:
Zu langer Text versaut das Layout des Panels.

Text ist schnell im Weg; alle Letterer verwenden viel Zeit darauf, die Dialoge in die Bilder einzupassen, ohne dass die Komposition oder die Information des Bildes leidet. Kyle Baker geht so weit, die Bilder komplett in Ruhe zu lassen und den Text einfach darunter zu setzen. Andere setzen auf den Splittingeffekt, den ich "die Raupe nenne".

Wann bietet es sich also an zu splitten, und wie?

Es gibt kein Rezept. Das ganze funktioniert sehr intuitiv. Aber wir können genauer identifizieren, was genau wir mit dem Splitten von Dialog erreichen.

Angenommen wir haben einen Text wie diesen hier:

Chef, wir müssen REDEN. Ich bin länger dabei als alle anderen hier, ich ARBEITE härter als alle anderen hier ... und ich verdiene mehr, als das, was Sie mir geben.

1. wir lenken das Tempo des Sprechers. Redetempo? Charakter? Stressfaktor? Oft kann man sagen, dass in eine Sprechblase das passt, was man in einem Atemzug sagen kann. Und bei plapperhaften Leuten und bei Stress - kann das eine ganze Menge sein.

Vielleicht ist der Angestellte verunsichert und ängstlich. Er will seinem Chef sagen, dass er mehr Geld will, aber er will es auch schnell hinter sich bringen.

Vielleicht ist er selbstbewusst und lässt sich Zeit.

Noch einen Tick dramatischer ....

... und wir haben das Gefühl, der Typ zieht gleich eine Knarre.

2. wir lenken durch das Splitten die Dramaturgie des Gesagten.

In diesem Beispiel kann man sich auch gut vorstellen, wie das Gesagte unterstützt würde, wenn wir die Sätze auf mehrere Panels aufteilen.

3. wir lenken das Gewicht des Gesagten.

Pacing: Das Takten einer Szene

2011-05-15T04:39:00.000-07:00

Der Eintrag dieser Woche geht über das TAKTEN von Szenen, und speziell Dialogen.

Wie manche wissen, hatte ich das Privileg, ein halbes Jahr am Küchentisch von Ralf König zu sitzen und Storytelling zu lernen, und die wichtigste Lektion, mit Abstand, war die des Taktens einer Szene. Wichtigere, oder lustigere Dinge bekommen mehr Raum. Ralf ist ein Genie im Takten von Szenen. Ich würde ihm eine skizzierte Seite zeigen, und er würde einmal drüberschauen und spontan sagen, wo noch ein Panel hingehört, oder wo eine Sequenz verlängert werden kann, um einen komischen Effekt zu erhöhen.

Wenn sich in einer Fernsehserie jemand anschickt, etwas besonders bedeutendes zu sagen, wartet er ein, zwei Sekunden, gleichsam bis er die UNGETEILTE Aufmerksamkeit der Zuschauer hat, und sagt dann seinen Satz. Besonders im Gedächtnis geblieben ist mir ein Moment aus der letzten Folge von SIX FEET UNDER. Alle Kinder des Hauses ziehen aus, die Mutter bleibt alleine mit dem Haus zurück. Ihre Tochter, Claire, fragt sie nach ihren Plänen.

Ruth: Ich denke, ich werde zu George ziehen. (George ist ein ehemaliger Lover von Ruth, mit einer Menge Problemen)

Claire: Ist das das, was du willst?

Und Ruth schaut sie ein, zwei Sekunden an, bevor sie antwortet:

„Ich hatte noch nie das, was ich wollte, Claire.“

Wenn man die Serie verfolgt hat, weiß man, dass sie Recht hat, und fühlt das Gewicht dieses Satzes. Ruth hat immer die Bedürfnisse anderer vor ihren eigenen gestellt, und es hat ihr nichts gebracht; dieser Satz ist ein bitteres Fazit am Ende eines Lebens.

Und er bekommt viel Raum, den er braucht, um nachzuhallen, wie ein Paukenschlag.

In Comics haben wir Zeit (mehrere Panels) oder Raum (große Panels) um die Wichtigkeit eines Momentes hervorzuheben. Scott McCloud hat einiges über Comics und Zeit geschrieben, und es wird sicher vielen wie ein alter Hut vorkommen, aber meine Erfahrung mit meinen Schülern war immer die, dass eine ihrer größten Schwächen eben das dynamische Takten einer Szene war. Viele Zeichner benutzen Grids von zB zwei Panels in drei Reihen pro Seite, und die Szene läuft Bild für Bild, Takt für Takt, mit der Monotonie einer tickenden Uhr, und alle Ereignisse, ein Satz, das Anzünden einer Zigarette, der Tod eines Menschen, bekommt dieselbe Wertigkeit. Wie es in den Superheldencomics der Siebziger war:

Panel 1: Der Gute sagt dem Bösen, er soll aufhören.

Panel 2: Der Böse lacht den Guten aus.

Panel 3: Der Gute tötet den Bösen mit einem Laserstrahl aus seinen Augen.

Panel 4: Die gerettete Blondine bedankt sich überschwänglich bei ihrem Retter, der betont, das sei doch nicht der Rede wert.

Heutzutage, da Mainstreamcomics weitaus intelligenter und realistischer sind, würde man dem sterbenden Bösewicht sicher etwas mehr Zeit gönnen. Immerhin stirbt der arme Kerl.

Eine kleine Übung hierzu, um zu verdeutlichen was ich meine. Ein kurzer Moment aus HERR DER RINGE.

Aragorn: Hast du Angst, Frodo?

Frodo: Ja.

Aragorn: Du hast noch nicht genug Angst.

Und jetzt stellt euch vor, ihr habt eine Seite, um diesen Moment darzustellen, und drei Panels: ein kleines, ein mittleres, und ein großes, die ihr anordnen könnt wie ihr wollt.

Es ist keine Frage, welches der wichtigste Satz des Dialoges ist, daher landeten 100 % meiner Schüler bei dieser Lösung

… und nicht etwa bei dieser:

Anderes Beispiel: Zwei Brüder, Marc und Eric. Marc fragt seinen Bruder, ob er bei ihm ins Geschäft einsteigt. Eric zögert, und sagt schliesslich ja. Keine große Sache, wenn es ein kleiner Sanitärbetrieb ist.

Aber was ist, wenn Eric verschuldet ist, und Marc ein Krimineller? In seinem „Geschäft“ mitzumachen, würde bedeuten, sich auf die andere Seite der Moral zu stellen. Vielleicht den Tod andere Menschen in Kauf zu nehmen. Leben andere Menschen zerstören. Aber Eric hat keine Wahl. Und der Handschlag ist ein wichtiger Moment, ein Übergang in ein anderes Leben. Der Moment, in dem er sich für die andere Seite entscheidet.

Ich werde in den nächsten Tagen und Wochen noch andere Beispiele anführen. Ganz egal, welche Geschichten man erzählen möchte – der Umgang mit Zeit ist vielleicht die wichtigste Fähigkeit, die man im Comic erlangen kann. Hier steckt die Energie.

Charakter und Dialog: Innere Konflikte - inneres Dynamit

2011-05-11T23:51:00.000-07:00

Ein kleiner Nachtrag zur Diskussion über Charakter und Dialog:

Vor einigen Wochen brachte ich eine Beispielseite aus KILLING JOKE.

Der Komiker, der später mal der Joker wird, kommt nach einem Vorsprechen nach hause. Er sagt, dass er nervös wurde und eine Pointe versaut hat.

Seine Frau sagt "Oh".

- WAS MEINST DU DAMIT, "OH"?
- Ich ... ich meinte gar nichts.
- Du hast "Oh" gesagt! Wie in "Oh, du hast den Job nicht bekommen?" Wie in "Oh, wovon sollen wir den jetzt das Baby füttern"?

Keine Ahnung, was die arme Frau mit ihrem OH bezweckte, aber sie ist damit auf eine innere Tretmine ihres Freundes getreten. Der sich sicher schon selbst Vorwürfe gemacht hat, dass er nicht genug Geld nach hause bringt, um seine Familie zu ernähren.

Und das ist ein weiterer wunderbarer Vorteil, wenn man die Charaktere, und ihre inneren Konflike, ausarbeitet, bevor man sie den Mund auf machen lässt. Wir alle stecken voller kleiner oder großer innerer Konflikte, und die harmlosesten Sätze können uns hochgehen lassen. Jemand beschreibt die Wolken im Himmel und wir denken, er macht sich über unseren kleinen Penis lustig. Oder darüber, dass wir zu dick sind. Das Beispiel aus KILLING JOKE ist ein dramatisches. aber die Art innerer Dynamitstangen lassen sich auch hervorragend für komische Dialoge verwenden.

Es gibt einen wunderbares Beispiel in Alex Robinsons BOX OFFICE POISON. Sherman arbeitet in einem Buchladen und hasst seinen Job. Seine Freundin, die reiche Eltern hat, schlägt ihm vor, einfach zu kündigen.Daraufhin ledert Sherman seine Freundin verbal heftigst ab. Dass nicht jeder einfach zu Mama und Papa rennen kann, wenn es mal nicht gut läuft, dass MANCHE VON UNS Verantwortung tragen müssen.

"Darum sei bitte so gut und kümmer dich um deinen eigenen Kram."

Er selbst wünscht sich sehnlichst, er hätte den Mut, endlich zu kündigen. Er ist sauer auf sich, weil ihm dieser Mut fehlt, und lenkt diese Wut auf seine Freundin. Passiert jeden Tag, in dieser oder anderer Form, und gibt sehr schöne, leidenschaftliche Dialoge her.

Dialogbeispiele: Geschlechterkampf

2011-05-07T08:42:00.000-07:00

Die Tirade letzte Woche ging darum, wie guter Dialog mehrere Dinge gleichzeitig macht – wie zB Charakter darstellen UND die Handlung voran bringen, und ich erwähnte meine ruhmreiche Erfindung des Dialogfächers, der verdeutlichen sollte, wie eine Replik mehrere Schichten haben kann, wie

Charakter
Die Attitüde des Sprechers, seine Position zur Welt und zum Gegenüber
Ziele und Wünsche, die ausgesprochen oder unausgesprochen im Dialog mitschwingen

Diese Kategorien sind nicht immer von einander trennbar und laufen oft ineinander: Die Attitude des Sprechers hängt zB zu einem großen Maß von seinem Charakter ab.

Aber nun je, schauen wir mal in die Praxis und werfen einen erstmal Blick auf einen Dialog des genialen Sam Kieth. Diese Szene stammt aus der Geschichte BROADMINDED, (Broad=Frau), in der alles um Mannsein und Geschlechteridentität kreist. Die Hauptfigur, der Frauenversteher IRA, ist grade aus dem Knast entlassen worden, zu meiner Schande weiss ich nicht warum er saß. Aber er ist sanft wie ein Kaninchen, also wird es wohl entweder ein Unfall, ein Justizirrtum oder eine Nichtigkeit gewesen sein. In dieser Szene hat er mit seinem Bruder in einer Kneipe gewettet, dass er jede Frau mit seiner gewandten Redeweise rumkriegen kann. Er geht an die Theke und spricht ANNIE an. Mal sehen, wie er sich anstellt, und was im Dialog alles an Subtext mitschwimmt.

Enter IRA versus ANNIE, Geschlechterkampf im Dialog, Teil eins.

Hier die Dialogseite aus dem Comic im Original

IRA: Entschuldigung, ist dieser Platz [neben dir] frei?

Natürlich fragt der höfliche Ira erst mal um Erlaubnis.

ANNIE: Kommt drauf an. Bist du ein netter, sensibler Junge, der Freundschaft sucht, oder ein stumpfer WILDER, der nur jemanden zum FLACHLEGEN sucht?

Der Satz alleine sagt schon endlos viel über Annies Charakter aus. Sie ist offensichtlich selbstbewusst, humorvoll und nicht auf den Mund gefallen. Sie durchschaut die Kennenlern-Rituale des Geschlechterkampfes und spielt mit ihnen.

Ihre ATTITUDE ist wohlwollend, aber provokant und spielerisch. Sie findet IRA auf den ersten Blick nicht unsympathisch, sonst hätte sie sicher nicht gezögert, ihm abzubügeln.

Was ist nun ihr ZIEL? Was will sie kommunizieren?

Ihre Frage ist eine spielerische Herausforderung, eine Einladung zum verbalen Zweikampf . Sie knallt ihrem Gesprächspartner zwei Stereotypen zur Wahl vor den Latz.

Mal sehen was Ira kontert?

IRA: Beides, tatsächlich … öh, ich meine … welcher von den beiden bekäme denn den Platz?

IRA scheitert fast an der Herausforderung und kriegt so grade noch die Kurve, aber eine Sache wird deutlich: er nimmt eine passive Haltung an. Er kommuniziert letztlich nichts anderes als SAG MIR WIE ICH SEIN SOLL.

ANNIE: Smooth … hör zu, für einen „sensiblen Brutalo“ bist du nicht besonders helle. Aber ich mag dumme Männer. Wie heisst du?

IRA: Ira.

ANNIE. Annie. Setz dich.

Annie lenkt weiterhin das Gespräch, und sie sagt offen und direkt, was sie denkt. Es ist ihr egal, wie andere auf ihre Offenheit reagieren. Du bist ja nicht der Hellste, aber schon okay, ich mag dumme Männer. I like that in a guy. Sie sendet widersprüchliche Signale. Sie drückt ihm erst eine kleine Beleidigung – wer lässt sich schon sagen, dass er dumm ist – aber sagt dann sofort, dass sie ihn mag (bzw die Eigenschaft, dass er dumm ist). Sie spielt Katz und Maus mit dem armen Kerl. Und er ist die Maus.

IRA setzt sich - nachdem er jetzt die Erlaubnis erhalten hat - und das Dutzend Kondome, das er unter der Jacke versteckt hatte, kommt zum Vorschein. There go the condoms, flüstert er sich zu. Nicht besonders souverän, Ira.

ANNIE: Hast wohl noch einiges vor heute?

IRA: Äh, nein, ich meine, äh …

Tja, IRA, da schwimmste. IRA will nicht den Eindruck des herzlosen Aufreissers erwecken, also rudert er erstmal zurück. Aber andererseits, vielleicht findet sie die ja toll? Er will sagen, was sie hören will, aber er weiss nicht, was sie hören will. Also, baumelt er hilflos im Gespräch herum.

ANNIE: Nein? Ach, schade. Ich MAG das bei Typen, wenn sie wissen was sie wollen. Mein Ex war ein WASCHLAPPEN mit einem Schrottauto, der immer versuchte auf COOL zu machen … ich hoffe, du bist nicht so, wie …

Der Satz WATET in Subtext. Sie erwähnt ihren Ex-Freund, (den IRA in jeder Beziehung spiegelt) und stellt damit implizit in den Raum, dass sie Single ist, und sie hofft IRA ist anders. Plötzlich lässt sie Liebe und Sex vor seinen Augen baumeln wie eine Karotte.

Und jetzt weiss IRA, worauf ANNIE steht, und reagiert prompt. Er zeigt auf einen 56er Buik, der natürlich NICHT ihm gehört, und erwähnt nonchalant, dass er grade aus dem Knast kommt. Harter Bursche halt.

ANNIE reagiert erfreut und lehnt sich an ihn.

ANNIE: WOW! wofür hast du denn gesessen?

IRA: Hab einen rumgebracht. Mehrere, tatsächlich.

Er hat einen umgebracht. Und falls das nicht beeindruckend genug ist, legt er noch eine Schippe drauf. Mehrere. Kostet ja verbal dasselbe.

ANNIE: Kein Scheiss?

IRA: Ja, ich und mein Kumpel zieh’n so durchs Land und haun auffe Kacke. Ich geh mal besser.

Jetzt, wo Annie weiss, dass IRA ein gefährlicher Verbrecher ist, legt er sich noch schnell einen Slang zu, um vollends in seine Rolle zu schlüpfen. Aber er hat wohl auch Schiss bekommen, dass er die Rolle nicht lange durchhalten wird. Die Frau wird ihm zu stressig, und er weiss, dass er bei diesem Katz-und-Maus-Spiel verlieren wird. Also sucht er das Weite. Er hält bislang so grade noch mit in diesem Rededuell, aber er weiss, dass er keine zwei Sätze mehr überlebt, wenn er bleibt und/oder so weitermacht.

ANNIE: Warte mal, du sensibler Wilder.

ANNIE: Ich werde dir das Herz brechen, und du wirst mir dafür dankbar sein.

Und genau das wird sie im Laufe der Geschichte auch tun. Sie hat ihn von Anfang an durchschaut, und sie will ihm, auf seltsam wohlwollende Art, eine Lehre erteilen.

Dieser Dialog ist ein gutes Beispiel dafür, wie man eigentlich nur eine kraftvolle Figur hinstellen muss, und der Dialog tänzelt quasi von selbst. Hier kommt noch die Dynamik des Geschlechterkampfes hinzu, dass Sam Kieth zwei sehr gegensätzliche Figuren aufeinanderprallen lässt, Ira, der nicht weiß, was er sein soll und was er will, und Annie, die das sehr genau weiß. Und indem die klassische Rollenverteilung umgedreht wird, wird das Gespräch noch mal amüsanter.

THE WIRE: Donette und Stringer Bell

Noch ein Geschlechterkampf-Dialog, diesmal aus der genialen Serie THE WIRE. Der Kleingangster D’Angelo hat Verbrechen der ganzen Familie auf sich genommen, damit sein Boss schneller freikommt. In dieser Szene besucht der endlos SMOOTHE STRINGER BELL, die rechte Hand des Gansterbosses Avon Barksdale, D’Angelo’s Frau, um sie daran zu erinnern, dass sie ihren Mann öfter im Knast besuchen muss – damit er sich seiner Familie sicher sein kann.

Der Dialog ist ein Traum, dramaturgisch und in seiner Inszenierung, voller netter kleiner Details. Hier der Link zur kompletten Szene auf Youtube.

Stringer betritt also die Wohnung von DONETTE, die eine relativ oberflächliche Tussi ist. Während sie zur Anlage geht und ein bisschen Schmusepop auflegt, lässt er seinen Blick gleiten und fragt sich (laut) ob D’Angelo wohl weiss, was ihm entgeht.

Apropos, sagt Donette, und kommt mit einem nagelneuen Sweater, Preisschild ist noch dran, D’Angelo hat es einen Tag bevor er in den Knast kam gekauft. Willst du das nicht tragen, Stringer? WÄR DOCH SCHADE.

Also, DEN Subtext brauche ich wohl nicht zu erklären. Eine Frau fragt einen Mann, ob er nicht die Kleider ihres Typen tragen möchte.

Stringer legt den Pulli weg und liest Donette erstmal die Leviten. (Super, Stringer. Ein Zeichen echter Integrität. Du bist mein Idol, Stringer!) Man beachte dabei, dass Donette steht, und Stringer sitzt. Die Machtverhältnisse sind klar, Donette steht vor Stringer wie ein Schüler vor dem Schuldirektor. Man beachte auch die Körpersprache, Donette hat die Arme verschränkt, wie ein störrisches Kind, das sich nicht belehren lassen will.

Kümmer dich mal um deinen Mann, Donette, sagt Stringer. Wir bezahlen dir hier Klamotten und Bude – ist die Kohle okay?

„‚s alright.“, sagt Donette. „Ganz okay’“, die Kohle. Die Dame hat Ansprüche.

Nur OKAY, ja?

Na gut, sagt Donette. Die Kohle ist gut.

Na siehste, sagt Stringer. Und dafür musst du halt deinen Teil beitragen. Geh deinen Mann besuchen.

(Richtig so, Stringer! Weis diesem verantwortungslosen LUDER ihren Weg, Stringer!)

Dann wirft er noch mal einen Blick auf den Sweater, und legt ihn mit einem War ja klar-Blick wieder weg.

Ich bin XL, sagt er.

Und stellt sich vor Donette. Kein Zweifel, sagt Donette.

Und dann machen die rum. Eine unerwartete Wendung.

(Stringer, du SCHLAMPE!)

Ich meine, ich brauche ja nicht groß auszuformulieren, was er da gesagt hat. Mache ich aber trotzdem. Ich gehe zwar auf deine Anmache ein, sagt er, aber ich schlüpfe nicht in die Kleider / Rolle eines anderen Mannes. Ich bin MY OWN MAN, und ich bin eine Nummer größer als dein Typ.

Was ich hier sehr schön finde, ist die – zugegebenermaßen nicht sehr subtile – Nebenbei-Handlung, die dem Dialog noch zusätzlichen Subtext verleiht (das Klamottenangebot) und die Inszenierung der Bewegung der beiden Sprecher, die extrem viel über ihre Beziehung, Machtverhältnisse etc.aussagt. Wir hattens schonmal darüber - man kann einem Dialog eine zusätzliche Tiefe geben, wenn man die Leute handeln und sich bewegen lässt. In guten Serien sind die Dialoge fein orchestriert, wie in einem Theaterstück, und ich bin weiterhin der Meinung, Comiczeichner können viel davon lernen :--) Es ist, nach meinem Wissen, das beste Storytelling, das zur Zeit passiert.

Dialog: Von komischen Geräten

2011-05-02T00:24:00.000-07:00

Während ich die letzten Wochen in Kommunikationstheorie watete, dachte ich mir immer wieder, wie schick es wäre, ein einfaches Tool zu haben, einen einfachen praxisorientierten Ansatz, den man wie ein Schweizer Messer aus der Tasche ziehen und anwenden kann, wenn einem ein lahmer Dialog über den Weg läuft.

Ich muss an dieser Stelle vielleicht mal das Schweizer Messer erklären: Das gabs in den Achtzigern, und fast jeder hatte so was. Es war wie das iPhone, nur ohne Display und ohne Telefon, und statt PORN FINDER und GPS hatte man Apps wie Zahnstocher und Dosenöffner. Ein einfaches, aber freudiges Gerät

Bild: Ein einfaches Schweizer Messer.

Auf jeden Fall bin ich auf dieses Tool hier verstiegen, das für mein Empfinden gut rüberbringt, worum es mir geht. Tadaaa:

Stellt euch eine Art Farbfächer vor. Der graue / farblose Streifen ist der Dialogsatz, dem man gerne etwas mehr VERVE verleihen würde. Auf diesen Satz kann man jetzt einen oder mehrere farbige Streifen legen, nämlich

Charakter
Attitüde und
(unausgesprochene und ausgesprochene) Ziele

„Charakter“ beinhaltet neben Charaktereigenschaften wie Mut, Ängstlichkeit, Arroganz oder Schwatzhaftigkeit auch soziale und kulturelle Färbungen, wie Akzente oder Soziolekte.

Die „Attitüde“ steht für die Einstellung des Sprechers zu sich selbst, dem Gesprächspartner und dem Thema. Der „Einfallswinkel“, aus dem der Sprechende die Situation betrachtet. Wie ist das Verhältnis der Gesprächspartner, und wie schlägt sich das in der Weise nieder, in der sie sprechen? Nähert er sich dem Gesprächspartner mit Wohlwollen? Zuneigung? Hat das Gespräch einen Subtext von Liebe oder Sexualität? Bei Konkurrenten: von Macht? Hält einer den anderen für dümmer als sich selbst?

Die Ziele, ausgesprochen oder unausgesprochen, sind das, was der Sprechende mit dem Gesagten erreichen will. Ein Wunsch, der ausgesprochen wird („ich will mehr Geld“) oder unausgesprochen mitschwingt – ein Typ erzählt von seinem Auto, und sein unausgesprochener Wunsch ist, finde mich toll, respektiere mich, bewundere mich.

Angenommen, ein Angestellter will mehr Geld. Irgendwann wird dann wohl der Satz Ich will mehr Geld fallen. Aber wie wird die gesamte Situation geprägt durch den Charakter des Sprechers? Seine Attitude?

Angenommen, der Angestellte ist eine verängstigte kleine Maus voller Selbstzweifel. Er klopft an die Tür seines Chefs und tritt ein.

„Entschuldigung, also, störe ich? Ich hätte eine Bitte, also wenn Sie Zeit hätten? Sonst, ich kann auch später wiederkommen …“

Und wie verhält sie der vor Selbstbewusstsein STROTZENDE Schnösel, der sich für ein Geschenk Gottes an die Menschheit hält:

Er klopft und tritt ein. Natürlich ist er mit dem Chef per du.

„Dieter, wir müssen REDEN.“

„Ach, was IST denn, Stefan. Ich habe grade wirklich viel zu tun.“

„Kein Problem. Ich sage einfach was ich will, du sagst ja, und ich bin in zehn Sekunden wieder weg. Ehehehe.“

You get the idea.

Francine Prose schreibt in Reading like a writer:

„Wenn wir Menschen sprechen, kommunizieren wir nicht nur Information. Wir versuchen, einen Eindruck zu machen und ein Ziel zu erreichen. Und manchmal hoffen wir, dass der Zuhörer nicht mitbekommt, was wir nicht sagen, was wie wir befürchten, genauso hörbar ist, wie das was wir sagen. [ …]. Dialog enthält normalerweise genauso viel, oder mehr, Subtext, als er Text enthält. Unterhalb der Oberfläche ist mehr los als auf der Oberfläche. Ein Anzeichen von schlechtem Dialog ist, dass er immer nur – höchstens – eine Sache auf einmal leistet.“

Ich glaube, wenn man den Dialog aus dem Charakter heraus führt, mit einem Blick auf den Charakter, die Ziele und unausgesprochenen Wünsche der Figur, kommt man zu einem Dialog, in dem mehrere Ebenen hörbar sind, und der somit mehr Tiefe und Energie bekommt.

Talk is a battlefield

2011-04-23T01:23:00.001-07:00

Die vier Kommunikationebenen als Geschmacksverstärker für Gespräche
Wir hattens ja schon öfter von den Kommunikationstheorien und den verschiedenen Ebenen der Kommunikation von Schulz von Thun. Heute möchte ich seine vier Ebenen des Kommunikation

Was wir sagen
Was wir damit erreichen wollen
Was wir über uns aussagen
Was wir über das Gegenüber aussagen

als Ausgangspunkt nehmen, um zu schauen, wie man aus diesen vier Ebenen unterhaltsame Dialoge backen kann, weil die Kommunikation grandios schiefläuft, entgleist oder in dampfendem Ärger mündet.

Diese vier Schichten sind natürlich nur EIN möglicher Ansatz, und später geht es auch noch darum, wie die Backstory einen Dialog aufladen kann. Aber erstmal schaunwa uns diese vier Punkte an.

Die vier Schichten:

1. Ich mein ja nur: Die sachliche Ebene

Meint: eine Aussage wird getroffen, ohne dass irgendeine emotionale Färbung oder ein Subtext damit beabsichtigt wird.

Aber was ist, wenn wir eine sachliche Aussage machen wollen, unser Gegenüber diese Aussage aber emotional oder wertend auffasst? Wir waren ja schonmal da.

Aussage: Hey, dein Freund sieht ja echt gut aus
Antwort: UND ICH BIN HÄSSLICH ODER WAS?!

Oder ein anderes Beispiel: Zwei Brüder, ein Akademiker, und ein Handwerker. Der Handwerkerbruder ist eifersüchtig auf die Bildung seines Bruders, und daher schwelt sein Minderwertigkeitskomplex immer leise im Hintergrund, wenn die beiden reden. Angenommen, Handwerkerbruder hat sich einen SUV gekauft, und erzählt seinem Bruder davon.

Akademiker: Sind die nicht sehr teuer im Verbrauch?
Handwerker: MEINZE N HANDWERKER KANN SICH SOWAS NICH LEISTEN ODER WAS.

Es macht großen Spass, Dialoge zu orchestrieren, wenn man einfach nur eine Aussage voranschickt, die aber vom Gegenüber als Wertung aufgefasst wird. Das Gegenüber kontert dann vielleicht mit einer gespickten emotionalen Antwort, und von da aus kann man sich mit einer Tüte Popcorn zurücklehen und zuschauen, wie das Gespräch eskaliert. Passiert jeden Tag, überall, und oft aus einer kleinen Nichtigkeit heraus. Wir alle tragen wunde Punkte mit uns rum, und beziehen alles, was gesagt wird, darauf. Jemand spricht übers Wetter, aber wir wissen ganz genau: Eigentlich will er damit sagen dass wir zu DICK sind ....

2. Was willst du eigentlich von mir: Was wir mit dem Gesagten erreichen wollen

Schulz von Thun nennt diese Schicht "Appell". Der Begriff ist etwas irreführend. Wenn man sich von der Theorie freimacht und die Ebene freier interpretiert, meint Schulz von Thun sowas wie: was will ich mit dem Satz erreichen?

Erstmal ist es generell sehr spassig, mitzuerleben, wie jemand etwas sagt, um damit ein unausgesprochenes Ziel zu erreichen. Wir sind umgeben von Menschen, die versuchen, uns und andere zu manipulieren. Wenn man dafür sensibilisiert ist, sieht man die Fäden, an denen diese Menschen ziehen. Schmeichelei. Schlechtmacherei anderer. Vergleiche mit anderen, die mehr "geleistet" haben. Also, die Vanessa erwartet jetzt schon ihr ZWEITES KIND. Shakespeares Dialoge sind voll von Manipulationsmechanismen. Natürlich musst du die alle umbringen. Jemand wie du hat den Thron VERDIENT.

Stromberg ist ein wunderbares Beispiel für jemand, der versucht, andere zu manipulieren, und dabei ständig gegen die Wand läuft. Das wirklich amüsante dabei ist, dass diese Leute überall rumlaufen ...

Aber was ist, wenn diese versuchte Manipulation komplett nach hinten losgeht? Francine Prose berichtet von einem Gespräch zwischen einer Frau, und einem Typ, mit dem sie flirten will. Sie erzählt von einem Traum, in dem sie ein erotisches Negligé trägt und ein Lied von Barbara Streisand singt. Sie versucht die ganze Zeit, ihren Begleiter dazu zu bringen, sie sich im Negligé vorzustellen, während ebenjener Begleiter immer nur nach dem Streisand-Lied fragt, weil er offensichtlich schwul ist, was seinem Gegenüber wohl bislang entgangen war.

Stellt euch vor, ein Typ trifft eine Frau auf, keine Ahnung, einer Comicconvention. Er will rauskriegen, ob sie einen Freund hat, kann sie aber nicht direkt danach fragen. Also verklausuliert er seine Fragen immer wer weiss wie, und sie fasst die Fragen komplett anders auf, und der Typ kriegt NIE die Antwort, die er gerne hätte.

3, Who am I kidding, oder Was sage ich über mich selbst?

Aussagen von Personen über sich selbst, ausdrücklich oder implizit, sind vor allem dann sehr amüsant, wenn sie sich für weitaus wichtiger, toller, schöner, schlauer halten als sie sind. Oder wenn sie, ganz offensichtlich, etwas zu beweisen haben. Fast jede Aussage eines Menschen über sich selbst kocht und brodelt vor Subtext.

Ich bin son'n Typ, wenn ich was mache, mache ichs RICHTIG.

Wir Künstler haben ne ganz andere Sensibilität für die Welt und die Menschen. Jedes Erleben trifft uns mit einer großen Wucht direkt ins Herz, wie ein Schlag in eine offene Wunde. Das ist nicht immer einfach.

Manchmal wünschte ich, ich wäre nicht so intelligent. Weisst, du, so wie die dumme Masse. Dann wäre vieles einfacher.

Der erfreuliche Film Waiting for Guffman handelt von einem epochal unbedeutenden NEST irgendwo in der Pampa der USA.Der Ort feiert sein 150-jähriges Bestehen, und die Bewohner des Nestes "Blaine" schreiben ein Musical über die Geschichte ihres Ortes. Der ganze Film bekommt seine schmerzhafte Witzigkeit durch die unglaubliche Ernsthaftigkeit, mit der sich der ganze Ort auf die 150-Jahrfeier vorbereitet. Einer der Bewohner ist eine Ur-Ur-Ur-Urenkelin des Gründungsvaters des Ortes. "Es ist nicht immer einfach, eine Blaine zu sein, " sinniert sie, "ich weiss, wie sich die Kennedys fühlen."

Who am I kidding - Implizit

Was ist mit den zwei dicklichen, entsetzlich gekleideten verwahrlosten NERDS in der Kneipe, die alle Frauen im Laden auf einer Skala von eins bis zehn bewerten? Es gibt einen ähnlichen Charakter in AUSGETRICKST / TRICKED von Alex Robinson, der wirklich nicht besonders ansehnlich ist, und ein entsetzlicher Nerd, der die Strasse entlang geht, und alle Frauen danach bewertet, ob er mit ihnen schlafen würde oder nicht. Man WINDET sich vor Fremdscham, wenn man diese Passage liest.

Ich traf vor einigen Monaten zufällig auf der Strasse einen Bekannten, den ich vom Sehen aus der Disko kannte. Ich fragte wo er grade herkam, und er sagte, von einem Montageauftrag, aber EIGENTLICH sei er ja Clown und Kinderbuchautor. Ich verbrachte danach zwanzig Minuten in Gesprächsgeiselhaft, während er alles tat, um mir zu beweisen, dass er diesen BLAUMANN wirklich nur HEUTE trug. Eigentlich bin ich Clown.

Ein Comicgespräch, dass mich immer wieder amüsiert, hat meine liebe Freundin Sarah Burrini erlebt, die grade neben Veronika Mischitz ("Kleiner Vogel Rot") und Christopher Tauber saß, als ein für seine epochale Ernsthaftigkeit bekannter Hamburger Comiczeichner an den Stand trat und im "Vogel" blätterte.

Christopher: Gutes Buch! Könnte dir gefallen.
Hamburger: Ich habe schonmal reingeguckt. Ich bin nicht ganz sicher, ob es mich überzeugt.
Christopher: Naja, das ist ja zum Glück Geschmacksache.
Hamburger: Kunst ist nie Geschmacksache.

Großartig.

4. Was sage ich über dich?

Was sage ich über den anderen: Aussagen über den Gesprächspartner, sein Geschlecht, seine soziale oder ethnische oder sonstwie geartete Zugehörigkeit. Oder eine spezielle Attitüde der Gruppe oder dem Geschlecht des Gesprächspartners gegenüber.

OJ, hier gehts ab. Wenn das Gespräch langweilig zu werden droht, schnell eine Aussage über das Gegenüber machen, und dann einfach sehen, was passiert. Wer hört schon gerne, wie ein andere über ihn urteilt? Ach, ihr Frauen versteht das nie.

Meine Tante heiratete vor vielen Jahren einen netten jungen Mann aus dem Senegal. Die beiden hatten einen Sohn, und als es Unruhen in Afrika gab, zog meine Tante mit ihren damals zwölfjährigen Sohn zu uns aufs Ländle. Ich war damals 16, und im kompletten Soul- und RnB-Fieber. Und so versuchte ich, meinen armen Vetter immer wieder darauf anszusprechen, wie das denn so sei als Schwarzer, mit diesem inneren Groove und diesem natürlichen Verständnis für Rhythmus und Musik? Der arme Kerl wollte nur Comics lesen und programmieren. Und ich sprach ihn immer wieder auf seinen Groove an. Ich wünschte, ich hätte eine bessere Erinnerung daran, das Gespräch wäre sicher ein genialer Sketch geworden.

Einer meiner liebsten Dialogeszenen aus den Sopranos, eine Szene, die ich nie müde werde zu erwähnen, ist die Begegnung des Mafioso Pauli mit dem Russen Valerij. Die Drehbuchschreiber lassen im Vorfeld keinen Zweifel daran, dass Pauli Russen verachtet, und als er dann das Gefühl hat, der Russe wolle ihn RUMKOMMANDIEREN, tut er etwas, was die ganze Situation heillos entgleisen lässt. Ich komme die Tage nochmal drauf zu sprechen, wenn ich ein Best-of meiner liebsten YOUTUBE-Dialoge poste.

2011-04-19T09:25:00.001-07:00

Charakter und Figur: Ein (vorläufig) letzter Heuler

Dieser Text beendet die erste Runde zur Wichtigkeit von ausgeprägten Charakteren für Dialoge und Plots. Auf vielfachen vereinzelten Wunsch habe ich einige Comicbeispiele dazugepackt.

Charakter und Dialog

Vor einigen Wochen sprach ich mit einem jüngeren Comiczeichner, der sich beschwerte, dass seine Dialoge immer klischeehaft und unoriginell geraten. Es stellte sich heraus, dass die Charaktere seiner Geschichten noch überhaupt nicht ausgearbeitet waren, und daran lag es dann wohl auch, dass ihre Repliken so unterwürzt waren.

Stellt euch einen Rucksacktouristen vor.

Und jetzt stellt euch vor, der Rucksack beinhaltet nicht die übliche verschwitzte Unterwäsche und die zerdrückte braune Banane, die natürlich GANZ UNTEN LIEGT, sondern Charaktermerkmale. Die Backstory der Figur. Ihre Wünsche. Träume. Ziele. Ideale. Ihr Bild von der Welt und den Menschen.

Und dieser Rucksack ist, Steampunk Style, verbunden mit dem Schädel der Figur, und färbt seinen Blick auf die Welt, und alles was er sagt und tut. Frei nach Schulz von Thun sind Worte gefärbt durch ...

was, und auf welche Weise, geben wir von uns preis? Wie stellen wir uns selbst dar?
was wollen wir (wirklich) vom Gegenüber? Anerkennung? Akzeptanz? Dass sie uns mit nach hause nimmt und mit uns schläft?
welche Beziehung, persönlich oder hierarisch, haben wir zum Gesprächspartner, und wie drücken wir diese Beziehung aus?

Ein Beispiel aus der Alltagswelt: Ich gehe mittags in eine Kantine, und bin, humanistischer Gutmensch der ich bin, immer bemüht, dem Kantinenpersonal gegenüber höflich und zuvorkommend aufzutreten. Wenn ich also eine blutige Haxe bestelle, sage ich "Ich hätte gerne eine blutige Haxe, bitte. Mit Pürree, bitte". Wenn ich sie dann gereicht bekommen, lächle ich, weil ich mich freue zu bekommen was ich mir wünsche, und sage ein herzliches "Danke!".

Hinter mir steht oft die Brigade einer Gebäudereinigungsfirma, und die Mitarbeiter sehen aus, als hätten sie grade LACHEND ein Massengrab geschaufelt. Sie schauen den Koch an und sagen

"SchkrischHaxemitPommes"

... und die RESPEKTLOSIGKEIT, die sie dem Koch damit entgegenbringen, treibt einen Dolch direkt in mein sensibles Empathikerherz.

Wieso sind nur alle ausser mir so unhöflich: Strip meines lieben Kollegen AE.

Ein Beispiel für sehr unterhaltsames Reden aus dem Charakter heraus, aus der Welt des laufenden Bildes, ist die erfreuliche MIRANDA BAILEY aus Grey's Anatomy. Miranda "The Nazi" Bailey ist einer meiner liebsten ausdachten Menschen, und ein extrem gewissenhafter, fähiger, fleissiger Mensch. Wenn sie redet, gibt sie Anweisungen oder sagt ihren Assistenzärzte auf sehr sarkastische und direkte Weise, sie sollen

a. ihre Zeit nicht verschwenden und
b. die Klappe halten und endlich ihre verdammte Arbeit machen, Herrgottnochmal.

Stop waistn' ma TAHM: Miranda Bailey, Working class Hero

Ihr direkter Sarkasmus ist eine andauernde Quelle der Freude in GREY'S ANATOMY. Der folgende Youtube-Clip liefert ein Best of ihrer Momente, und mein Favourite kommt ab Minute 2:30, wo Meredith (und alle anderen Assistenzärzte) sie darum bittet, statt der üblichen Betreuerungsjobs doch mal bei einer OP dabeisein zu dürfen. Baileys Antwort geht dann in etwas ...

Das ist nicht euer Job. Wisst ihr was euer Job ist? Euren Vorgesetzen glücklich zu machen. SEHE ICH GLÜCKLICH AUS? NEIN. WARUM? Weil meine Assistenzärzte RUMJAMMERN. Wisst ihr was mich GLÜCKLICH machen würde? Wenn meine Assistenzärzte einfach mal ihre ARBEIT erledigen würden! Niemand rührt hier ein Skalpell an, bis ich so glücklich bin wie Mary "§$% Poppins.

Ein kleines Best of Miranda Bailey auf Youtube

... und so weiter, und so fort. Einen Großteil des Humors der Serie kommt aus dem Charakter von Bailey, und der Art, wie sie sich verhält. Wie Kyle Baker mal sagte: Puns are not funny. Character is funny. Es gibt ähnliche Figuren bei HOUSE und SCRUBS, die ebenso für Humor sorgen.

A character to remember: "Nicole" von Peter Bagge

Peter Bagge ist für mich DER Maestro der Charaktergestaltung. Ich habe keine Ahnung, wie der Typ das macht, aber seine Figuren wirken extrem authentisch, komplex, real und lebendig. Bei BUDDY liegt es nahe, dass viele der Figuren reale Personen wiederspiegeln, aber auch und grade die Personen in SWEAT SHOP waren großartig, und es ist umso tragischer, dass die Serie nie fortgeführt wurd.

Ein Traum von einem SHOWCASE ist die Figur der Nicole aus BUDDY BITES THE BULLET.

Nicole, erzähl uns dochmal, wie du so drauf bist.

Nicole ist immer überall befördert worden, weil sie "Disorganisation" nicht ertragen kann, und eine Verbesserung notfalls über den Kopf ihrer Vorgesetzten hinweg durchsetzt. Vor dem Date mit Buddy, erstellt sie eine Auswahlliste mit Restaurants, und für später noch eine Liste mit möglichen Filmen, inklusive Laufzeiten. Sie hat keine zehn Sätze gesagt, aber wir haben schon eine ziemlich gute Vorstellung von Nicole. Ordnungsfreak, Kontrollfreak, Perfektionistin.

Das folgenden Gespräch - und der Sex mit ihr - wird für Buddy zu einem grotesken Erlebnis. Die Musik muss nicht gut sein, sondern modern, der Sex wird zu einer emotionslosen Sportveranstaltung, bei der sie Buddy durchrüttelt wie ein Dampfhammer, ohne selbst auch nur einen Laut von sich zu geben. Nicole will nicht, dass man sie nackt sieht, duscht vorher und nachher und hat nicht viel Vergnügen am Sex, aber sie tut es offensichtlich, um an die guten Sachen ranzukommen: Nähe, Nestwärme, echte, einfache Zuneigung. Als sie Buddy nach dem Sex fragt, ob er über Nacht bleibt, und er verneint, fängt sie an zu weinen, wird danach sehr aggressiv und während sie sich anzieht, sagt sie Und du vergiss bloss nicht, mich morgen anzurufen, sonst hast du GEWALTIGEN Ärger am Hals. Buddy lässt den Kopf in die Hände sinken und denkt Gott, what have I gotten myself into?

What indeed, Buddy.

Charakter und Plot: The Death of Speedy

Ein sehr, sehr gutes Beispiel für einen Plot, der durch den Charakter einer Figur angetrieben wird, ist gleichzeitig einer der besten "realistischen" Comicstories überhaupt: THE DEATH OF SPEEDY, eine Sternstunde von Jamie Hernandez.

Eulalio "Speedy" Ortiz ist ein junger Mexican American in einem kleinen Nest in Kalifornien. Im Verlauf des Buches erfahren wir, woher Eulalio seinen Spitznamen hat, denn "it seems like all the boy ever does is run". In seinen Zwanzigern *rennt* Speedy vielleicht nicht mehr überall hin und rum, aber sein Charakter ist immer noch sehr impulsiv, und wenn er etwas will, dann will er es sofort. Er ist impulsiv, hat, wie ein kleines Kind, nur sein eigenes momentanes Bedürfnis im Auge, ist aufbrausend und unkontrolliert, und nimmt sich spontan, was er will, ohne sich über die Folgen seiner Handlungen Gedanken zu machen.

Und dieser Charakterzug ist es, der ihn, und einige seiner engsten Freund, wie in einer Sturzflut ins Unglück treibt.

SPOILER AHEAD: Bitte nur lesen, wenn du die Story kennst, oder auf keinen Fall vorhast, sie zu lesen.

Speedy liebt Maggie, aber er kann Maggie nicht haben. Also nimmt er sich das Maggie-ähnlichste, was er finden kann. Ihre Schwester Esther. Die allerdings hat einen entscheidenen Nachteil: Sie ist die Freundin von ROJO, dem Chef der befeindeten Gang aus dem Nachbardorf. Dairytown. Rojo will mit Speedy reden, aber der lässt nicht mit sich reden. Und tritt damit eine neue Eskalation im Bandenkrieg zwischen den Dörfern Dairytown und Hoppers los.

Und als auch Esther mal nicht sofort zur Verfügung steht, schläft Speedy mit Blanka, um sich zu "rächen". Blanka nun ist davon überzeugt, dass Speedy sie liebt und ihr fester Freund ist. Und auch sie kriegt mit, dass da eine Chascarillo an Speedy interessiert ist. Aus ihrem Blickwinkel versucht da ein fremdes Mädchen, sich an IHREN Freund ranzumachen. Sie trommelt ein paar Freundinnen zusammen und bedroht Esther. Maggie stellt sich schützend vor sie und wird verdroschen.

Auf dem Weg nach Hause begegnen Maggie und Esther ein paar ihrer Freundinnen, die fragen, wer Maggie Nase blutig geschlagen hat. Maggie will es nicht verraten, aber Esther, die ebenso töricht, impulsiv und gedankenlos ist wie Speedy, gibt Blanka preis.

Unterdessen ist die Gang von Dairytown in Hoppers unterwegs, um Speedy einen Denkzettel zu verpassen. Tito, ein Freund Speedys, gibt sich als Speedy aus, um endlich zu erfahren, weshalb alle Welt Speedy sucht, und wird ins Gesicht geschossen.

Er wird ein Auge verlieren.

Maggie erfährt von dem Unglück, das Tito wiederfahren ist, und eilt ins Krankenhaus, um zu erfahren, wie es um ihn steht.

Während sie wartet, sieht sie, wie Blanka in einer Bahre ins Krankenhaus getragen wird.

Ihr wurde so zugesetzt, dass sie künstlich beatmet werden muss.

Am Ende der Geschichte sieht Speedy den riesigen Scherbenhaufen, den er verursacht hat. Er halt allen Menschen, die er liebt, nur Leid zugefügt. Und er weiss nur einen Weg, um mit dieser Erkenntnis umzugehen.

Ich hoffe, ich konnte rüberbringen, was ausgeprägte Charaktere für eine Story bringen können. Tatsächlich kann ich mir eine Story, in der Figuren ohne Eigenschaften auftreten, nur sehr schwer vorstellen.

Erzähl doch mal von dir! - Fragen an die Figur.

2011-04-03T02:23:00.000-07:00

Phantasie ist eine komische Sache. Bei vielen Dingen die wir uns "ausdenken", habe ich ft das Gefühl, sie sind schon da. Wir erschaffen sie nicht, wir entdecken sie. Zum Beispiel die Figuren unserer Geschichten. Es kommt immer wieder vor, dass eine Figur, komplett ausformuliert, aus unseren Köpfen spaziert, und wir wissen alles über sie.

Bei anderen Figuren brauchen wir mehr Zeit, um dahinter zu kommen, wie der Character tickt, was ihn antreibt, was er im Leben sucht. Aber auch da ist es am einfachsten, man fragt die Figur einfach selber. Und dabei kann der Fragenkatalog weiter unten Hilfe leisten. Wenn der Charakter der Figur nicht genug ausgestaltet ist, hat man einfach nicht genug gefragt.

Alan Moore berichtet in seinem Essay "'Writing für Comics" davon, dass es bei den Superheldenverlagen lange üblich war, einer Figur genau fünf - nicht mehr und nicht weniger - Eigenschaften zuzuordnen. Vielleicht so: heldenhaft- intelligent - stark - humorvoll - gutaussehend. Oder:hinterlistig- egoistisch - geldgierig - fett - clever. In diesen Geschichten nahmen die Charaktere feste Rollen ein (Bösewicht, Opfer, Held, Sidekick), und ein Instrumentarium von fünf Charaktereigenschaften reichte völlig. Tatsächlich ist es erstaunlich, wie realistisch und greifbar manche Figuren auf dieser Basis geraten sind.

In neueren Geschichten in der Literatur, im TV, Kino und im Comics werden diese Rollen aufgehoben. Und für mein Empfinden gibt es kaum etwas wundervolleres als einen komplett ausformulierten, facettenreichen Charakter. Und in den Geschichten wird es nicht darum gehen, wer das Gute und das Böse repräsentiert; Person X will das eine, Person Y will das andere. Beides ist "richtig" und gerechtfertigt in der Logik der Person. Nur crashen die Bedürfnisse und Wünsche dieser beiden Figuren kolossal, wenn sie aufeinandertreffen. Und wir haben eine unterhaltsame Story, die uns einen tiefen Einblick in das Ticken der Menschen gibt.

Annäherungen an Charaktere: Zwei Konzepte.

Charakter von aussen nach innen.

Die äussere Schicht: Wie sieht die Figur aus? Wie kleidet sie sich? Wie sieht ihre Wohnung aus? Wie sind ihre Lebensumstände? Ihre Rituale?

Alles hängt mit allem zusammen, und die äussere Gestalt eines Menschen, seine Art sich zu kleiden und zu geben, sagt bereits enorm viel über ihn aus. Unser Charakter manifestiert sich in jeder unserer Handlungen. Wenn wir erfahren, dass eine Person jeden Morgen genau drei Minuten lang seine Zähne putzt und 28 Paar exakt gleiche Socken hat, sagt uns das bereits SEHR viel über die Person. Frühstückt sie Lachsschaumcreme auf Avodcadoherzen in der Badewanne? einen Latte Macchiato im Stehen in der Bahn? Wie sieht die Wohnung aus? Die Bilder an der Wand? Das Bett?

Meinungen (Frau X ist nett / doof) sagen eine Menge aus, sind aber veränderlich. Weniger veränderlich sind die Ansichten, die auf gefestigten oder zumindest fest geglaubten Fakten beruhen: Was denkt die Person über das andere Geschlecht? Über Erfolg? Geld?

Noch tiefer im Eingemachten verankert sind die Glaubensgrundsätze und Überzeugungen: Alle Männer sind ..... Die Menschen lieben mich nur, wenn ich ... Wie sehr wertschätzt die Figur sich selbst? Andere Menschen? Was sind ihre Vorstellungen von gut und böse? Wie ist ihre Sicht der Welt?

Interviewer: Sind Sie Pessimist oder Optimist?

Woody Allen: Ich bin Realist.

Interviewer: Ich meine, würden Sie sagen, das Glas ist halbvoll oder halbleer?

Woody Allen: Ich würde sagen, das Glas ist leer.

Charakter in 3D: ein Fragenkatalog

Hier ein kleiner Work-In-Progress-Fragenkatalog. Wenn man alle diese Fragen für seine Figur beantwortet hat, kennt man sie bereits ein gutes Stück besser. Vielleicht inspiriert es auch andere, ihre eigenen Fragenkataloge zu schreiben.

Oft ist von einer "dreidimensionalen" Figur die Rede. Was liegt daher näher, als zu erforschen, was über, unter, vor, hinter und rechts und links von der Figur liegt?

Über ihm

Worauf schaut er auf? Was sind seine Ideale? Was sind seine Werte? Was sind Attribute, Eigenschaften, Umstände, die er bewundert und für erstrebenswert hält? Was inspiriert ihn? Was sind seine guten Eigenschaften?

Das Damoklesschwert seines Charakters: Was hindert ihn daran, glücklich zu sein? - welche "falschen" Verhaltensweisen, Denkweisen und Wertmaßstäbe müsste er überwinden, um ein größeres Bewusstsein zu erlangen und ein glücklicheres Leben zu führen?

Was hält die Figur von sich selber? Wie genau oder verzerrt ist ihre Selbstwahrnehmung? Findet sie sich toller als sie ist? Übler, als sie ist? Wie viele ihrer Gedanken kreisen um sich selbst? Ist sie kokett? Narzistisch? Überschätzt die Figur sich selbst und ihre Qualitäten? Hat die Figur das Gefühl, ihr steht mehr zu, als sie hat? Oder ist sie zufrieden? Hat sie einen Minderwertigkeitskomplex?

Unter ihm

Was ist seine größte Angst? Was wäre das schlimmste, was ihm passieren könnte?

Was verachtet und verabscheut er am meisten auf der Welt? Welche Eigenschaften? Umstände? Lebensweisen?

Welche seiner eigenen Persönlichkeitsanteile oder Charaktereigenschaften verachtet und verabscheut er am meisten an sich? Was sind seine schlechten Eigenschaften? Was sind seine "Abgründe"? Gibt es etwas, wovor er fliehen oder sich verstecken will? Oder sollte? Ist er in der Lage, seine Fehler zu sehen, und an ihnen zu arbeiten?

Neben ihm

Eine wichtige Frage: wie wichtig ist ihm die Meinung oder Bestätigung anderer? Wieviel von dem, was er tut und sagt, tut er, um anderen zu gefallen? Wie abhängig ist er davon, was andere von ihm denken?

Bemüht er sich, ein Mensch zu sein, den alle mögen?

Oder ist er unabhängig vom Urteil anderer? Autonom, mit seinem eigenen Werten? Egoistisch, mit dem Blick nur auf seinen Vorteil? Spielt er gut im Team? Ist er ein Einzelkämpfer?

Welche Meinung hat er von der Gattung Mensch? Denkt er, Hopfen und Malz seien eh schon verloren? Hält er die Menschheit noch für rett- und belehrbar? Geht er auf die Menschen zu, oder meidet er sie?

Wer sind seine Freunde? Partner? Soul Mates? Welche Partner sucht er sich? Beruflich? In einer Beziehung? Will er im Team spielen, anführen, sich unterordnen und Verantwortung abgeben? Will er seine Partner leiten? Belehren? Unterstützen? Will er ihre Wünsche erfüllen, um Bestätigung zu bekommen?

Welche Eigenschaften schätzen und bewundern andere an ihm? Welche Eigenschaften belächeln andere an ihm? Welche seiner Eigenschaften wirken auf andere nervig, irritieren, negativ, abstoßend?

Hinter ihm

Wie war seine Kindheit? Wie waren seine Eltern? Hat ihre Beziehung stark in seine Persönlichkeit eingegriffen? Hat diese Manipulation die Figur verändert? Ihre Maßstäbe für „Erfolg“ im Leben geprägt? Wie musste sich die Figur verhalten, um Bestätigung ihrer Eltern zu erlangen? Hat sie das getan? Hat sie sich verweigert? Hat sie sich gegen ihre Eltern gestellt, weil die sich ungerecht oder gewalttätig verhalten haben? Hat die Figur sich ihren Eltern entzogen und sich quasi selbst erzogen?

Wie ist das Verhältnis der Figur zu ihren Eltern heute? Ist der Figur die Bestätigung ihrer Eltern oder Mentoren immer noch wichtig? Sind es immer noch Eltern oder Freunde? Menschen, deren Rat man sucht und schätzt? Oder die Figur sich andere Vaterfiguren gesucht?

Wie waren die Umstände in Bezug auf Bildung? In Bezug auf Geld? Wie war das soziale Umfeld? Wie sehr hat es die Figur geprägt? Hatte die Figur Geschwister? Welche Bedeutung spielten und spielen diese in ihrem Leben?

Vor ihm

Wie begegnet die Figur der Welt? Freudig und extovertiert? Ängstlich und introvertiert? Ablehnend? Was hält die Figur von der Welt? Will sie sie verändern?

Sieht die Figur der Zukunft freudig entgegen oder ängstlich? Ist sie gespannt auf die Möglichkeiten oder verängstigt durch die Gefahren von Veränderungen und Altern? Mit welchem Blick begegnet die Figur der Zukunft? Herausfordernd? Bedacht? Mutig? Mit gesenktem Blick?

Schreitet die Figur voran, der Zukunft entgegen, oder bleibt sie stehen? ? Ist sein Blick nach vorne gerichtet auf die Zeiten, die kommen? Oder in die Vergangenheit gerichtet, wo alles viel besser oder sicherer war? Wie steht die Figur zu Veränderungen? Braucht sie Veränderung, um sich nicht zu langweilen? Oder hat sie sich in der Gegenwart – oder einer Vergangeheit - eingerichtet und möchte, dass alles so bleibt wie es ist? Oder das alles wieder so wird, wie es mal war? Ist der Charakter progressiv? Konservativ? Reaktionär?

Was wünscht sie die Figur von der Zukunft? Arbeitet sie selbst daran, dass ihre Wünsche in Erfüllung gehen? Lebt sie ihr Leben aktiv? Entwickelt sie sich? Sucht sie neue Wege, Herausforderungen?

Oder hat sie das Gefühl, keine Macht oder Kontrolle über ihr Leben zu haben? Ängstigt sie das Leben? Ist sie haltlos? Möchte sie die Kontrolle über ihr Leben einem anderen Menschen übertragen? Will sie anderen den Weg zeigen? Will sie Teil einer Gemeinschaft sein, die einen Weg ebnet? Möchte sie jemandem folgen, der ihr den Weg weist?

Wie belehrbar ist die Figur? Wie sehr ist sie davon überzeugt, dass ihre Meinungen und Überzeugungen die richtigen sind?

Charakter und Plot: Charakter und Herausforderung in Kurzgeschichten und Erzählungen

2011-03-27T01:56:00.001-07:00

Ich hatte ja bereits die Character Arc an anderer Stelle erwähnt – die innere Entwicklung der Hauptfigur, geprägt durch die Ereignisse der Geschichte. Heute möchte ich diesen Zusammenhang mal ein bisschen näher unter die Lupe nehmen. Ich lege denn Schwerpunkt auf Kurzgeschichten und Erzählungen, denn in der Praxis lässt sich für viele von uns in einem absehbaren Zeitraum nichts anderes realisieren als eine Kurzgeschichte oder eine Erzählung. Daher fand ich es für mich sehr ergiebig, mich mit der Dynamik und dem Ansatz einer kurzen Erzählung auseinanderzusetzen. Und hier ist die Verknüpfung von Charakter und Handlung sehr, sehr eng. Oft wird nur ein kleiner Moment herausgepickt, der aber für den handelnden Charakter oft ein Schlüsselpunkt seines Lebens ist. Oder eine Chance, die er nicht wahrnimmt.

Einige mögliche Ansätze:

Wie ein Mensch zu dem wird, was er ist.

Wir alle werden uns unser ganzes Leben lang an eine Handvoll Ereignisse aus unserer Kindheit und Jugend erinnern, Momente, in denen etwas geschah, was uns tief geprägt hat, unseren Charakter und unsere Wertvorstellung. Wir waren danach andere Menschen als zuvor. Das Erlebnis kann inspirierend und ermutigend sein, oder der Grundstein für Angst und Unsicherheit, dass auf viele Jahre seines Lebens einen Schatten wirft.

In der vierten Staffel von THE WIRE, in der Schule das zentrale Thema ist, bekommt der 13jährige Randy fünf Dollar dafür, dass er einem Mitschüler sagt, seine Freundin warte dann und dann da und da auf ihn. Später wird er erfahren, dass dieser Schüler dort hingelockt wurde, um erschossen zu werden. Die Folge endet damit, dass er regungslos auf der Treppe vor seinem Haus sitzt. Seine Mutter ruft in zum Essen, doch er regt sich nicht. Das letzte Bild der Folge ist Randys Gesicht, den Blick starr nach vorne gerichtet. Wir können nur ahnen, was innerlich gerade in ihm vorgeht.

Eine sehr beeindruckende Wie ich wurde wer ich bin-Geschichte ist THE KILLING JOKE (dt. Bitte Lächeln) von Alan Moore, eine Geschichte aus dem Batman-Universum. Ein kleines Meisterwerk und ein Comic, aus dem jeder, in vielerlei Hinsicht, viel lernen kann. Die Geschichte verläuft in zwei Handlungssträngen: in der einen entführt der Joker den Commissioner Gordon und versucht ihn wahnsinnig zu machen; er will damit beweisen, dass jeder zum Wahnsinnigen, letztendlich zum Täter werden kann, wenn man ihn über die Klippe seines Verstandes schubst. Parallel dazu wird erzählt, wie der erfolglose Komiker, der der Joker mal war, sich in einen kleinen Raub verwickeln lässt, um mit dem Geld seiner schwangeren Frau und seinem zukünftigen Baby eine bessere Zukunft zu ermöglichen. Die Geschichte stellt, wie viele Geschichten Moores, die Kategorien von Gut und Böse infrage.

What might have been oder Wie ein Mensch der Mensch wird, als der er gedacht war

Menschen werden in frühen Jahren vielen Manipulationen ausgesetzt. Vielleicht treibt sie Schikane in der Schule dazu, sich von Menschen komplett zurückzuziehen. Eltern programmieren ihre Kinder dazu, ein bestimmtes Verhalten an den Tag zu legen, um Liebe zu bekommen. Alle möglichen Zwänge und Ängste zwingen uns in Rollen, die nicht unserer Natur entsprechen. In der Generation meiner Eltern erlebe ich sehr viele Menschen, die nie die Chance bekommen haben, ein Leben zu führen, dass sie sich gewünscht hätten. Sie sind ihr ganzes Leben in Schuhen gelaufen, die ihnen nicht passten. Zwänge und Ängste haben ihr Leben bestimmt. Ich bin in meinem Leben nicht vielen Menschen begegnet, die genau das Leben führten, das sie sich wünschen.

Es gibt einen Text auf der Satireplattform THE ONION, der mir bewusst gemacht hat, wie wenige Menschen das Glück haben, ihre Bestimmung und Erfüllung zu finden. Er berichtet von einer 97-jährigen ehemaligen Postangestellten irgendwo in der amerikanischen Provinz, die stirbt, ohne sich jemals bewusst zu werden, dass sie ein ein musikalisches Wunderkind war. Sie kam einfach nie in die Gelegenheit, eine Violine in die Hand zu bekommen oder eine Ausbildung in dieser Richtung auch nur zu erwägen.

Eigentlich lese ich THE ONION, weil es kaum etwas witzigeres gibt, aber dieser Text ist das traurigste, was ich je gelesen habe.

Doch wenn wir Glück haben, erleben wir durch Begegnungen und Ereignisse einen Wendepunkt in unserem Leben, der uns klar macht, als wer wir gedacht sind, und wie wir unser Leben so führen können, dass es im totalen Einklang mit uns selbst ist. Das Glück, das Menschen ausstrahlen, die ein Leben im totalen Einklang mit sich selbst führen, ist ungeheuer und fast unerträglich. Wer mal Timo Würz erlebt hat, kriegt eine Vorstellung davon.

Viele kleinere europäische Filme handeln von Menschen, die sich auf den Weg zu sich selbst begeben. Vielleicht schaffen sie es , vielleicht nicht. Vielleicht erleben sie in ihrem ganzen Leben nur diesen einen Moment, in dem sie im kompletten Einklang mit sich selbst sind. Und kurze Geschichten sind perfekt dafür, solche Momente einzufangen.

EIN Geisterfahrer? Hunderte! Oder Die anderen sind das Problem.

Es gibt einen Witz von einem Autofahrer, der im Radio hört, dass auf seiner Autobahn ein Geisterfahrer unterwegs ist.

„EIN Geisterfahrer?“ ruft er, „Hunderte!“

Oft ist es unser eigener Charakter, in dem wir gefangen sind. Immer wieder im Leben wird es Herausforderungen geben, die uns die Chance geben, unser Verhalten infrage zu stellen. Wird diese Situation ein Wendepunkt für mich sein? Wird sie mich dazu bringen, mich zu ändern? Bin ich in der Lage, mich selbst zu reflektieren, und meine Fehler einzusehen? Führt dieses Ereignis zu einem Wendepunkt in meinem Leben, der letztendlich zu einem glücklicheren Leben führt? Bei vielen, vielen Menschen lautet die Antwort „Nein’“.

SUMMER BLONDE von Adrian Tomine kreist um eine Blondine, die Männer mit einer Salatbar vergleicht: Man nimmt sich von jedem das, was man braucht. Sie hat einen Boyfriend, von dem sie sich die „Nestwärme“ und Sicherheit abholt und eine Affäre mit Carlo, einem Musiker, der gut im Bett ist. Ein dritter, Neil, ist heimlich in sie verliebt, und spricht sie schliesslich im Supermarkt an, was komplett in die Hose geht. Als ihr Freund ihn daraufhin bedroht, steckt er ihm, dass es da noch einen anderen gibt. Er erwischt die beiden, geht mit dem Baseballschläger auf Carlos los und bricht ihm den Kiefer. Sie macht darauf hin Schluss mit ihrem Freund, und Carlos macht daraufhin im Krankenhaus Schluss mit ihr.

Am Ende der Geschichte treffen sich die Summer Blonde und Neil in einer überfüllten U-Bahn wieder. Neil ist leider gezwungen, direkt neben ihr stehen zu bleiben, weil nirgendwo mehr Platz ist. Er erklärt, dass er sogar in eine andere Gegend gezogen ist, damit sie sich nicht mehr begegnen müssen. „Sie müssen mich ja wirklich … hassen“.

„Ja … aber nicht mehr als alle anderen auch.“

SIE hasst alle anderen. Die anderen sind das Problem.

Viele Geschichten von Adrian Tomine, Chester Brown oder auch Joe Matt handeln von Menschen, die in ihrem Wesen und Charakter gefangen sind. Es kommen Herausforderungen, Möglichkeiten, Chancen, aber sie werden nicht wahrgenommen und ausgelassen, und die Menschen leben weiter wie bisher.

Guck mal, was für komische Menschen es gibt

Besonders für sehr kurze Geschichten geeignet sind Momentaufnahmen, in denen es ohne viel Plot vor allem darum geht, die Absurdität mancher Charaktere darzustellen, wie man vielleicht eine seltsame Orchidee beschreiben würde. Auch diese Menschen sind meistens komplett unbefleckt von Selbsterkenntnis, und das macht die Begnung mit ihnen so amüsant - oder ärgerlich.

"Lolita" von Dorothy Parker

Nicht zu verwechseln mit dem Roman von Nabokov. Es geht um eine aufgeweckte, extrem narzisstische Witwe, Ms. EWING, in vielerlei Hinsicht eine typische SIEBEN, deren Leben aus Party, Ausgehen und Erleben besteht. Sie ist immer überall dabei, immer mitten im Rummel. Ihre Tochter, Lolita, ist ein stiller kleiner Lesewurm, was sie mit einer Mischung aus Mitleid und Verachtung betrachtet.

Dann kommt, geradezu in JANE AUSTEN-Manier, ein reicher, schöner Mann into Town, um sich eine Frau zu suchen. Alle Frauen der Stadt fahren auf, was sie können, doch er entdeckt – ausgerechnet – die stille Lolita für sich.

Als Ms. Ewing ihn das erste Mal bei ihrer Tochter antrifft, setzt sich sich sofort dazu und mischt sich ins Gespräch, damit sich der Mann mit der Tochter „nicht so langweilt’“. Von da an kommt der Mann nicht mehr zu Besuch, sondern holt Lolita ab. Während die beiden sich immer näher kommen, äussert Miss Ewing die ganze Zeit ihr Bedauern über ihre arme Tochter, die sicher sehr leiden wird, wenn der Typ ihrer überdrüssig wird – schliesslich hat Lolita ja nichts zu bieten.

Nun, es läuft grandios mit den beiden. Sie verloben sich, und heiraten. Ab Tag der Hochzeit besäuft sich Miss Ewing gnadenlos und erzählt jedem, dass sie den Mann am liebsten selbst heiraten würde.

Lolita und ihr Mann ziehen weg und verbringen einen Großteil ihrer Zeit auf Reisen. Sie sind sehr, sehr glücklich. Einmal im Jahr kommen sie Miss Ewing besuchen, die unbeirrt weitermacht wie bisher, „denn Miss Ewing war kein Typ, der aufgibt.“

Die Gute ist derart auf dem Holzweg, und derart frei von Selbsteinsicht, dass man sich beim Lesen krümmt vor Phantomschmerz, als würde man mitansehen, wie jemand direkt auf eine Wand zufährt, ohne sie zu sehen.

Ein weiteres Beispiel stammt von dem russischen Erzähler Wassiliy Schukschin. Die Bekanntschaft mit diesem Autor, der fast nur Dorfgeschichten schrieb, ist das beste, was ich in vier Jahren Russischstudium mitgenommen habe.

In seiner Geschichte „Ein kräftiger Kerl“ (Krepkij Muzhik) geht es um den Bauarbeiter Nikolaj, der die Idee hat, die Kirche des Dorfes, aus dem 16. Jahrhundert abzureissen, weil es ja immer an Ziegeln fehlt (er will einen Schweinestall damit bauen), und die Kirche benutzt ja eh keiner mehr. Er fragt seinen Vorgesetzen, was der von der Idee hält, und der sagt so etwas wie „Pff, meinetwegen“. Es ist ihm egal.

Als das Dorf mitbekommt, dass er mit drei Bulldozern auf die Kirche zusteuert, versammeln sich alle vor der Kirche, um sie zu schützen. Der Dorflehrer stellt sich direkt vor den Bulldozer Nikolajs, um ihn aufzuhalten, aber der hält stur drauf und hätte sogar den Lehrer überrollt, wenn der nicht rechtzeitig weggesprungen wäre. Das alte Steingebäude wehrt sich, so gut es kann. Schliesslich kracht es ein.

Nikolaj ruft seinen Vorgesetzten an, um ihm mitzuteilen, dass die Mission erfüllt ist. Leider sind die meisten der Steine zu verklebt, um sie noch zu verwenden.

Es war also alles umsonst.

Ein Bauwerk aus dem sechzehnten Jahrhundert, unwiederbringlich zerstört innerhalb weniger Minuten. Für nix.

Als er nach Hause kommt, ist seine Frau ausgezogen, und seine Mutter sitzt auf dem Ofen und weint vor Enttäuschung und Scham. Sie mochte die Kirche, und sie freute sich, sie zu sehen, wenn sie Wasser holen ging. Wenn man die Kirche sah, wusste man, dass die Hälfte des Weges geschafft ist.

Nikolaj versteht beim besten Willen nicht, wo das Problem ist. Er geht in seine Stammkneipe, wo er nicht bedient wird. Alle sind wütend auf ihn.

Nikolaj versteht immer noch nicht, wo das Problem liegt.

Er steigt auf sein Motorrad und rast aufs Feld hinaus. Der letzte Satz der Geschichte ist „er fuhr gerne schnell.“

Mangelnde Fähigkeit zur Selbsteinsicht ist wie eine starke körperliche Behinderung, und kann sehr amüsante und ärgerliche Folgen für alle Beteiligten haben. Leider leiden sehr, sehr viele Menschen unter dieser Behinderung. Deswegen ist es wohl so amüsant, sich das sogenannte Arbeitslosenfernsehen anzusehen. Wir können nicht glauben, dass es solche Leute wirklich gibt.

Charakter: Die innere Gestalt

2011-03-21T05:58:00.000-07:00

oder Welcher Typ bin ich?

Tobi Dahmen beschrieb seinerzeit mal das Phänomen, dass Menschen sich gleichzeitig abgrenzen, andererseits aber auch dazugehören wollen. Die Sehnsucht nach Einzigartigkeit geht Hand in Hand mit irgendeinem seltsamen Wunsch, sich selbst irgendwo einordnen zu können. Jeder, der mal Internet-Dating betrieben hat, kennt die immergleichen Steckbriefe und Profile mit dem Motto „Carpe Diem“, alle lesen, hören und mögen irgendwie dasselbe und behaupten stolz, sie seien „ein typischer Widder“, und der letzte Satz ist immer derselbe: Ich bin ICH!!!! Und ich werde mich für niemanden ändern!!!!!!!!!!! Nur echt mit einer Hundertschaft Ausrufezeichen.

Wenn man sich viel mit Menschen beschäftigt, kommt man schnell dahin, die Individualität, auf die in unserer Kultur alle soviel Wert legen, ein bisschen infrage zu stellen.

Es gibt Dutzende von Kategorisierungsformen, Feuer- oder Wassertypen, ayurvedische Typen, westliche und chinesische Tierkreiszeichen, alles vergnüglich und teilweise aufschlussreich.

Was die Typisierung von Charakteren betrifft, halte ich die Lehre des Enneagramms für sehr hilfreich, die neun Charaktertypen unterscheidet. Natürlich ist auch das Enneagramm nur eine Theorie, ein Lösungsansatz, aber eben der Ansatz ist für mich das interessanteste:

Das Enneagramm fragt nicht, in welchem Jahr oder Monat man geboren wurde, ob man gerne Fleisch ist oder rosige Haut hat.

Das Enneagramm versucht, zu ergründen, was die Menschen in ihrem Innersten antreibt.

Und das ist eine wichtige Frage, die man für jede Figur beantworten sollte, für die man schreibt.

Die Typen des Enneagramms liefern einen wunderbaren Werkzeugkasten als Ausgangspunkt für Haupt- wie Nebencharaktere. Natürlich gibt es solche Typen selten in Reinform. Das Enneagramm kennt viele Kombinationen von zwei oder drei Typen, und dann wird das charakterliche Profil schon sehr greifbar. Die umsorgende Figur zwei, die sich für andere aufopfert und innerlich aufrechnet, wieviel sie gibt und zurückbekommt, kommt häufig in Tateinheit mit Typ sechs, die in allem erstmal die Gefahr wittert, und deren Hauptwunsch es ist, sich in Sicherheit zu bringen.

Ich habe das Gefühl, die halbe Generation meiner Mutter ist so drauf.

Aber für alle diese Typen gilt: jeder ist diesen sei Leuten schonmal begegnet. Und das Enneagramm versucht und schafft eine Annäherung, an das, was uns antreibt, und warum.

Typ 1: Der Perfektionist

Der Perfektionist hat eine sehr deutliche Vorstellung davon, wie die Welt sein sollte, und glüht vor Wut darüber, dass nicht so perfekt ist, wie er sie gerne hätte. Der Perfektionist sieht bei allem erstmal das Haar in der Suppe.

"Ein großartiges Buch, hat mich tief berührt und mein Leben verändert. Auf Seite 172 ist übrigens ein Kommafehler."

Die "Einser" sind die Leute, die sich in Blogs darüber auslassen, was man alles bei "Herr der Ringe" hätte besser machen können (ohne natürlich selbst jemals etwas mit Film oder Drehbuchschreiben zu tun gehabt zu haben). Das sind die Leute, die in Leserbriefen auf winzige Fehlerchen hinweisen, und die Mails an Cartoonisten schicken, wenn der Affe auf dem Bild eine Banane anders hält als in "Wirklichkeit". Sie rennen rum und korrigieren und bekritteln rechts und links. Sie versuchen als allem das Optimum herauszuziehen, alles "perfekt" und optimiert anzugehen, und können Fehler und Unzulänglichkeiten - bei sich und anderen - sehr schwer verzeihen.

Wir alle haben schon Leute erlebt, die vor Enttäuschung zusammenbrechen, wenn sie statt der Eins "nur" eine Zwei bekommen haben. Und es fällt nicht schwer, sich vorzustellen, welche Prägung von seiten der Eltern diesem Verhalten zugrunde liegt. Nur das Perfekte bekam die Bestätigung.

Auf der Habenseite können diese Menschen auch die Vision einer besseren, gerechteren Welt haben, und alle eigenen Bedürfnisse zurückstellen, um diese bessere Welt zu erkämpfen.

Im Alltag begegnen uns die meisten "Einser" allerdings nur als überpedantische, kleinkarierte, selbstgerechte ewige Nörgler.

Die Einser in der Story: Da Perfektionismus generell keine schlechte Eigenschaft ist, kann die "Eins" als Protagonist ebenso auftreten wie als lustiger pedantischer Kollege nerdiger Sidekick. Die Eigenschaft des Perfektionismus kann sehr komische Züge tragen.

Der Fürsorgerer

Eigentlich müsste es "die Fürsorgerin" heissen, denn dieser Typus Helfers, der im Extremfall bereit ist, sich bis zur Selbstaufgabe um die Belange anderer zu kümmern, ist oft, sehr oft, weiblich. Die "Zwei" hat immer ein offenes Ohr für die Probleme anderer, hilft mit und kümmert sich wo immer sie kann. Dahinter steht der erlernte Mechanismus, dass man nur geschätzt wird, wenn man sich selbst zurücknimmt und für andere da ist. Dahinter steht allerdings auch die Erwartung, dass man für seine Opfer als Gegenleistung gefälligst auch Liebe und Zuneigung zu bekommen hat. Viele Zweier rechnen innerlich auf, was sie geben und was sie zurückbekommen.

Der Archetyp der Fürsorgerin erscheint in Geschichten oft als gutmütige Mutter oder Oma. In vereinzelten Geschichten geht es darum, dass diese Personen, die ihr Leben für andere da waren, endlich mal die Lederstiefel auspacken und endlich losziehen und sich ihre Wünsche erfüllen. Die komplexeste "Zwei", die mir begegnet ist, ist Ruth Fischer, die Mutter des Hauses in SIX FEET UNDER.

Dieser Typus geht oft und gerne einher mit dem Typ sechs, dessen Hauptziel es ist, sich in Sicherheit zu bringen und zu bleiben.

Der Leistungsmensch

Der Leistungsmensch ist am liebsten da, wo das Geld und das Prestige ist. Es ist der umtriebige Geschäftsmann, der uns auf der Zugfahrt gegenübersitzt und acht PowerPoints vorbereitet, während er die ganze Zeit über sein Headset mit seinen Geschäftspartnern konferiert. Der Leistungsmensch hat einen enormen Output und enorm viel vorzuweisen, wobei es ihm egal ist, auf welche Weise und mit welchen Mitteln er sein Ziel erreicht hat. Er hat gelernt, dass die Eins auf dem Zeugnis zu Bestätigung führt. Dass er abgeschrieben hat, ist doch egal, oder? Auch hier kann man sich gut vorstellen, wie durch den Einfluss der Eltern eine solche Programmierung zustande gekommen ist.

Leistungsmenschen haben keine besonders ausgeprägte soziale Intelligenz, sind opportunistisch und extrem konkurrenzbewußt. Seine Werte sind nur Besitz, Prestige und erreichte Ziele.

In vielen Geschichten, speziell in Hollywood, ist ein solcher Leistungsmensch oft die zentrale Figur, die durch einen Schicksalsschlag oder eine Begegnung schliesslich lernt, worauf es "wirklich ankommt".

Der Individualist / Träumer / Romantiker / Künstler

Die "Vier" hatte entweder abwesende Eltern, oder deren Wertesystem was so weit weg vom eigenen, dass die Vier sich nach innen wandte und viel, VIEL Zeit zuhause verbrachte. Sehr häufig gehen sie ihren künstlerischen Neigungen länger nach als die meisten anderen Kinder, und finden dort ihre seelische Heimat. Sie sind hin- und hergerissen zwischen der Begeisterung dafür, wie besonders und einzigartig sie sind, und sehr ausgeprägten Selbstzweifeln oder Selbsthass. Vierer können ganze Tage damit zubringen, vor sich hin zu träumen, sich nach dem unerrreichbaren Glück und dem unerreichbaren besseren Leben zu sehnen, ohne jemals auf die Idee zu kommen, dass sie selbst Einfluss auf ihr Schicksal haben könnten.

Erinnert sich jemand an den Prinz aus "Ritter der Kokosnuss", der im Fenster sitzt und "immer nur ... singen" will? So sieht eine Vier aus. Immer in der stillen Sehnsucht nach dem unerreichbaren Glück gefangen, und gleichzeitig grenzenlos verliebt und absorbiert in sich selbst und ihre Besonderheit.

Nicht besonders zu sein, wäre die größte Katastrophe für einen Vierer.

Extrem viele Comiczeichner sind Vertreter dieser Kategorie.

Typ Fünf, der "Forscher" oder "Analytiker"

... war in seiner Kindheit soviel Enmischung ausgesetzt, sei es von seiten bevormundender Eltern oder ein Haushalt mit vielen Kindern in wenig Raum, das er bereits früh den Abstand und den Rückzug suchte. Er betrachtet das Leben und die Menschen mit Misstrauen und Distanz. Sein Antrieb ist, zu verstehen, und so liest und analysiert er. Viele Fünfer werden Wissenschaftler, Experten und Autoritäten auf ihrem Gebiet, nicht selten etwas ungelenkt im Umgang mit Menschen, einfach, weil sie es nicht gewohnt sind. Fünfer sagen wenig, wägen ihre Worte ab, aber was sie sagen, hat Substanz. Sie haben oft eine Verachtung für Banalität und Oberflächlichkeit.

In Stories tauchen die "reinen" Fünfer zumeist als THE BRAIN auf, die zurückgezogene, verschrobene oder mysteriöse Autorität mit dem Durchblick.

Typ sechs: Der Ängstliche, Besorgte, Loyale

Typ sechs war in seiner Kindheit einer derartigen Übermacht an Autorität oder Einschüchterung ausgesetzt, dass er beschloss, eh keine Chance zu haben und sofort die weisse Fahne schwenkte. Ihr Hautbedürfnis ist es, sich in Sicherheit zu bringen, finanziell, gesundheitlich oder sozial. Ich kenne Leute, die sich regelmäßig mit "Freunden" treffen, die sie noch nicht mal besonders mögen, einfach nur aus der Erwägung heraus, dass sie ja mal einsam sein könnten und sich deshalb jeden Mensch warmhalten wollen, den sie kriegen können. Sechser sehen immer zuerst die Gefahr und nicht die Möglichkeiten. Die Tante, die ihrem Neffen von der Brasilienreise abrät, weil sie einen Bericht im Fernsehen gesehen hat, wie gefährlich es dort sei. Frauen, die wohlhabende oder autoritäre Männer heiraten, um finanziell abgesichert zu sein oder keine eigenen Entscheidungen fällen zu müssen. Sechser sind schnell in der vorauseilenden Defensive: "ich kann sowas ja GAR nicht", "ich bin zu ungelenkt / zu dumm dafür". Indem sie alle ihre Entscheidungen aus dem Bedürfnis nach Sicherheit treffen, versagen sie sich viele Möglichkeiten zur Entwicklung, und treffen viele falsche, manchmal fatale Entscheidungen. Das Bedürfnis nach sozialer Sicherheit, nach der Geborgenheit einer Gruppe lässt sie zu sehr loyalen Anhängern und "Soldaten" werden, die die Ideen eines Führers oder einer Glaubensrichtung bis aufs Blut verteidigen.

Sieben: Die Enthusiasten

Siebener, sind die zweiten "Kreativen" unter den Archetypen des Enneagramms. In Reinkultur sie humorvoll, sprühend, oft etwas clownhaft, und haben eine Aufmerksamkeitsspanne von drei Sekunden und praktisch kein Durchhaltevermögen. Sie sind fasziniert und sehr begeisterungsfähig, und können in pure Arbeitswut verfallen, wenn sie von einem Projekt besessen sind. Aber sobald die nächste schöne Blume auf der Wiese sichtbar wird, lässt ihr Interesse nach. Ihr Antrieb ist die Suche nach Vergnügen, Genuss, Erleben, nach Neuem und Spannenden. Das Ergebnis ist häufig viele Talente, die nicht entwickelt werden, viele Kurzzeitpartner, viele angebrochene Baustellen, und wenig, sehr wenig, von Dauer.

Acht: Der Boss

Die "Acht" hat einen sehr, SEHR starken Willen, und tut sich schwer damit, sich unterzuordnen. Vielleicht war sie in ihrer Kindheit einer ungerechten oder willkürlichen Autorität unterworfen, gegen die sie irgendwann rebellierte. Jedenfalls kann sie schwer ertragen, gesagt zu kriegen, was sie zu tun hat. Lehrer kriegen es schnell mit ihrem oft aufbrausenden Zorn zu tun. Achter haben ein starkes Selbstbewusstsein und fordern Autoritäten heraus, weil sie sich im Recht fühlen, es besser zu machen glauben oder schlicht weil sie Autoritäten als Konkurrenten oder Gegner sehen. Die in anderen Kontexten als "Alphatiere" bekannten Wesen lieben das Aufbäumen, die Herausforderung, sich einem Befehl zu widersetzen, wie ein Hirsch, der sich in den Hörnern eines Konkurrenten verhakt.

Eine "Acht", die ich kenne, machte eine Bilderbuchkarriere beim Militär. Er wollte sich tätowieren lassen - ein kleines Symbol auf dem Arm - und fragte diesbezüglich bei seinem Vorgesetzten nach.

Der gab ihm zu verstehen, dass ein Tattoo seine Karrierechancen beeinträchtigen könnten.

Daraufhin liess sich mein Bekannter in ein Tättoostudio den kompletten Rücken zutätowieren.

Achter kriegen was sie wollen. Sie sind, wie gesagt, sehr selbstbewusst, arbeitswütig, lebenshungrig. Und je nach moralischer Festigkeit nehmen sie sich das, was sie wollen, notfalls mit Gewalt. Sie finden immer eine Rechtfertigung ihrer Handlungen, und suchen den Fehler nie bei sich. Die Machtgetriebenheit auf der einen und der, ähem, STARRSINN auf der anderen macht sie zum Protagonisten vieler Geschichten. Tony Soprano ist ein wunderbares Beispiel.

Die Neun: Der Harmoniesuchende

Irgendwo habe ich mal gelesen, die Neuner seien "das soziale Schmiermittel der menschlichen Gesellschaft". Harmonie geht ihnen über alles, sie wollen sich mit allen gut stellen und es alle recht machen. Sie sind das Gegenteil von radikal. Sie können sich hervorragend auf andere einstellen und sie geradezu wiederspiegeln. Sie finden einen Konsenz mit fast jedem Menschen in fast jedem Thema. Und dadurch, dass sie so wenig Persönlichkeit und Profil zeigen, scheinen sie als Menschen schwer greifbar, und haben sie selbst nur eine sehr diffuse Vorstellung davon, wer sie selbst nun sind. Da sie relativ wenig Zeit damit verbringen, sie selbst zu sein.

Character revisited: die äussere Gestalt

2011-03-13T04:36:00.000-07:00

Diese Woche geht es im weitesten Sinne um Character Design. Die meisten Comicbücher haben das eine oder andere Kapitel darüber. Zumeist werden stereotype Vorlagen geliefert: „Wie man eine Hexe zeichnet“, „Wie man einen Bösewicht zeichnet“, mit der Abbildung eines Stereotyps des jeweiligen Charakters.

Was so gut wie NIE gemacht wird, ist eine Analyse, welche äusserlichen Attribute welche Erwartungen oder Eindrücke wecken. Und hier sind wir schon bei der Physiognomik oder dem SIANG MIEN, wie die chinesische Kultur ihre Tradition des Gesichterlesens nennt. Die Physignomik ist eine PSEUDOWISSENSCHAFT, was bedeutet, dass ernsthafte Wissenschaftler darüber die Hände über dem Kopf zusammenschlagen, während sie andererseits seit Jahrhunderten Verbreitung und Anwendung findet.

Die Lehre der Physignomik sollte man nicht zu ernst nehmen und mit Vorsicht genießen, denn strikt genommen steckt dahinter die Ansicht, dass man vom Gesicht eines Menschen auf seinen Charakter schließen kann. Was natürlich Unsinn ist, jedem reflektierten Menschenbild widerspricht und Tür und Tor für Vorurteile jeglicher Art öffnet. In den USA gab es in den fünfziger Jahren Leitfäden für Firmenchefs, in denen mehr oder weniger stand, dass Personen mit ausgeprägten Stirnhöhlen eher für Lagerarbeit als für die Lohnbuchhaltung geeignet sind. Das Siang Mien geht gar soweit, Gesundheit, Glück und Zukunft einer Person aus dem Gesicht abzulesen. So habe ich zum Beispiel erfahren, dass mir aufgrund der Form meiner Nase zwischen 40 und 45 eine finanzielle Durststrecke bevorsteht. Ich erwäge jetzt eine OP.

Ich hoffe ihr versteht, was ich meine. Das mit dem nicht so ernst nehmen.

Und trotzdem wendet jeder von uns die Technik des „Gesichterlesens“ unterbewusst an – wir sehen die Gestalt eines Menschen und können nicht anders, als innerlich ein Urteil zu fällen – bevor wir auch nur ein Wort mit dem Betreffenden geredet haben.

Und alle erzählenden visuellen Medien bedienen sich massiv aus genau diesen Erwartungen. Das extremste Beispiel sind die klassischen Disneys, wo man einen Blick auf die Figur wirft und bereits genau weiss, wer der Held / der Clown / der Bösewicht ist. Jede Serie, jeder Film arbeitet mit der intuitiven Erwartung, die ein Gesicht in uns auslöst.

Mal ganz ehrlich …

Wie gesagt, Physiogniomik ist mit VORSICHT zu genießen, aber ich halte es für sehr sinnvoll, dass man einen Einblick in die Techniken des Gesichterlesens bekommt. So kann man Erwartungen von Lesern an eine Figur bewusster steuern und damit spielen.

Was sagen uns also die Komponenten des Gesichtes?

Haare

Haar steht für die generelle Stärke und Wiederstandsfähigkeit. Viele Heldengestalten haben kräftige, gesunde Haare und eine volle Mähne. Brüchiges, dünnes Haar hingegen wirkt fragil und ungesund.

Die Stirn

Hinter der Stirn ist das Gehirn, und je größer es ist, so scheinen wir zu denken, desto höher der obere Teil des Kopfes. Niedrige Stirn assoziieren wir mit Urmenschen und Affen. Somit steht die Stirn und ihre Höhe für Intelligenz, und im übertragenen Sinne für alles Höhere – Moral, Idealismus, Gerechtigkeitssinn. Eine flache Stirn steht in unserem Unterbewusstsein somit für für Dummheit und Triebhaftigkeit. Wenn dann noch ein tiefer Haaransatz dazu kommt, ist der MISTER HYDE-Effekt perfekt.

Eine hohe flache Stirn spricht gemeinhin für einen sachlichen, pragmatischen Typ, während eine stark gewölbte Stirn an das Kindchenschema erinnern und besonders idealistisch, aber auch träumerisch und naiv wirkt.

Das SIANG MIEN geht sogar noch einen Schritt weiter und unterteilt die Stirn in den oberen Abschnitt, der für die Ideale und das Träumen steht, und den unteren Stirnteil, der aussagt, wie sehr die Person in der Lage ist, ihre Träume und Wünsche in der Praxis umzusetzen.

Die Augen

„Die Augen sind der Spiegel der Seele“ hat mal irgendwer gesagt, und gemeint ist damit wohl, dass wir vor allem über die Augen versuchen, den anderen Menschen zu ergründen. Große Augen machen es uns leichter, die Menschen wirken offener, zugänglicher, „menschlicher“. Menschen mit sehr kleinen Augen wirken schnell unfreundlich, unzugänglich oder berechnend. Viele Bösenwichte in Filmen haben kleine Augen, oder auch Wilson Fisk, der Kingpin:

Wenn diese Augen dann noch zusammegekniffen sind und/ oder nach unten weisen, ist das Böse vollkommen.

Große, nach oben geneigte Augen, wie Angelina Jolie sie hat, sogenannte „Katzenaugen“, werden oft Menschen zugeordnet, die wissen was sie wollen, und wie sie es bekommen. Viele Models, aber auch viele BösenwichtInnen bei Disney haben diese einerseits sehr sinnlichen, andererseits sehr berechnenden Augen.

Die Nase

Sehr grob formuliert, könnte man sagen: je breiter die Nasenspitze ist, desto geselliger und den Menschen zugewandt ist sein Besitzer. Man denke an unzählige fröhliche Köche, schwatzhafte Schutzmänner oder Dutzende von herzlichen, humorvollen, aber etwas ungeschickten SIDEKICKS, die den Helden einer Geschichte begleiten – viele von ihnen haben knollige, kartoffelige Nasen.

Im Gegensatz dazu weisen spitze, schmale Nasenspitzen auf Egoismus, Berechnung, Gefühlskälte oder gar Grausamkeit hin.

Die Backen /Wangen

Zum einen erwecken volle, runde Backen den Anschein von Gesundheit – eingefallene oder flachen Backen lassen nämlich zu sehr den „Totenkopf“ unter unserer Haut hervorscheinen, und viele Krankheiten gehen mit dem Symptom eingefallener Wangen einher.

Zum anderen gelten Menschen mit vollen, fleischigen Wangen als sehr machtbewusst und autoritär. Viele Firmenchefs und politische Führer haben enorme Backen. Helmut Kohl, anyone?

Der Mund

Der Mund steht für Kommunikation, Sprache und sinnlichen Appetit. Essen und Sex. Die Lippen symbolisieren ebenso Libido, Genussfähigkeit wie die Fähigkeit, anderen Genuß zu bereiten. Runde, volle Lippen geben uns das Gefühl, dass eine Person anteilvoll und sensibel ist. Menschen mit großem Mund sind häufig laut, besonders wenn ihnen etwas gegen den Strich geht. Klaus Kinski, der eigentlich immer Sex hatte, wenn er nicht grade schlief, hatte einen sehr breiten Mund und sehr volle Lippen. Der ebenfalls eher breitgemundete William Dafoe spielt häufig Menschen, die in ihre sexuellen Obessionen verstrickt sind.

Dünne Lippen in einem kleinen Mund sprechen für Egoismus und eventuell Boshaftigkeit. Solche Menschen erwecken oft den Eindruck, kleinlich, genussunfähig oder bitter zu sein.

Genial besetzt ist für mich in diesem Zusammenhang Ralph Fiennes, in BRÜGGE SEHEN UND STERBEN, der hier einen extrem witzigen Soziopathen spielt, der seine Wut in keiner Weise unter Kontrolle hat und das Telefon zertrümmert, als er erfährt, dass sein Befehl nicht ausgeführt ist. Alles an ihm ist klein und schmal: kleine Augen, spitze Nase, kleiner Mund, schmale Lippen.

Das Kinn

Das Kinn steht für Willen und Durchsetzungsvermögen. Ein stolzer, selbstbewusster Mensch trägt sein Kinn weitaus höher als ein ängstlicher, unsicherer Mensch. Ganz deutlich sieht man das bei den Disney-Helden, die fast immer einen Kiefer von der Größe einer Badewanne haben.

Ein Sonderfall ist das spitz zulaufende Bösewicht-Kinn, was Hexen oft haben. Sie haben somit einen starken Willen – eine Hexe, der es egal ist, ob Hänsel und Gretel in ihr Häuschen kommen, wäre auch keine gute Story – aber eben niedere Absichten. Alles gebogene im Gesicht erweckt generell einen komischen Eindruck.

Leute mit fliehendem Kinn wirken auf der anderen Seite oft verängstigt, eingeschüchtert, willenlos und sehr, sehr passiv, und mögen keinen Pflaumenkuchen.

Sag A! oder Die Steckengebliebene Geschichte

2011-03-07T01:08:00.000-08:00

Eigentlich ist das Leben so einfach wie schlechter Sex: Wenn wir ein Ziel erreichen wollen, informieren wir uns, wie man dorthin kommt, und gehen bei „A“ los. Und kommen irgendwann bei Z wie Ziel an.

Aber das Problem ist: Wer sagt uns, wo das „A“ ist? Oder welches von den vielen „A“s wir nehmen sollen?

Jeder von uns kennt den Typus des Erreichers. Sie sind immer ordentlich angezogen, etwas zu formell für unseren Geschmack. Sie sind sehr pünktlich und verlässlich, aber ihre Witze sind schlecht, und sie haben einen Stock im Arsch. Aber eins müssen wir ihnen leider lassen: Sie erreichen immer ihre Ziele. Sie schaffen immer alles, was sie sich vornehmen. Und ihr einfacher Trick ist, dass sie ihr „A“ immer finden.

Was ihnen auch noch weiterhilft, ist, dass sie sich zumeist nicht für besonders spektakulär oder talentiert halten. Sie verbringen im Vergleich zu uns erstaunlich wenig Zeit damit, rumzusitzen und sich toll zu finden. Sie setzen sich hin und machen was auch immer sie machen wollen. Am Ende des Tages haben sie vielleicht eine kleine Blume aus dem Aquarelllehrbuch abgemalt. Wir schauen spöttisch drauf, aber vielleicht war das genau der Buchstabe der gerade anlag. Sie beenden ihre Arbeit, heften sie ordentlich ab, räumen ihren Schreibtisch auf und gehen ins Bett.

Während wir vor lauter großspurigen Projekten gar nicht aus und ein wissen und uns den Tag damit vertreiben, in Gedanken Dankesreden für Preise zu halten, Serien zu gucken oder an uns rumzuspielen. Wir beenden den Tag mit ein paar benutzten Taschentüchern, großen Plänen und dem Gefühl, dass wir geniales zustande bringen könnte.

Wenn man uns nur LIESSE.

Die Galerie des Scheiterns

Ich und 1000 Seiten
Der ungeschlagene Klassiker ist immer noch das Erstlingswerk, das direkt 1000 Seiten haben soll – der erste Band, wohlgemerkt (die Serie ist erstmal auf sieben Bände angelegt, dann mal sehen).
Ich habe Dutzende dieser Geschichten erlebt. Komplette Welten, Kriege, Dynastien werden erschaffen, ganze Clans von Vampiren, Halbdämonen oder Dunkelelfen, und allein die Vorgeschichte ist länger als das Telefonbuch von Berlin. Solche Geschichten werden NIE beendet. Nicht selten, mind you, sondern nie. Von zehn Projekten dieser Art scheitern zehn. Es käme eben auch niemand auf die Idee, einen Marathon zu laufen, ohne je trainiert zu haben.

Ein netter Trick ist, sich aus der Endlosgeschichte eine kleine Episode herauszupicken, die für sich stehen kann, und sich erstmal an der zu versuchen. Es gibt viele Beispiele für längere Geschichten, die in einzelnen Episoden erzählt werden. DER LANGE WEG ZU ZWEIT von John Updike zum Beispiel ist ein Band von 12 Kurzgeschichten, die alle Szenen einer Beziehung darstellen. Nach demselben Prinzip funktionieren auch die Filme SZENEN EINER EHE oder 5X2 (ich erwähnte das episodische Erzählen bereits an anderer Stelle). Man hat immer eine komplette Geschichte, aufgelöst in einzelne Episoden, die genauso gut für sich alleine funktionieren.

Ich und die 1000 Projekte
Sich für ein Projekt zu entscheiden, heißt, sich von Dutzenden anderen Projekten zu verabschieden, die am Ende - wer weiß? sogar noch toller oder profitabler gewesen wären. Die Welt ist voll von Menschen, die, aus Angst, die falsche Entscheidung zu treffen, gar keine treffen. Vielleicht doch der Roman? Oder das Drehbuch? Oder die Kriegsgeschichte? Der Cartoonband? Wie mein lieber Freund und großartiger Kollege Horus einmal sagte: Wer sieben Projekte hat, hat sechs Probleme.

In dem Fall hilft wohl nur, tief Luft zu holen und sich für ein Projekt zu entscheiden, das dann aber auch durchgezogen wird. Die gute Nachricht: die besten Ideen kommen nicht im Vorfeld, sondern beim Machen der Geschichte selbst.
Die Geschichte kommt nicht aus den Füßen.
Wenn eine Geschichte nicht in Gang kommt oder in der Mitte hängen bleibt, kann das viele Gründe haben. Der beliebteste ist, dass die Charaktere unzureichend definiert sind. Ein starker Charakter wird im Idealfall die Geschichte von selbst schreiben. Wenn ein netter Normaltyp in einem Café eine sauere Milch serviert bekommt, ist das keine Geschichte. Wenn Klaus Kinski oder Prince eine sauere Milch bekommt, können wir davon ausgehen, dass der weitere Verlauf zumindest unterhaltsam wird.

Ein guter Plot ist eine feine Sache, aber oft sind es die Charaktere, die im Gedächtnis bleiben. Ich erinnere mich nur an wenige Episoden der SOPRANOS, aber ich erinnere mich sehr gut an Tony Soprano. Es ist eigentlich immer hilfreich, erstmal einen interessanten Charakter zu entwerfen, dem der tolle Plot dann passieren kann.

Andere mögliche Gründe sind, dass dem Autor noch nicht ganz klar ist, was genau er erzählen will, dass er unzureichend geplant hat oder die Ausgangsidee keine ganze Geschichte trägt.
Zuviel Anlauf, zuwenig Rennen – oder umgekehrt
Die meisten angehenden Schreiber, heisst es in BOX OFFICE POISON, verbringen zuviel Zeit mit Angehen und zuwenig Zeit mit Schreiben. Stephen Pressfield beschreibt in seinem wunderbaren Buch THE WAR OF ART eine Kraft, die er RESISTANCE nennt, und die uns daran hindert, unsere Ziele anzugehen. Alle Energie in die Vorbereitung zu stecken, in dem man zB nach dem perfekten Stift sucht oder ein Lehrbuch nach dem anderen verschlingt, oder wenn man wartet, bis die Umstände perfekt sind –all das sind Mechanismen der RESISTANCE. Es schadet nicht, gut vorbereitet zu sein; aber ich kenne viele Menschen, die sich seit Jahren vorbereiten, und viele haben schon vergessen, worauf eigentlich.

Es gibt auch den umgekehrten Fall, und das ist ein Typus, dem ALLE schon mal irgendwo begegnet sind. Sie tun alles Lehrbücher und Kurse als unnötig ab, haben das Selbstvertrauen eines Sonnengottes und sind der festen Überzeugung, dass alles, was sie machen, jede einzelne Idee, sehr, sehr gut ist. Ihr Problem ist allerdings nicht, dass sie ihre Stories nicht beenden: ihr Problem ist eher, dass die Charaktere klischeebeladen oder unausgegoren ist, die Story schreit zum Himmel vor Verzweiflung, und die Gestaltung ist, nun ja, nicht so genial, wie der Autor glaubt. Und so wie manche Männer, und nicht immer die schönsten, denken, sie seien ein Geschenk an die Damenwelt, und alle Frauen, die nichts von ihnen wollen seien verklemmt oder lesbisch oder beides, so gibt es Zeichner, die, teilweise jahrelang, den hanebüchendsten Murks machen und glühen vor Ärger, dass die Welt zu BORNIERT ist, ihr Genie anzuerkennen.

Ein weiterer Satz aus THE WAR OF ART: Wir haben kein Recht auf Erfolg. Wir haben nur ein Recht darauf, zu lernen.

Und die Demut vor dem Handwerk ist eine der größten Lektionen, die ich in den letzten zehn Jahren lernen durfte.